Série Alphonse Mucha – The Arts, 1898

Alphonse Mucha – The Arts (As Artes), 1898 - litografias coloridas – impressor: F. Champenois, Paris

Série Alphonse Mucha – The Arts, 1898

Produzida no auge da fama de Mucha em 1898, esta série foi impressa em pergaminho em uma edição de 1000 cópias, com um adicional de 50 cópias de edição limitada impressas em cetim. Mucha descartou atributos tradicionais como instrumentos musicais, pincéis, etc. Em vez disso, ele enfatizou a inspiração criativa da beleza natural, dando a cada uma das artes um pano de fundo circular com um motivo da natureza que indica uma determinada hora do dia: para a Dança, folhas caídas sopradas por uma brisa matinal. Para a Pintura, uma flor vermelha rodeada de arco-íris em plena luz do dia. Para a Poesia, a estrela da noite brilhando no céu ao entardecer. Para a música, a canção dos pássaros no nascer da lua.

Alphonse Mucha – Music (The Arts series), 1898 - litografia colorida – 60 x 38 cm

Músico apaixonado, Mucha escolheu personificar a música como uma mulher com as duas mãos levantadas para os ouvidos, ouvindo um coro de rouxinóis, o mais criativo e espontâneo dos pássaros.

Alfons Maria Mucha - (Ivančice, 24 de julho de 1860 — Praga, 14 de julho de 1939) foi um pintor, ilustrador e designer gráfico checo e um dos principais expoentes do movimento Art Nouveau. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão os cartazes para os espetáculos de Sarah Bernhardt realizados na França, de 1894 a 1900, e uma série chamada Epopeia Eslava, elaborada entre 1912 e 1930.

Mucha se estabeleceu como um dos principais artistas de cartazes comerciais entre 1895 e 1900. Durante este período, seis cartazes de Mucha apareceram em Les Maîtres de l'Affiche, publicação mensal de Jules Chéret com os melhores cartazes da época, selecionados por ele. A partir desse momento, o estilo distintivo de Mucha foi chamado 'le style Mucha', tornando-se sinônimo do estilo Art Nouveau.

Alphonse Mucha – Poetry (The Arts series), 1898 - litografia colorida – 60 x 38 cm

A poesia é personificada por uma figura feminina contemplando a paisagem ao luar. Ela é enquadrada por um ramo de loureiros, o símbolo de adivinhação e poesia.

Ao ganhar um reconhecimento público mais amplo como o "Mestre do cartaz Art Nouveau", Mucha alcançou grande sucesso em um novo gênero: painéis decorativos ('panneaux décoratifs'). Painéis decorativos eram cartazes sem texto, projetados exclusivamente para apreciação artística ou decoração de paredes interiores. Foi o impressor Champenois quem inventou essa ideia do ponto de vista comercial: maximizar a oportunidade de negócios, reciclando os projetos de Mucha para muitas edições diferentes. No entanto, foi Mucha que os transformou em uma nova forma de arte, acessível e disponível para o público em geral, enquanto que, tradicionalmente, as obras de arte estavam disponíveis apenas para os poucos privilegiados. Mucha acreditava que, através da criação de belas obras de arte, a qualidade de vida poderia seria melhorada. Ele também acreditava que era seu dever como artista promover arte para pessoas comuns. Ele conseguiu cumprir ambos os objetivos por meio do seu conceito inovador de painéis decorativos produzidos em massa.

Alphonse Mucha – Painting (The Arts series), 1898 - litografia colorida – 60 x 38 cm

Uma garota com as mãos estendidas segura uma flor vermelha na mão direita. A flor simboliza a natureza como fonte de inspiração e admiração pelo artista.

Mucha produziu uma grande quantidade de pinturas, cartazes, propagandas e ilustrações de livros, esculturas, bem como desenhos para joias, tapetes, papéis de parede e cenários de teatro no que foi denominado inicialmente The Mucha Style, mas tornou-se conhecido como Art Nouveau (francês para "nova arte"). As obras de Mucha frequentemente incluíam belas mulheres jovens em vestes flutuantes, vagamente neoclássicas, muitas vezes cercadas por flores exuberantes que às vezes formavam halos atrás de suas cabeças.

Alphonse Mucha – Dance (The Arts series), 1898 - litografia colorida – 60 x 38 cm

Dança, a mais sensual da série, é a única figura em pé. Sua figura sinuosa e longos cabelos ruivos balançam com a brisa do outono.

O estilo de Mucha foi exposto internacionalmente na Exposição Universal de 1900 em Paris, da qual Mucha disse: "Acho que a Exposition Universelle contribuiu para trazer valores estéticos para as artes e ofícios. Ele declarou que a arte existia apenas para comunicar uma mensagem espiritual, e nada mais.

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Série Vincent van Gogh – Sunflowers (Girassóis)

Vincent van Gogh - Still Life: Vase with Fifteen Sunflowers, Agosto 1888 – óleo sobre tela – 93 x 73 cm - National Gallery, London, UK

Série Vincent van Gogh – Sunflowers (Girassóis)

Vincent van Gogh produziu duas séries de pinturas com girassóis. Essas pinturas são algumas das mais famosas obras dele. Foram feitas no total, onze pinturas de girassóis.

Vincent van Gogh - Four Cut Sunflowers, agosto-setembro de 1887 – óleo sobre tela – 50 x 100 cm - Kröller-Müller Museum, Otterlo, Holanda

Vincent van Gogh - Two Cut Sunflowers, agosto-setembro de 1887 – óleo sobre tela – 21 x 27 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Holanda

Van Gogh pintou girassóis pela primeira vez em Paris, no verão de 1886, com as flores no chão. Foram feitas quatro pinturas, em Paris. Pouco se sabe sobre as atividades de Van Gogh durante os dois anos em que viveu com seu irmão, Theo, em Paris, de 1886 a 1888. O fato de ele ter pintado Girassóis só foi revelado na primavera de 1889, quando Gauguin reivindicou uma das versões de Arles em troca de estudos que ele havia deixado para trás depois de deixar Arles e ir para Paris.

Vincent van Gogh – Two Cut Sunflowers, agosto-setembro de 1887 – óleo sobre tela – 50 x 60 cm - Kunstmuseum, Bern, Alemanha

Vincent van Gogh - Two Cut Sunflowers, agosto-setembro de 1887 – óleo sobre tela – 43,2 x 61 cm - Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Dois anos depois, o interesse de Van Gogh por girassóis ressurgiu depois que ele se estabeleceu em Arles, ao norte de Marselha, na Provença. Tendo convidado o artista francês pós-impressionista Paul Gauguin, a quem ele admirava, para se juntar ao seu Ateliê no Sul, ele começou a pintar girassóis para iluminar os interiores caiados da casa amarela que alugava na 2 Place Lamartine, não muito longe da estação ferroviária da cidade e de bordéis. Van Gogh viu a produção dos girassóis para o quarto de Gauguin como uma forma de estimular seu amigo a vir da Bretanha. Foram feitas sete pinturas, em Arles.

Vincent van Gogh - Still Life: Vase with Five Sunflowers, Agosto 1888 - óleo sobre tela – 98 x 69 cm - Destruído pelo fogo na Segunda Guerra Mundial (anteriormente em Yokohama)

Vincent van Gogh - Still Life: Vase with Fifteen Sunflowers, janeiro 1889 – óleo sobre tela – 100,5 x 76,5 cm - Sompo Japan Museum of Art, Toquio, Japão

Van Gogh imaginou suas pinturas de girassóis em vaso, como uma série e trabalhou diligentemente nelas em antecipação da chegada em Arles de seu amigo, Paul Gauguin. Sem dúvida, o recurso mais valioso com relação aos insights sobre o desenvolvimento e a execução das obras de Van Gogh são suas cartas para seu irmão, Theo e para outros. Em uma carta para Emile Bernard escrita por volta de 21 de agosto de 1888, Vincent escreveu: "Estou pensando em decorar meu estúdio com meia dúzia de pinturas de girassóis. Uma decoração em que amarelos ásperos ou quebrados explodem contra vários fundos azuis, do mais pálido Veronese, até o azul royal, emoldurada por ripas finas pintadas de laranja. Efeitos dos vitrais de uma igreja gótica. " (Carta 665).

Vincent van Gogh - Still Life: Vase with Fifteen Sunflowers, janeiro 1889 – óleo sobre tela – 95 x 73 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Holanda

Os girassóis irrompem de um simples pote de barro contra um fundo amarelo chamejante. Algumas das flores são frescas e alegres, rodeadas de halos de pétalas bruxuleantes. Outras vão semear e começaram a cair. Em parte, uma meditação sobre os caprichos do tempo, as imagens dão um toque dinâmico e ferozmente colorido à longa tradição da pintura de flores holandesa que remonta ao século XVII.

Vincent van Gogh - Still Life: Vase with Twelve Sunflowers, Agosto 1888 – óleo sobre tela – 91 x 72 cm - Bayerische Staatsgemaldesammlungen, Neue Pinakothek, Munique, Alemanha

Van Gogh reconheceu imediatamente que havia criado algo importante e adorava o fato de seus girassóis serem tão distintos que funcionavam quase como a assinatura de um artista. Como ele disse a Theo em janeiro de 1889, enquanto outros artistas eram conhecidos por pintar flores específicas, como peônias e malvas, “o girassol é meu”.

Vincent van Gogh - Still Life: Vase with Twelve Sunflowers, janeiro 1889 – óleo sobre tela – 92 x 72,5 cm - Philadelphia Museum of Art, USA

Os girassóis de Van Gogh prosperaram durante o século XX, quando as reproduções deles se espalharam pelo mundo, graças à sua rapidez, clareza e força. “Em vez de tentar explicar exatamente o que tenho diante de meus olhos”, disse Van Gogh ao irmão pouco antes de começar a série, “uso a cor mais arbitrariamente para me expressar com força”. Esse uso emocional e subjetivo da cor se mostraria enormemente influente na arte moderna, e continua a falar diretamente com as pessoas hoje. "Eu gostaria de pintar de tal forma que ... todos que têm olhos possam entender", disse Van Gogh certa vez.

Vincent van Gogh - Three Sunflowers in a Vase, Agosto 1888 – óleo sobre tela – 73 x 58 cm - coleção particular, USA

Vincent Willem van Gogh (Zundert, 30 de Março de 1853 — Auvers-sur-Oise, 29 de Julho de 1890) foi um pintor pós-impressionista holandês, autodidata. Seu trabalho teve uma grande influência na arte do século 20. Sua produção inclui retratos, autorretratos, paisagens e naturezas-mortas de ciprestes, campos de trigo e girassóis. Ele completou muitas de suas obras mais conhecidas durante os dois últimos anos de sua vida. Em pouco mais de uma década, produziu mais de 2.100 obras de arte, incluindo 860 pinturas a óleo e mais de 1.300 aquarelas, desenhos, esboços e gravuras.

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Série Pablo Picasso: sua musa Sylvette David

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 23, 1954 - desenho

Série Pablo Picasso: sua musa Sylvette David

Sylvette David, 1954

Pablo Picasso é conhecido por ter tido muitas esposas e amantes que tiveram finais infelizes, algumas cometendo suicídio. Quando ele já estava com mais de setenta anos, em 1954, conheceu uma garota de 19 anos, que usava seu cabelo loiro num rabo-de-cavalo e que chamava a atenção de todos.

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 01, 1954 - desenho

Sylvette David, 1954

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 04, 1954 – desenho – para esse desenho, Sylvette não posou nua, Picasso usou sua imaginação

O verdadeiro nome de Sylvette David é Lydia Corbett, uma artista plástica que cresceu na Riviera Francesa em Cannes e era muito parecida com a atriz Brigitte Bardot. Ela diz que Bardot copiou seu penteado de rabo-de-cavalo. As fotografias de Sylvette com o pintor apareceram na revista Paris Match, onde atraíram a atenção do marido de Bardot, o diretor de cinema Roger Vadim. Ela disse: “Tive apenas um breve encontro com Brigitte Bardot quando passamos uma pela outra na Promenade em Cannes durante o festival de cinema de 1954. Ela estava no braço de Vadim e eu estava no de Picasso, e é claro que nós olhamos uma para a outra e os homens deram uma longa olhada em nós." Bardot visitou Picasso em seu estúdio, mas ele não a pintou.

Brigitte Bardot e Pablo Picasso em Cannes, 1956

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 05, 1954 – óleo sobre tela

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 21, 1954 - desenho

Sylvette e seu noivo, Toby Jellinek, haviam se mudado para Vallauris para morar com a mãe dela. Toby, que era um designer de móveis de vanguarda, tinha um ateliê não muito longe do estúdio de Picasso, e Sylvette frequentemente passava pela janela do artista a caminho para encontrá-lo. Seu primeiro encontro com Picasso veio depois que o espanhol comprou duas cadeiras de Toby, que as entregou a sua modesta villa, La Galloise, nas colinas acima de Vallauris, acompanhadas por Sylvette.

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 25, 1954 - – óleo sobre tela

Sylvette David, 1954

 

Sobre a parede de seu estúdio ao lado, Sylvette viu Picasso segurando uma de suas pinturas. Era uma imagem simples de uma jovem com uma franja e um rabo de cavalo; foi um retrato dela, executado de memória. "Foi como um convite", ela lembrou mais tarde, então ela e suas amigas foram bater na porta dele. Picasso ficou tão feliz em ver Sylvette que ele a abraçou imediatamente. “Eu quero pintar você, pintar Sylvette!” Ele gritou.

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette 27, 1954 - desenho

Pablo Picasso – Portrait of Sylvette David 24 in a Green Chair, 1954 - – óleo sobre tela

Nos meses que se seguiram, entre abril e junho, Picasso persuadiu Sylvette a posar para ele regularmente e criou uma série de mais de 60 retratos dela em várias mídias, incluindo desenhos e esculturas, além de 28 pinturas. Quando as obras foram expostas, as pessoas ficaram intrigadas com a natureza do relacionamento do artista com essa jovem beleza tímida e moderna. A revista Life anunciou uma nova época na arte de Picasso: o seu "Ponytail Period" (Período do rabo-de-cavalo). No entanto, depois disso, os críticos de arte passaram a desprezar essa série. Picasso havia sido abandonado por François Gilot e ele estava deprimido, encontrando consolo na beleza juvenil de Sylvette, porém sem nunca ter dormido com ela e, portanto, os críticos acharam que faltava engajamento emocional entre o artista e a modelo. Para outros, essa série demonstra a virtuosidade e inovação artística de Picasso.

Pablo Picasso – Sylvette David – escultura em concreto – 7,5 m de altura - Rotterdam, Holanda

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, ou simplesmente Pablo Picasso (Málaga, 25 de outubro de 1881 — Mougins, 8 de abril de 1973), foi um pintor, escultor e desenhista espanhol. Foi reconhecidamente um dos mestres da arte do século XX. É considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o mundo, tendo criado mais de 20.000 trabalhos, não somente pinturas, mas também esculturas, cerâmica, gravura, desenho, cenários de teatro, usando, todos os tipos de materiais. Ele também é conhecido como um dos fundadores do Cubismo.

Sylvette David

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Série Alphonse Mucha – The Seasons (As Estações), 1896

Alphonse Mucha – The Seasons (As Estações), 1896 - litografias coloridas – 103 x 54 cm – impressor: F. Champenois, Paris

Série Alphonse Mucha – The Seasons (As Estações), 1896

Este foi o primeiro conjunto de painéis decorativos de Mucha e se tornou uma de suas séries mais populares. Era tão popular que Mucha foi convidado por Champenois para produzir pelo menos mais dois conjuntos baseados no mesmo tema em 1897 e 1900. Desenhos para mais dois conjuntos também existem. A ideia de personificar as estações não era novidade - exemplos podiam ser encontrados nas obras dos Antigos Mestres, assim como nas outras publicações de Champenois. No entanto, as mulheres parecidas com ninfas de Mucha, sobrepostas a vistas sazonais do campo deram nova vida ao tema clássico. Nos quatro painéis mostrados aqui, Mucha captura os humores das estações - Primavera inocente, Verão sensual, Outono frutuoso e Inverno gelado, e juntos representam o ciclo harmonioso da Natureza.

Alphonse Mucha – Spring (Primavera), 1896 - litografia colorida – 103 x 54 cm

Alfons Maria Mucha - (Ivančice, 24 de julho de 1860 — Praga, 14 de julho de 1939) foi um pintor, ilustrador e designer gráfico checo e um dos principais expoentes do movimento Art Nouveau. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão os cartazes para os espetáculos de Sarah Bernhardt realizados na França, de 1894 a 1900, e uma série chamada Epopeia Eslava, elaborada entre 1912 e 1930.

Mucha se estabeleceu como um dos principais artistas de cartazes comerciais entre 1895 e 1900. Durante este período, seis cartazes de Mucha apareceram em Les Maîtres de l'Affiche, publicação mensal de Jules Chéret com os melhores cartazes da época, selecionados por ele. A partir desse momento, o estilo distintivo de Mucha foi chamado 'le style Mucha', tornando-se sinônimo do estilo Art Nouveau.

Alphonse Mucha – Summer (Verão), 1896 - litografia colorida – 103 x 54 cm

Ao ganhar um reconhecimento público mais amplo como o "Mestre do cartaz Art Nouveau", Mucha alcançou grande sucesso em um novo gênero: painéis decorativos ('panneaux décoratifs'). Painéis decorativos eram cartazes sem texto, projetados exclusivamente para apreciação artística ou decoração de paredes interiores. Foi o impressor Champenois quem inventou essa ideia do ponto de vista comercial: maximizar a oportunidade de negócios, reciclando os projetos de Mucha para muitas edições diferentes. No entanto, foi Mucha que os transformou em uma nova forma de arte, acessível e disponível para o público em geral, enquanto que, tradicionalmente, as obras de arte estavam disponíveis apenas para os poucos privilegiados. Mucha acreditava que, através da criação de belas obras de arte, a qualidade de vida poderia seria melhorada. Ele também acreditava que era seu dever como artista promover arte para pessoas comuns. Ele conseguiu cumprir ambos os objetivos por meio do seu conceito inovador de painéis decorativos produzidos em massa.

Alphonse Mucha – Autumn (Outono), 1896 - litografia colorida – 103 x 54 cm

Mucha produziu uma grande quantidade de pinturas, cartazes, propagandas e ilustrações de livros, esculturas, bem como desenhos para joias, tapetes, papéis de parede e cenários de teatro no que foi denominado inicialmente The Mucha Style, mas tornou-se conhecido como Art Nouveau (francês para "nova arte"). As obras de Mucha frequentemente incluíam belas mulheres jovens em vestes flutuantes, vagamente neoclássicas, muitas vezes cercadas por flores exuberantes que às vezes formavam halos atrás de suas cabeças.

Alphonse Mucha – Winter (Inverno), 1896 - litografia colorida – 103 x 54 cm

O estilo de Mucha foi exposto internacionalmente na Exposição Universal de 1900 em Paris, da qual Mucha disse: "Acho que a Exposition Universelle contribuiu para trazer valores estéticos para as artes e ofícios. Ele declarou que a arte existia apenas para comunicar uma mensagem espiritual, e nada mais.

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Série Pierre-Auguste Renoir – pinturas com cães

Pierre-Auguste Renoir – Tama, the Japanese Dog, c. 1876 – óleo sobre tela – 38,3 x 46,2 cm – The Clark Art Institute, Williamstown, MA, USA

Renoir pintou esta imagem de um pequinês-spaniel para seu amigo Henri Cernuschi, um banqueiro e colecionador de arte asiática. A raça, uma das favoritas da família imperial japonesa, foi considerada elegantemente exótica quando Cernuschi trouxe o cão para a França em 1873. O pelo preto e branco do animal se destaca contra as pinceladas coloridas do fundo, que em parte obscurecem uma inscrição do nome do animal, Tama, fracamente visível no canto superior esquerdo da pintura.

Série Pierre-Auguste Renoir – pinturas com cães

Pierre-Auguste Renoir – Head of a Dog, 1870 – óleo sobre tela – 21,9 x 20 cm – National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Pierre-Auguste Renoir – Girl with a Dog, c. 1875 – óleo sobre tela – coleção particular

Pierre-Auguste Renoir - Portrait of Alfred Bérard with His Dog, 1881 – óleo sobre tela - 65.2 x 51.1 cm – Philadelphia Museum of Art, Philadelphis, PA, USA

Pierre-Auguste Renoir - Young Woman with a Dog, 1876 - óleo sobre tela – coleção particular

Pierre-Auguste Renoir – Madame Renoir (Aline Charigot) with a Dog, 1880 – óleo sobre tela – 32 x 41 cm – coleção particular

Aline Charigot também foi retratada com seu cãozinho em outra pintura de Renoir: “Luncheon of the Boating Party”. Esse blog possui um artigo sobre essa pintura. Clique sobre o link abaixo para ver:

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Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party, 1880 – 1881 – óleo sobre tela – 129,9 x 172,7 cm - The Phillips Collection, Washington, DC, USA

Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party – detalhe: Aline Charigot

Pierre-Auguste Renoir - Young Girl with a Dog, 1888 - óleo sobre tela – coleção particular

Pierre-Auguste Renoir - Woman with a Black Dog, 1874 – óleo sobre tela – coleção particular

Pierre-Auguste Renoir - Jules Le Coeur Walking in the Fontainbleau Forest with his Dogs, 1866 – óleo sobre tela - Museu de Arte de São Paulo Assis Châteaubriand, São Paulo, Brasil

Em fevereiro de 1866, Renoir acompanhou o arquiteto e pintor Jules Le Coeur em uma caminhada e pintura por Fontainebleau. Durante a primeira metade do século XIX, o desenvolvimento de um extenso sistema ferroviário proporcionou acesso mais fácil e rápido ao ambiente natural, além dos limites imediatos da cidade de Paris. A floresta de Fontainebleau, um retiro real, tornou-se um local popular de recreação e escape das tensões da vida urbana. A expansão das trilhas para caminhada e a publicação de numerosos guias para a floresta introduziram novas paisagens silvestres para consumo e diversão públicos. A floresta tornou-se um tema popular entre pintores e fotógrafos, e Renoir criou várias obras que capturaram a densa vegetação e colinas de Fontainebleau. Essa pintura foi, sem dúvida, executada no local, bem como no estúdio. Renoir retratou seu amigo enquanto ele subia por um caminho coberto de grama através do terreno montanhoso e densamente coberto da Floresta.

Esse blog possui mais artigos sobre Pierre-Auguste Renoir. Clique sobre os links abaixo para ver:

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http://www.arteeblog.com/2016/09/as-irmas-cahen-danvers-em-pinturas-de.html

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http://www.arteeblog.com/2015/11/analise-de-beira-mar-by-seashore-de.html

http://www.arteeblog.com/2014/09/a-historia-da-obra-de-arte-pierre.html

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Série Van Gogh - Le Moulin de la Galette

Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette, 1886 – óleo sobre tela – 46 x 38 cm – Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, USA

Série Van Gogh - Le Moulin de la Galette

Em 1886, Vincent Van Gogh (North Brabant, Holanda, 30 de Março de 1853 – Auvers-sur-Oise, França, 29 de Julho de 1890) se mudou da Holanda para Paris, para ter a orientação de seu irmão, Theo van Gogh. Na Holanda ele tinha sido influenciado por grandes mestres holandeses, e sua vinda a Paris significava que ele iria ter a oportunidade de ser influenciado pelos Impressionistas, Simbolistas, Pontilhistas e pela arte japonesa. Em Paris, seu círculo de amigos incluía Émile Bernard, Paul Gauguin, Camille Pissarro, Henri de Toulouse-Lautrec, e outros.

Montmartre era um bairro conhecido por seus bares, cafés e salão de dança. Por estar localizado na borda do campo, proporcionou a Van Gogh a oportunidade de trabalhar em pinturas de cenários rurais, enquanto morava em Paris.

“Le Moulin de la Galette” é o tema e título de diversas pinturas feitas por Vincent van Gogh em 1886, de um moinho de vento. O Moulin de la Galette (também chamado “Blute-Fin”) se localizava sobre um morro, perto do apartamento que Van Gogh compartilhava com seu irmão Theo de 1886 até 1888, em Montmartre, Paris. Construído em 1622, foi originalmente chamado Blute-Fin e pertencia à família Debray no século XIX. Nessa época haviam mais dois moinhos nesse morro. O Moulin de la Galette tinha um terraço para as pessoas apreciarem a vista e era também o nome de um salão de dança ao ar livre. Além de Van Gogh, Toulouse-Lautrec e Pierre-Auguste Renoir também pintaram o Moulin de la Galette. O nome da pintura de Renoir do salão de dança é “Bal du Moulin de la Galette”.

Nas primeiras pinturas de Van Gogh em Paris, as cores são sombrias e evocam uma sensação de ansiedade e solidão.

Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette, 1886 – óleo sobre tela – 38 x 46 cm - Stiftung Langmatt, Baden, Switzerland

Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette, 1886 – óleo sobre tela – 38, 5 x 46 cm – Kröller-Müller Museum, Otterlo, Holanda

Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette, 1886 – óleo sobre tela – 38 x 46,5 cm – Neue Nationalgalerie, Berlin

A pintura “The Blute-Fin Windmill, Montmartre” reflete a transição artística de Van Gogh. Influenciado pelo Impressionismo, Van Gogh pintou esta obra com cores mais claras e pinceladas soltas para capturar luz e movimento.

Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette (The Blute-Fin Windmill, Montmartre), 1886 – óleo sobre tela – 46 x 38 cm - Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, Escócia

 Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette, 1886 – óleo sobre tela – 61 x 50 cm - Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina

Essa pintura é um exemplo de como Van Gogh usou uma técnica chamada “impasto” para aplicar a tinta fortemente, e que criou um efeito de relevo, para transmitir emoção. As pinceladas no moinho de vento e nas portas são visíveis. Os rostos das duas pessoas foram criados com apenas um par de pinceladas.

Vincent Van Gogh - Le Moulin de la Galette, 1886 – óleo sobre tela – 55 x 38,5 cm – coleção particular

Vincent van Gogh - Le Moulin de Blute-Fin, 1886 – óleo sobre tela - Museum de Fundatie, Zwolle, Holanda

Vincent van Gogh - Le Moulin de Blute-Fin, 1886 – óleo sobre tela – 48,2 x 39,5 cm - Bridgestone Museum of Art, Tokyo, Japão

Vincent van Gogh - Terrace and Observation Deck at the Moulin de Blute-Fin, Montmartre, 1886 – óleo sobre tela – 44 x 33,5 cm - Art Institute of Chicago, USA

Outras pinturas com moinho de Van Gogh:

Vincent van Gogh - The Hill of Montmartre with Stone Quarry, 1886 – óleo sobre tela – 32 x 41 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Holanda

Vincent van Gogh - The Hill of Montmartre with Quarry, 1886 – óleo sobre tela – 56 x 62,5 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Holanda

Vincent Van Gogh - The Hill of Montmartre also View of Montmartre with Windmills, 1886 – óleo sobre tela – 36 x 61 cm - Kröller-Müller Museum, Otterlo, Holanda

Vincent Van Gogh - Windmill On Montmartre, 1886 – óleo sobre tela – 46,5 x 38 cm – destruido por fogo em 1967

Vincent Van Gogh - Vegetable Gardens in Montmartre, La Butte Montmartre, 1887 – óleo sobre tela – 44,8 x 81 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Holanda

Vincent Van Gogh - Street Scene in Montmartre, Le Moulin a Poivre, 1887 – óleo sobre tela – 34,5 x 64,5 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Holanda

Vincent Van Gogh - Vegetable Gardens in Montmartre, La Butte Montmartre, 1887 – óleo sobre tela – 96 x 120 cm - Stedelijk Museum, Amsterdam, Holanda

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