quarta-feira, 28 de junho de 2017

Análise da pintura de Peter Paul Rubens - Portrait of Susanna Lunden (Le Chapeau de Paille)

Peter Paul Rubens - Portrait of Susanna Lunden (Le Chapeau de Paille), 1622-1625 – óleo sobre madeira de carvalho – 79 x 54,6 cm – The National Gallery, London, UK


Análise da pintura de Peter Paul Rubens - Portrait of Susanna Lunden (Le Chapeau de Paille)


O retrato é provavelmente de Susanna Lunden, nascida Susanna Fourment, terceira filha de Daniel Fourment, um comerciante de seda e tapeçaria de Antuérpia. Sua irmã mais nova Helena tornou-se a segunda esposa de Rubens em 1630. Susanna Fourment casou-se com seu segundo marido Arnold Lunden em 1622. O retrato provavelmente data da época. O olhar direto da modelo sob a sombra do chapéu, juntamente com o anel em seu dedo, sugere que a pintura é um retrato de casamento.

O título "Le Chapeau de Paille" (O Chapéu de Palha) foi usado pela primeira vez no século 18. Na verdade, o chapéu não é de palha. 'Paille' pode ser um erro para 'poil', que é a palavra francesa para feltro. O chapéu, que sombreia o rosto da modelo, é a característica mais proeminente da pintura. Rubens ampliou a pintura à medida que o trabalho prosseguia, adicionando uma terceira tira de madeira à direita e ampliando a imagem na base. As adições criaram uma maior extensão de céu, e Rubens adicionou nuvens à direita que contrastam com o céu mais claro à esquerda, de onde a luz incide sobre o corpo e as mãos da modelo.


Sir Peter Paul Rubens (28 de Junho de 1577 - 30 de Maio de 1640) foi um pintor barroco flamengo. Possuía um estilo barroco extravagante que enfatizava movimento, cor e sensualidade, Rubens é bem conhecido por seus altares Contrarreformistas, retratos, paisagens e pinturas históricas de temas mitológicos e alegóricos. Além de administrar um grande estúdio na Antuérpia, que produzia pinturas que eram populares com a nobreza e com colecionadores de arte em toda a Europa, Rubens era um estudioso humanista, classicamente educado e um diplomata, condecorado por Filipe IV da Espanha e por Charles I da Inglaterra.


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sexta-feira, 23 de junho de 2017

Análise da pintura de Vincent Van Gogh - Still Life with a Plate of Onions

Vincent Van Gogh - Still Life with a Plate of Onions (Natureza Morta com Prato de Cebolas), 1889 – óleo sobre tela – 64 x 50 cm - Kröller-Müller Museum, Otterlo, Netherlands


Análise da pintura de Vincent Van Gogh - Still Life with a Plate of Onions


Após sair de uma hospitalização, Van Gogh alugou a Casa Amarela em Arles e convidou Paul Gauguin para vir trabalhar com ele lá. Mas logo eles se desentenderam. Após uma discussão acalorada, Van Gogh ficou desorientado e cortou sua própria orelha esquerda. Ele foi então internado no hospital em Arles e recebeu alta em 7 de janeiro de 1889.

Naquele dia, ele escreveu para seu irmão Theo que ele pretendia começar a trabalhar em duas naturezas mortas no dia seguinte, para se acostumar a pintar novamente. Uma delas é essa “Natureza Morta com Prato de Cebolas”, pintada em cores contrastantes. A pintura foi realizada com pinceladas quase horizontais, enquanto o fundo foi composto de pinceladas verticais.

Os objetos indicam que Van Gogh recuperou novamente a rotina do cotidiano: a carta de Theo, o prato de cebolas, o cachimbo com tabaco, a garrafa de vinho ou absinto, o bule de café, o calendário com a vela acesa, o pedaço de cera de selagem, a caixa de fósforos e, finalmente, o livro “Annuaire de la Santé” sobre boa nutrição e higiene.

Vincent Willem van Gogh (Zundert, 30 de Março de 1853 — Auvers-sur-Oise, 29 de Julho de 1890) foi um pintor pós-impressionista holandês. Seu trabalho teve uma grande influência na arte do século 20. Sua produção inclui retratos, auto-retratos, paisagens e naturezas-mortas de ciprestes, campos de trigo e girassóis. Ele completou muitas de suas obras mais conhecidas durante os dois últimos anos de sua vida. Em pouco mais de uma década, produziu mais de 2.100 obras de arte, incluindo 860 pinturas a óleo e mais de 1.300 aquarelas, desenhos, esboços e gravuras.

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sexta-feira, 16 de junho de 2017

A história da pintura de John Singer Sargent - The Fountain, Villa Torlonia, Frascati, Italy

John Singer Sargent - The Fountain, Villa Torlonia, Frascati, Italy – 1907 – óleo sobre tela - 71.4 × 56.5 cm - The Art Institute of Chicago, USA


A história da pintura de John Singer Sargent - The Fountain, Villa Torlonia, Frascati, Italy


Situado num jardim iluminado pelo sol, na cidade central de Frascatti, este encantador retrato duplo é repleto de luz. Nessa pintura, Sargent retratou a artista Jane de Glehn esboçando o cenário em frente dela, assistida por Wilfrid de Glehn, seu marido artista. Jane descreveu como foi posar para a pintura em uma carta para sua irmã Lydia, em 6 de outubro de 1907, dizendo que Sargent estava fazendo uma imagem divertida dela, empoleirada em uma balaustrada, com Wilfrid olhando o esboço com uma expressão desdenhosa e uma atitude indolente. Nessa carta, ela também diz que parece um pierrô, vestida toda de branco, com uma bata de pintura branca e um véu azul pálido ao redor do chapéu, e com uma expressão preocupada como, segundo Sargent, todo artista deve ter.

Jane Erin Emmet de Glehn (1873 - 1961) era uma pintora americana de retratos. A carreira de Jane Emmet começou enquanto estudava na New York's Art Students League. Em seguida, viajou para a Europa para ver o trabalho dos Grandes Mestres e continuar seus estudos. Depois de retornar à América, conheceu e se casou com o notável pintor impressionista britânico Wilfrid de Glehn (1870-1951). Após o casamento, o casal viajou para Cornwall, na Inglaterra, Paris e Veneza e se estabeleceu em Londres. Na Inglaterra, Jane continuou a desenhar e pintar, expondo seu trabalho no New English Art Club e na Royal Academy. Ela trabalhava principalmente com giz e carvão vegetal. O jovem casal se tornou frequente companheiro de viagem do pintor americano John Singer Sargent, que Jane Emmet de Glehn conheceram durante a apresentação da dançarina Carmencita em 1890. Entre 1905 e 1914, o trio se retratou em muitas de suas obras enquanto viajava pela Europa.

John Singer Sargent (Florença, 12 de janeiro de 1856 — Londres, 14 de abril de 1925) foi um dos retratistas mais procurados e prolíficos da alta sociedade internacional. Um americano expatriado, John Singer Sargent pintou com elegância o mundo cosmopolita, ao qual pertencia. Nascido de pais americanos que residiam na Itália, Sargent passou sua vida adulta em Paris, movendo-se para Londres em meados de 1880. O artista viajava com frequência, e foi durante essas viagens que ele experimentou mais extensivamente com pintura en plein air, ou ao ar livre. Tornou-se um dos maiores retratistas e muralistas de seu tempo. Com a maestria técnica e a engenhosidade de seus trabalhos, retratou brilhantemente seus modelos, com foco no refinamento aristocrático e a altivez.

Sargent cultivou e manteve amizades (tais como os artistas Claude Monet e Auguste Rodin, os escritores Robert Louis Stevenson e Henry James, e o ator Ellen Terry, entre outros) que foram essenciais para a sua arte, nutrindo sua criatividade e fornecendo inspiração, e elas foram cruciais para o desenvolvimento de sua carreira ao longo de sua vida. Sargent constantemente expandiu o seu círculo de colaboradores, permanecendo dedicado aos amigos ao longo da vida. Por exemplo, era comum Sargent manter relações sociais com clientes, anos depois de ter concluído os seus retratos. Sua rede de amigos tornou possível alcançar o sucesso em ambos os lados do Atlântico.


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sábado, 10 de junho de 2017

A história do retrato de Henri Matisse por André Derain

André Derain – “Henri Matisse”, 1905 – óleo sobre tela – 46 x 34,9 cm – Tate Modern, London, UK


A história do retrato de Henri Matisse por André Derain


Este retrato pode ter sido o exposto no Salon d'Automne em outubro-novembro de 1905 como 'Portrait'. Ele foi feito durante um feriado no porto de pesca de Collioure, no sul da França, no verão de 1905, quando Henri Matisse e Derain pintaram retratos uns dos outros. Durante esta viagem, Derain também pintou uma pequena tela de Matisse sentado com os pés descalços numa mesa na praia.


André Derain – Portrait of Henri Matisse, c. 1905 – óleo sobre tela – 33 x 41 cm – Philadelphia Museum of Art, PA, USA

Esta pintura é um dos três retratos de Matisse feitos por Derain, que são a representação de um artista mais jovem de seu mentor mais velho, e também um souvenir do verão, quando eles influenciaram o trabalho um do outro. Matisse é visto através de uma porta, sentado em uma mesa dobrável junto ao mar. Descalço, com as calças enroladas acima dos tornozelos, ele senta-se numa cadeira de praia frágil. As pinceladas espessas de pigmento saturado transformam pontos delicados do Pontilhismo em um estilo ousado de pinceladas individuais colocadas lado a lado ou uma acima da outra. O resultado é um padrão semelhante a um mosaico e um esquema rítmico de cores primárias que mantêm a frescura de um esboço rápido enquanto captura vividamente a configuração onde Matisse e Derain trabalhavam.


Matisse conheceu Derain em 1900 e, no outono de 1904, quando Derain acabava de voltar de seu serviço militar, o ajudou a persuadir seus pais a não o fazer desistir de sua carreira como pintor. Na primavera de 1905, Derain juntou-se aos Matisses quando foram para o sul em Collioure. Foi lá que os dois artistas fizeran suas primeiras pinturas Fauve puras e características. Em contraste com a estância balneária de Saint Tropez, onde Matisse tinha passado férias e pintado em 1904, Collioure em 1905, era uma cidade portuária e uma autêntica vila de pescadores em declínio. Os guias de turismo da época, enfatizavam a luz e a cor de Collioure como suas atrações mais famosas, e as cartas de Derain para seus amigos em Paris registram que a representação da luz e da sombra era um tema muito discutido pelos dois artistas.

Sob a influência de Matisse, Derain começou a usar cores fortes e não naturalistas, aplicadas em pequenas pinceladas separadas, para transmitir as sensações de luz e sombra. O uso radical de cor deles levou os críticos os descreverem como ‘fauvistas’ ou feras, e ‘fauvismo’ tornou-se um importante paralelo à ascensão do expressionismo na Alemanha. O grupo Les Fauves (os animais selvagens) enfatizava a cor brilhante e os contornos. Outros artistas do Fauvismo foram Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault e Maurice de Vlaminck.


André Derain (Île-de-France, 10 de junho de 1880 - Île-de-France, 8 de setembro de 1954) começou a estudar por conta própria. Em 1898, ele estudava engenharia e também pintura com Eugène Carrière. Em 1900 ele conheceu e dividiu um estúdio com Maurice de Vlaminck, mas isso foi interrompido pelo serviço militar até 1904. Então ele passou um período com Henri Matisse no sul da França e depois frequentou a Académie Julian em Paris.

Em março de 1906, o conhecido comerciante de arte Ambroise Vollard enviou Derain para Londres para produzir uma série de pinturas com a cidade como tema. Em 30 pinturas (29 das quais ainda existem), Derain apresentou um retrato de Londres que era radicalmente diferente de qualquer coisa feita por pintores anteriores da cidade, como Whistler ou Monet. Com cores e composições corajosas, Derain pintou várias imagens do Tamisa e da Tower Bridge. Essas pinturas de Londres permanecem entre suas obras mais populares. Em 1907 Derain se mudou para Montmartre para estar perto de seu amigo Pablo Picasso e de outros artistas notáveis. Em Montmartre, ele começou a mudar a paleta Fauvista brilhante para tons mais silenciosos, mostrando a influência do cubismo e de Paul Cézanne. Por volta de 1911, o trabalho de Derain começou a refletir seu estudo dos Antigos Mestres. Ele foi convocado pelo exército durante a Primeira Guerra Mundial. Após a guerra, Derain ganhou nova aclamação como líder do classicismo renovado, então ascendente. Com a loucura de seus anos Fauve muito atrás, ele foi admirado como um defensor da tradição.


Henri Matisse - Portrait of André Derain, 1905 - óleo sobre tela - 29 x 39,5 cm - Tate Modern, London, UK


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terça-feira, 6 de junho de 2017

Análise das pinturas de Diego Velazquez: “Tavern Scene with Two Men and a Girl” e “The Luncheon”

Diego Velázquez – Luncheon, c. 1617 – óleo sobre tela – 108,5 x 102 cm – The State Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia


Análise das pinturas de Diego Velazquez: “Tavern Scene with Two Men and a Girl” e “The Luncheon”


A pintura, uma das primeiras de Velázquez, retrata uma mesa coberta por um pano enrugado, no qual se encontram duas romãs e um pedaço de pão. As pessoas animadas presentes no almoço incluem um homem idoso à esquerda, um jovem à direita, e um menino alegre segurando uma garrafa de vinho. Na parede do fundo, estão pendurados uma echarpe branca, uma bolsa de couro e, à direita, uma espada. Essa pintura é quase idêntica a outra de Velázquez:


Diego Velázquez - Tavern Scene with Two Men and a Girl, c. 1618-1619 – óleo sobre tela – 96 x 112 cm -  Museum of Fine Arts, Budapest, Hungria


Velázquez não imitava a realidade, ele a criava. Nesta cena de taberna, assim como em outras cenas similares de cozinha ou de taverna, pessoas comuns povoam as telas, em uma situação aparentemente banal, como se as páginas de romances picarescos tivessem se tornado vivas, onde as brincadeiras de servos astutos fizessem cócegas na fantasia dos leitores. Só podemos adivinhar a história exata por trás da imagem, mas se os vermos como personagens de uma história, a presença das figuras tem tanto peso e significado quanto os reis que povoaram as obras do período maduro de Velázquez.

Essa pintura combina uma natureza morta de comida e bebida (com peixe, pão, cenoura, limão e caneca de cobre), com uma representação de três agricultores. A composição mostra um homem jovem gesticulando com a mão direita para reforçar a história vindo de seus lábios meio abertos, e um homem mais velho ouvindo atentamente enquanto segura seu copo para que uma mulher o sirva com vinho.


Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (06 de junho de 1599 - 06 de agosto de 1660) foi um pintor espanhol, o artista principal na corte do rei Filipe IV e um dos pintores mais importantes do Século de Ouro espanhol. Ele era um artista do período barroco, importante como retratista. Além de inúmeras interpretações de cenas de significado histórico e cultural, pintou dezenas de retratos da família real espanhola e de outras figuras notáveis, europeus e plebeus, culminando na produção de sua obra-prima "Las Meninas" (1656).


Diego Velázquez – Las Meninas, 1656 – óleo sobre tela – 276 x 318 cm - Museo del Prado, Madrid, Spain

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Velázquez foi pintor da corte e curador durante as décadas de 1640 e 1650 da cada vez maior coleção de arte do rei Filipe. Ele aparentemente recebeu um nível de liberdade incomum nessa função. Supervisionou a decoração e desenho interior dos aposentos que tinham as pinturas mais valiosas, adicionando espelhos, estátuas e tapeçarias. Velázquez também foi responsável pelo fornecimento, atribuição e inventário da maioria das pinturas do rei. Ele era amplamente respeitado na Espanha por volta da década de 1650 como um conhecedor de artes. Grande parte da coleção do Museu do Prado atual, incluindo obras de Ticiano, Rafael e Peter Paul Rubens, foram adquiridas e reunidas durante a curadoria de Velázquez.


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sábado, 3 de junho de 2017

Análise da pintura de Raoul Dufy - Regatta at Cowes

Raoul Dufy - Regatta at Cowes, 1934 – óleo sobre linho - 81.6 x 100.3 cm - National Gallery of Art, Washington, D.C., USA


Análise da pintura de Raoul Dufy - Regatta at Cowes


A pintura mais famosa de Raoul Dufy, "Regatta at Cowes", é conhecida pela sua colorida representação de uma corrida de barcos ao longo da Riviera Francesa. Dufy pintou esta obra-prima quando ele se hospedou em um resort famoso na Ilha de Wight, Inglaterra, local de regatas internacionais. Nesta ocasião, ele testemunhou muitos iates pequenos se preparando para a corrida. Este espetáculo inspirou Dufy a usar suas pinceladas brilhantes e criar essa maravilhosa pintura.

Dufy pintou os iates organizados aleatoriamente, possivelmente vibrando na brisa leve, capturando a energia e o romantismo do ambiente do mar. Esta pintura imensamente colorida retrata a busca da alegria desenfreada, o entusiasmo e a interpretação emocional de Dufy, sem fazer uma afirmação social. Depois de realizar essa pintura, Dufy passou a explorar mais rios, como Deauville e Trouville, onde ele retratou seus barcos chiques. "Regatta at Cowes" continua a encantar os amantes da arte por seu fervor, luminosidade e entusiasmo, e é um marco intemporal e importante para o Fauvismo.


Raoul Dufy (03 de junho de 1877 - 23 de março de 1953) foi um pintor fauvista francês. Ele também era um desenhista, gravador, ilustrador de livros, designer cênico, designer de móveis, e planejador de espaços públicos. A partir de 1905, Dufy entendeu que o Impressionismo era uma coisa do passado e que a pintura estava agora se voltando para uma transcrição de "a imaginação introduzida no desenho e cor". O grupo Les Fauves (os animais selvagens) enfatizava a cor brilhante e os contornos. A pintura de Dufy refletiu essa estética até cerca de 1909, quando o contato com a obra de Paul Cézanne o levou a adotar uma técnica um pouco mais sutil.

A cor era mais importante para Dufy, do que as formas. Ele se concentrou em relações de cores e na composição da arte como um todo, idealizando um sistema que permitiu representar a essência de um espaço sem registrar a cor local. A pintura tradicional tenta criar espaço tridimensional em uma superfície plana, no entanto Dufy usou sua própria fórmula de composição para expressar ritmos visuais através de uma superfície plana bidimensional com profundidade limitada. Os óleos e aquarelas alegres de Dufy retratam acontecimentos da época, incluindo cenas de iates, vistas da Riviera Francesa, festas chiques e eventos musicais. A natureza otimista, da moda, decorativa e ilustrativa de grande parte de seu trabalho fez com que sua produção fosse menos valorizada do que as obras de artistas que abordaram criticamente uma ampla gama de preocupações sociais.


Esse blog possui mais um artigo sobre Raoul Dufy. Clique sobre esse link para ver:



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quinta-feira, 1 de junho de 2017

Pinturas e ilustrações do mês de Junho

Eugène Grasset - La Belle Jardiniere – June – 1896 – ilustração


Pinturas e ilustrações do mês de Junho


Isaac Levitan - A day in June, c.1895 – óleo sobre tela – coleção particular


Sir Frederic Leighton - Flaming June - 1895 – óleo sobre tela - 120.6 x 120.6 cm - Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico

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Camille Pissarro - June Morning, View over the Hills over Pontoise – 1873 – óleo sobre tela - Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe, Germany


Childe Hassam - Across the Avenue in Sunlight, June, 1918 – óleo sobre tela – coleção particular

Algumas obras mais marcantes e famosas de Hassam compõem o conjunto de cerca de trinta pinturas conhecidas como a série "Flag" (Bandeira). Ele a começou em 1916 quando foi inspirado por um "Desfile de preparação", para a participação americana na Primeira Guerra Mundial, que foi realizado na Quinta Avenida em Nova York (rebatizado de "Avenida dos Aliados" durante as movimentações de 1918). Milhares de pessoas participaram desses desfiles que muitas vezes duravam mais de 12 horas.
Hassam mostra um caráter distintamente americano, mostrando as bandeiras exibidas na rua mais elegante de Nova York, com o seu próprio estilo composicional e visão artística. Na maioria das pinturas da série, as bandeiras dominam o primeiro plano, enquanto em outras as bandeiras são simplesmente parte do panorama festivo. Em algumas, as bandeiras americanas acenam sozinhas e em outras, as bandeiras dos Aliados vibram também.


Alfred Sisley - Morning in June (Saint Mammes et les Coteaux de la Celle) - 1884 – óleo sobre tela - 54 x 73 cm – coleção particular


Henri Fantin-Latour - The Rosy Wealth of June - 1886 – óleo sobre tela - 70.5 x 61.5 cm - National Gallery (London, United Kingdom)


Joseph Rodefer DeCamp – June Sunlight, 1902 – óleo sobre tela – 76,2 x 63,5 cm – coleção particular


Charles-Francois Daubigny - Fields in the Month of June - Herbert F. Johnson Museum of Art, USA


Childe Hassam - Twenty-Six of June, Old Lyme, 1912 – óleo sobre tela – coleção particular

Nesta pintura Hassam comemorou em 26 de junho de 1912, o aniversário de cinquenta anos de sua esposa, Maud Hassam. O vaso de louros da montanha estabelece a configuração de Old Lyme, Connecticut. Flor oficial de Connecticut, o louro cresce em todo o estado, mas floresce em saliências rochosas de Old Lyme e se tornou um favorito dos artistas de lá.


Alphonse Mucha - The Months – June – 1899 - ilustração


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