A história da pintura de Camille Pissarro - The Woods at Marly

Camille Pissarro, The Woods at Marly, 1871 – óleo sobre tela - 45 x 55 cm – Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, Espanha

A história da pintura de Camille Pissarro - The Woods at Marly (O Bosque em Marly)

Esta pintura mostra um caminho na floresta do Château de Marly visto de Porte du Phare, com Marly-le-Roi no fundo e com várias figuras pequenas. Foi utilizada uma técnica de leves toques de pincel, que capturam a luz vibrante entre as folhas das árvores. Pissarro, que foi um grande promotor das oito exposições impressionistas organizadas entre 1874 e 1886, foi o único artista que participou de todas elas, permaneceu fiel àquela nova linguagem pictórica por praticamente toda a sua vida.

Em junho de 1871 Camille Pissarro e Claude Monet voltaram para a França, vindos da Inglaterra, onde eles se refugiaram durante a guerra franco-prussiana. Depois de se estabelecer novamente em Louveciennes, uma pitoresca cidade nas margens do Sena, não muito longe de Port-Marly, onde ele havia alugado parte de uma casa do século XVIII em 1869, Pissarro continuou a pintar os efeitos da luz nos caminhos e florestas circundantes.

Ter sido forçado a se afastar do tema de suas pinturas foi altamente traumático para esse grande mestre da arte da paisagem e seu desalento foi ainda mais exacerbado pelo fato de sua casa ter sido saqueada por tropas alemãs e muitas de suas pinturas terem sido destruídas durante sua ausência. Ao retornar, ele voltou para Louveciennes para pintar muitas das cenas rurais dos anos anteriores.

Jacob Abraham Camille Pissarro (10 de julho de 1830 - 13 de novembro de 1903) era filho de Frederick e Rachel Manzano de Pissarro. Seu pai era de ascendência judaica portuguesa e possuía nacionalidade francesa. Sua mãe era de uma família judia francesa da ilha de St. Thomas. Ele foi um pintor impressionista e neoimpressionista dinamarquês-francês, nascido na ilha de St. Thomas (agora nas Ilhas Virgens dos EUA, mas naquela época, nas Índias Ocidentais Dinamarquesas). Sua importância reside em suas contribuições para o impressionismo e pós-impressionismo. Pissarro estudou com grandes precursores, incluindo Gustave Courbet e Jean-Baptiste-Camille Corot. Mais tarde estudou e trabalhou ao lado de Georges Seurat e Paul Signac quando assumiu o estilo neoimpressionista aos 54 anos.

Pissarro, que foi um grande promotor das oito exposições impressionistas organizadas entre 1874 e 1886, foi o único artista que participou de todas elas, permaneceu fiel àquela nova linguagem pictórica por praticamente toda a sua vida.

Camille Pissarro tornou-se um artista e mentor essencial dentro do movimento Impressionista. Enquanto os impressionistas são conhecidos por suas representações das ruas da cidade e do lazer do campo, Pissarro cobriu suas telas com imagens do cotidiano dos camponeses franceses. Sua obra une seu fascínio pelo tema rural com o estudo empírico da natureza sob diferentes condições de luz e atmosfera, derivadas do intenso estudo do realismo francês. Como as de seus colegas impressionistas, suas pinturas são estudos delicados do efeito da luz sobre a cor na natureza. No entanto, sua articulação da teoria científica da cor em seu trabalho posterior se mostraria indispensável para a geração seguinte de pintores de vanguarda.

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

Frederick Carl Frieseke, um Impressionista americano – sua arte e sua história

Frederick Carl Frieseke - Girl in Blue Arranging Flowers, 1915 – óleo sobre tela – 81 x 81,5 cm - Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA

Frederick Carl Frieseke, um Impressionista americano – sua arte e sua história

Frederick Carl Frieseke - Self-portrait, 1901 – aquarela – 33 x 25,4 cm – coleção particular

Frederick Carl Frieseke (7 de abril de 1874, Owosso, Michigan - 24 de agosto de 1939, Le Mesnil-sur-Blangy, Normandy, France) foi um pintor impressionista americano que passou a maior parte de sua vida como expatriado na França. Um influente membro da colônia de arte de Giverny, suas pinturas muitas vezes se concentravam em vários efeitos da luz solar manchada. Ele é especialmente conhecido por pintar temas femininos, tanto em ambientes internos quanto externos.

Frederick Carl Frieseke – Girl Reading, c. 1903-1904 – óleo sobre tela – 81,3 x 65,4 cm – The Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA

Frederick Carl Frieseke – Grey Day on the River, c. 1908 – óleo sobre tela – 66 x 81,3 cm – coleção particular

Quando criança, ao contrário da maioria dos meninos, ele se interessava mais pelas artes do que pelos esportes. Sua avó gostava de pintar e o incentivou em suas atividades artísticas. Uma visita de 1893 à World's Columbian Exposition em Chicago também estimulou seu desejo de se tornar um artista. Em 1893, Frieseke se formou no curso secundário e começou sua formação artística no Art Institute of Chicago. Em 1895 ele se mudou para New York, onde continuou a estudar e trabalhou como ilustrador, vendendo caricaturas que ele havia feito para o New York Times, Puck e Truth. No ano seguinte, mudou-se para a França, onde permaneceria, exceto por breves visitas aos Estados Unidos e a outros lugares, vivendo como expatriado pelo resto de sua vida. Ele continuou sua educação, matriculando-se na Académie Julian em Paris. Frieseke desconsiderou sua educação artística formal, referindo-se a si mesmo como autodidata. Ele sentiu que havia aprendido mais com seu estudo independente sobre o trabalho dos artistas do que com seus estudos acadêmicos.

Frederick Carl Frieseke - The Garden Parasol, c. 1910 – óleo sobre tela – 145,1 x 195,6 cm – North Carolina Museum of Art, Raleigh, NC, USA

Frederick Carl Frieseke – Afternoon - Yellow Room, 1910 – óleo sobre tela – 81,3 x 81,3 cm – Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, IN, USA

A partir de 1899, pouco mais de um ano desde sua chegada a Paris, Frieseke expôs no Salão da Société Nationale des Beaux-Arts. No verão de 1905, ele passou pelo menos um mês na colônia de arte de Giverny. Em outubro daquele ano ele se casou e teve uma filha. Os Frieseke passaram todos os verões de 1906 a 1919 em Giverny. Ele manteve um apartamento e um estúdio em Paris durante toda a sua vida, onde eles passavam os invernos. Sua casa de Giverny ficava ao lado da casa de Claude Monet. Apesar da proximidade, Frieseke não se tornou amigo íntimo de Monet, nem Monet foi uma influência artística. Ele disse em uma entrevista: "Nenhum artista na escola impressionista me influenciou, exceto, talvez, Renoir". E realmente, as pinturas de figuras sensualmente arredondadas de Frieseke geralmente se assemelham às de Pierre-Auguste Renoir.

Frederick Carl Frieseke – Nude in a Glade, c. 1910 – óleo sobre madeira – 35 x 27 cm – coleção particular

Frederick Carl Frieseke – The Bird Cage, 1910 – óleo sobre tela – 81,3 x 81,3 cm - New Britain Museum of American Art, New Britain, Connecticut, USA

A casa de Giverny dos Friesekes e o jardim que eles criaram eram muitas vezes mostrados em suas pinturas, e sua esposa frequentemente posava para ele. Ele também manteve outro estúdio próximo no rio Epte. Muitos de seus nus ao ar livre foram pintados lá. Depois de passar algum tempo em Giverny, seu estilo único rapidamente surgiu, e ele seria bastante influente com a maioria dos outros membros da colônia. Embora bem conhecido como um impressionista, alguns de seus trabalhos, com suas cores intensas, demonstram a influência pós-impressionista dos artistas Paul Gauguin e Pierre Bonnard. Um escritor de arte se referiu ao estilo de Frieseke como “impressionismo decorativo”, por combinar o estilo decorativo de Les Nabis, usando suas cores e padrões, com clássicos efeitos impressionistas na atmosfera e na luz do sol. Frieseke era moderno antes dos modernistas aparecerem. Ele tinha um senso de design, cor e estilo, um senso de humor, e um conhecimento notável do efeito da luz ao ar livre na cor.

Frederick Carl Frieseke – Lady in a Garden, c. 1912 – óleo sobre tela – 81 x 65 cm - Terra Foundation for American Art, Chicago, USA

Frederick Carl Frieseke – The Garden, c. 1913 – óleo sobre tela - 64.8 x 81.3 cm – coleção particular

A prestigiosa Bienal de Veneza apresentou dezessete pinturas de Frieseke em 1909. Em 1923, ele deixou o Salão da Société Nationale des Beaux-Arts e fundou, com outros artistas, o Salon des Tuileries. Ele retomou a pintura em aquarelas, especialmente durante viagens a Nice no inverno e durante uma visita de 1930 a 1932 à Suíça. Frieseke foi condecorado como Chevalier da Legião Francesa de Honra em 1920, um reconhecimento raro para um pintor americano.

Frederick Carl Frieseke - Breakfast in the Garden, 1916 – óleo sobre tela - 102 x 152 cm – coleção particular

Frederick Carl Frieseke - Self Portrait, c. 1938 – óleo sobre tela - 74 x 91 cm – coleção particular 

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

Mary Cassatt, sua arte e sua história

Mary Cassatt – The Tea, c. 1880 – óleo sobre tela – 64,8 x 92,1 cm – Museum of Fine Arts Boston, USA

(Essa pintura está ambientada em uma sala contemporânea, provavelmente da própria Cassatt. O papel de parede listrado e a lareira de mármore esculpido, ornamentada com uma pintura elaboradamente emoldurada e um jarro de porcelana, são típicas de um interior parisiense de classe média alta e o antigo serviço de chá prateado na mesa em primeiro plano implica uma história familiar distinta. As duas mulheres desempenham os papéis tradicionais de anfitriã e convidada, embora pareça que a conversa tenha parado. A anfitriã (à esquerda, com um simples vestido marrom) apoia a mão no queixo enquanto a convidada (vestindo chapéu, cachecol , e luvas que indicam que ela veio de fora) sorve seu chá. A anfitriã é provavelmente a irmã de Cassatt, Lydia e a convidada, uma amiga da família, mas é igualmente provável que as mulheres fossem as modelos habituais de Cassatt, uma morena e uma loira.)

Mary Cassatt, sua arte e sua história

Mary Cassatt – The Cup of Tea (Lydia Cassatt) – c. 1880 – 1881 – 92,4 x 65,4 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Mary Cassatt – Portrait of the Artist, 1878 – aquarela e guache sobre papel – 60 x 41,1 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York

Mary Stevenson Cassatt (22 de Maio de 1844-14 de Junho de 1926), nasceu na cidade de Allegheny (agora parte de Pittsburgh), Pensilvânia, passou sua infância com sua família na França e na Alemanha. Ela cresceu em um ambiente que via viagens como parte integrante da educação.

Mary Cassatt - Mother Combing Her Child's Hair, ca. 1901 – crayon sobre papel - 64.1 x 80.3 cm - Brooklyn Museum, New York, USA

Mary Cassatt - Woman with a Pearl Necklace in a Loge (Lydia), 1879 – óleo sobre tela - 81.3 x 59.7 cm – Philadelphia Museum of Art, USA

Embora sua família se opusesse a ela se tornar uma artista profissional, Cassatt começou a estudar pintura na Academia de Belas Artes da Pensilvânia, na Filadélfia, aos 15 anos de idade, de 1860 a 1862. Uma parte da preocupação de seus pais pode ter sido a exposição de Cassatt às ideias feministas e ao comportamento boêmio de alguns dos estudantes do sexo masculino. Cassatt e suas amigas eram defensoras da igualdade de direitos para os sexos. Apenas cerca de 20 por cento dos estudantes eram do sexo feminino e poucas delas estavam tão determinadas, como Cassatt, para fazer da arte a sua carreira. Impaciente com o ritmo lento da instrução e a atitude condescendente dos estudantes e professores do sexo masculino, ela decidiu estudar os antigos mestres por conta própria. Na Academia, as estudantes do sexo feminino não podiam usar modelos ao vivo, e treinavam principalmente observando moldes de esculturas.

Mary Cassatt - Children Playing on the Beach, 1884 – óleo sobre tela - 97.4 x 74.2 cm - National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Mary Cassatt – Breakfast in Bed, 1897 – óleo sobre tela - Huntington Library, San Marino, CA, USA

Em 1865, ela convenceu seus pais a deixá-la estudar em Paris, com a mãe e as amigas da família atuando como acompanhantes, onde teve aulas particulares com o principal pintor acadêmico daquela época, Jean-Léon Gérôme. Cassatt aumentou seu treinamento artístico fazendo cópias diárias no Louvre, obtendo a licença que era necessária para controlar os "copistas", geralmente mulheres de baixa remuneração, que iam diariamente ao museu para pintar cópias para venda. O museu também servia como um local social para estudantes francesas e americanas, que, como Cassatt, não tinham permissão para entrar nos Cafés onde a avant-garde socializava. Em 1868, pela primeira vez uma pintura de Cassatt (The Mandolin Player) foi aceita no Salão de Paris.

Mary Cassatt – The Mandolin Player, 1868 – óleo sobre tela – 92 x 73,5 cm – coleção particular

Mary Cassatt - Young Mother Sewing, 1900 – óleo sobre tela - 92.4 x 73.7 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Depois de três anos e meio na França, a guerra franco-prussiana interrompeu os estudos de Cassatt e ela retornou para a Filadélfia no final do verão de 1870. Ela voltou para a Europa em 1871, passando oito meses em Parma, na Itália, em 1872, estudando as pinturas de Correggio e Parmigianino. Em 1873, ela visitou a Espanha, a Bélgica e a Holanda para estudar e copiar as obras de Velázquez, Rubens e Hals. Em junho de 1874, Cassatt se instalou em Paris, onde começou a expor regularmente nos Salões e onde seus pais e sua irmã Lídia se reuniram com ela em 1877. Nesse mesmo ano, Edgar Degas a convidou a se juntar ao grupo de artistas independentes mais tarde conhecido como os Impressionistas. Sendo a única americana oficialmente associada ao grupo, Cassatt expôs em quatro de suas oito exposições, em 1879, 1880, 1881 e 1886.

Mary Cassatt – Summertime, 1894 – óleo sobre tela – 73,6 x 96,5 cm - Armand Hammer Museum of Art, Los Angeles, CA, USA

Mary Cassatt - The Boating Party, 1893 – 1894 – óleo sobre tela - 90 x 117.3 cm - National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Cassatt e Degas tiveram um longo período de colaboração. Os dois tinham estúdios muito perto, Cassatt na rue Laval, 19 e Degas na rue Frochot, 4, a menos de cinco minutos a pé. Degas adotou o hábito de ir olhar o estúdio de Cassatt e oferecer seus conselhos e ajudá-la a obter modelos. Eles tinham muito em comum: compartilhavam gostos semelhantes na arte e na literatura, eram de origens afluentes, estudaram pintura na Itália e ambos eram independentes, nunca se casaram. É improvável que eles estivessem em um relacionamento dadas as suas origens sociais conservadores e fortes princípios morais.

Mary Cassatt - Sarah in a Green Bonnet, 1901 – óleo sobre tela - National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Mary Cassatt - The Child's Bath, 1893 – óleo sobre tela – Art Institute of Chicago, USA

Sob a influência dos Impressionistas, Cassatt revisou sua técnica, composição e uso de cor e luz, manifestando sua admiração pelas obras da vanguarda francesa, especialmente de Degas e Manet. Como Degas, ela estava principalmente interessada em composições de figuras. Durante o final da década de 1870 e início da década de 1880, os temas de suas obras eram sua família (especialmente sua irmã Lydia), o teatro e a ópera. Mais tarde, ela se especializou no tema de mães e crianças, que ela tratou com calor e naturalidade em pinturas, crayons e gravuras. Nem Mary nem Lydia se casaram. Mary decidiu ainda jovem que o casamento seria incompatível com sua carreira. Lydia, que foi frequentemente pintada por sua irmã, sofria de episódios recorrentes de doença, e sua morte em 1882 deixou Cassatt temporariamente incapaz de trabalhar.

Mary Cassatt – “Woman Bathing” - 1890-1891 – ponta-seca e aquatinta sobre papel -  43.2 x 29.8 cm – National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Mary Cassatt – “The Coiffure” (“O Penteado”) - 1890-1891 - ponta-seca e aquatinta sobre papel -  43.2 x 30.7 cm – Art Institute of Chicago, IL, US

Cassatt participou da onda de feminismo que ocorreu na década de 1840, permitindo que as mulheres tivessem acesso a instituições educacionais em faculdades e universidades. Ela foi uma defensora da igualdade para as mulheres, fazendo campanha com suas amigas para bolsas de viagem iguais para todos os estudantes na década de 1860 e para o direito de votar na década de 1910.

Mary Cassatt – “The Fitting” (“A Prova”) – 1891 - ponta seca e água-tinta impressa em cores sobre papel texturizado branco desbotado - 47.8 x 30.8 cm – Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Cassatt foi conselheira de vários grandes colecionadores de arte e beneficiou muitas coleções públicas e privadas nos Estados Unidos. Desde seus primeiros dias em Paris, ela encorajou a coleção de antigos mestres e das vanguardas francesas. Ela convenceu os colecionadores a eventualmente doarem suas coleções aos museus de arte americanos. Em reconhecimento às suas contribuições para as artes, a França lhe concedeu a Legion d'Honneur em 1904. Embora fundamental em aconselhar os colecionadores americanos, o reconhecimento da sua própria arte foi mais lento nos Estados Unidos.

Mary Cassatt - Little Girl in a Blue Armchair, 1878 – óleo sobre tela - 89.5 x 129.8 cm – National Gallery of Art, Washington, DC, USA

(Com uma paleta limitada e pinceladas vibrantes, Cassatt criou uma interação dinâmica de formas contrastantes, com a pequena menina jogada em uma cadeira em um momento de tédio ou exaustão, e o pequeno cão em um estado de repouso absoluto. Esta pintura atesta a relação recém-formada entre Mary Cassatt e os Impressionistas, e a sua assimilação de um estilo de pintura mais livre. Cassatt retrabalhou a pintura com a ajuda de seu amigo Edgar Degas e a expôs junto com outras 10 pinturas em sua exposição de estreia com os impressionistas em 1879.)

Esse blog possui mais artigos sobre Mary Cassatt. Clique sobre os links abaixo para ver:

http://www.arteeblog.com/2017/05/analise-de-dois-autorretratos-de-mary.html

http://www.arteeblog.com/2015/05/a-historia-de-woman-bathing-e-mais-duas.html

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

A história da pintura “A Corner of the Apartment” de Claude Monet

Claude Monet - A Corner of the Apartment (Um canto do apartamento), 1875 – óleo sobre tela – 81,5 x 60,5 cm – Musée D´Orsay, Paris, França

A história da pintura “A Corner of the Apartment” de Claude Monet

A dedicação de Monet à pintura de ar livre tornou as cenas interiores cada vez mais raras em seu trabalho. Monet morou em Argenteuil, perto de Paris, a partir de 1871, quando ele retornou da Inglaterra, até 1878. Durante este período, ele retratou sua esposa Camille em suas pinturas, com seu filho mais velho, Jean, nascido em 1867. Ele é retratado aqui, na segunda casa que Monet habitou em Argenteuil, com uma figura (provavelmente Camille), à sombra no fundo.

Monet posicionou o cavalete na varanda para retratar Jean no centro da sala. O primeiro plano aqui consiste em uma decoração simétrica: tapeçarias com motivos coloridos, plantas verdes e vasos decorativos, também vistos em outras pinturas de Monet. Esta composição dá a impressão de uma cortina se abrindo para um palco. O olhar do espectador é dirigido para a parte de trás da sala, em direção à área iluminada perto da janela. No centro da imagem, o padrão de espinha de peixe do parquet reforça a simetria da visão geral, enfatizando a perspectiva. Então, um após o outro, pode-se distinguir: Jean de pé ligeiramente à direita, a lâmpada e a mesa no centro, e Camille sentada à esquerda. A silhueta da criança é refletida no chão de parquet, acesa pela luz diurna que vem da janela.

Esta cena silenciosa e íntima, uma imagem da vida familiar diária em Argenteuil, é recriada em um espaço azulado. Esta gama de cores evoca uma atmosfera de tranquilidade e poesia.

Oscar-Claude Monet (Paris, 14 de novembro de 1840 — Giverny, 5 de dezembro de 1926) foi em quase todos os sentidos o fundador da pintura impressionista francesa, o próprio termo vindo de uma de suas pinturas, “Impressão, Sol Nascente”. Aos 11 anos, ele entrou na escola secundária das artes Le Havre. Cinco anos mais tarde, ele conheceu o artista Eugène Boudin, que lhe ensinou as técnicas de pintura "plein air" e tornou-se seu mentor. Aos 16 anos, Monet deixou a escola, indo para Paris, onde em vez de estudar as obras de arte dos grandes mestres, sentava-se à janela e pintava o que via fora. Aos 28 anos, depois de sair do exército e da guerra na Algéria, de volta em Paris, estudou os métodos "en plein air", juntamente com Pierre-Auguste Renoir, Frederic Bazille e Alfred Sisley, e desenvolveu o estilo de pintura que logo seria conhecido como Impressionismo. Ele exibiu muitas de suas obras em 1874, na primeira exposição impressionista. A ambição de Monet de documentar a paisagem francesa o levou a adotar um método de pintar a mesma cena muitas vezes para capturar a mudança de luz e o passar das estações.

Após a morte de sua esposa Camille por tuberculose depois do nascimento de seu segundo filho, Monet resolveu nunca mais viver na pobreza novamente, e estava determinado a criar algumas das melhores obras de arte do século XIX. Em 1890, ele estava próspero o suficiente para comprar uma casa grande com jardim em Giverny, onde começou um vasto projeto de paisagismo que incluiu lagoas com lírios, e que se tornariam o tema de suas obras mais conhecidas. Em 1899 ele começou a pintar os nenúfares, primeiro em vistas verticais com uma ponte japonesa como um elemento central, e mais tarde numa série de pinturas em larga escala que iria ocupá-lo continuamente pelos próximos 20 anos de sua vida.

Esse blog possui mais artigos sobre Claude Monet. Clique sobre os links para ver:

http://www.arteeblog.com/2016/11/serie-claude-monet-o-almoco-na-relva.html

http://www.arteeblog.com/2016/09/analise-da-pintura-de-claude-monet.html

http://www.arteeblog.com/2016/09/a-historia-da-pintura-beach-at.html

http://www.arteeblog.com/2015/06/a-historia-de-la-japonaise-camille.html

http://www.arteeblog.com/2015/03/a-historia-da-obra-de-claude-monet.html

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

Análise da pintura de Alfred Sisley - The Bridge at Villeneuve-la-Garenne

Alfred Sisley - The Bridge at Villeneuve-la-Garenne, 1872 – óleo sobre tela – 49,5 x 65,4 cm – Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Análise da pintura de Alfred Sisley - The Bridge at Villeneuve-la-Garenne

A Ponte em Villeneuve-la-Garenne (1872) representa uma paisagem impressionista ao longo da margem do rio Sena. Esta visão de close-up, dramaticamente angular, retrata a ponte suspensa de ferro fundido e pedra que foi construída em 1844 para conectar a aldeia de Villeneuve-la-Garenne com o subúrbio parisiense de Saint-Denis. A perspectiva a partir da qual o artista escolheu pintar a ponte dá uma ideia do tamanho monumental da estrutura. Além disso, Sisley incluiu figuras para fornecer uma sensação de escala. Sisley animou a cena mostrando turistas no rio Sena e ao longo da margem do rio. Os traços planos de cores luminosas transmitem o efeito fugaz da luz solar na água.

Esta pintura é emblemática da obra de Alfred Sisley, enfatizando a percepção que o artista tinha do mundo natural. A aplicação de pinceladas rápidas captura os efeitos efêmeros da luz em uma superfície. Isso pode ser visto com as sutis nuances de cor no rio que refletem o céu, as nuvens e a grama.

Construídas recentemente, as pontes de última geração, representativas da modernidade, aparecem em várias pinturas de Sisley da década de 1870 e início da década de 1880. A Ponte em Villeneuve-la-Garenne é um estudo da natureza, e também ilustra o desejo da França de ser politicamente e industrialmente progressista após a perda da guerra franco-prussiana. A ponte foi reconstruída após a guerra e representa a restauração da França no final do século XIX. A Ponte em Villeneuve-la-Garenne representa então a retórica da esperança de regeneração.

Alfred Sisley (30 de outubro de 1839 - 29 de janeiro de 1899) foi um pintor de paisagens impressionista que nasceu e passou a maior parte de sua vida na França, mas manteve a cidadania britânica, tendo nascido de pais ingleses na França, e depois dividindo seu tempo entre os dois países. Ele foi o mais consistente dos impressionistas em sua dedicação à pintura de paisagem ao ar livre (en plein air). Embora tenha sido uma das figuras-chave do impressionismo francês, ele permaneceu como um estranho. Ao contrário de muitos de seus colegas, que examinavam a vida urbana, a industrialização e as pessoas, Sisley era quase exclusivamente pintor de paisagens, um tema do qual ele raramente se desviava.

Entre suas obras importantes estão uma série de pinturas do rio Tamisa, principalmente em torno de Hampton Court, executadas em 1874, e paisagens que retratam lugares em ou perto de Moret-sur-Loing. As pinturas notáveis do Sena e suas pontes nos antigos subúrbios de Paris são como muitas de suas paisagens, caracterizadas pela tranquilidade, em tons pálidos de verde, rosa, púrpura, azul e creme. Ao longo dos anos, o poder de expressão e intensidade de cores dele aumentou. Sisley produziu cerca de 900 pinturas a óleo, cerca de 100 crayons e muitos outros desenhos.

“Cada imagem mostra um ponto pelo qual o artista se apaixonou” – Alfred Sisley

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

Análise de dois autorretratos de Mary Cassatt

Análise de dois autorretratos de Mary Cassatt

Mary Cassatt – Portrait of the Artist, 1878 – aquarela e guache sobre papel – 60 x 41,1 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York

Mary Cassatt pintou este autorretrato, um dos dois únicos conhecidos, um ano depois que Edgar Degas a convidou para expor com os impressionistas. Sua influência é aparente no invulgar fundo verde-sálvia, a atenção às cores complementares contrastantes e a pose assimétrica ousada e casual da figura.

Mary Cassatt - Self-Portrait, c. 1880 – aquarela, guache e grafite sobre papel – 33,1 x 24,6 cm – National Portrait Gallery, Washington, DC, USA

Mary Cassatt criou esta aquarela, um de seus poucos autorretratos, por volta de 1880, um ano depois que ela começou a expor seu trabalho com os impressionistas franceses. Cassatt usou sua arte para abordar os muitos papéis da mulher moderna: como mãe, como intelectual, e aqui, como artista profissional. Embora vestida elegantemente, Cassatt não se contenta em ser admirada, mas retorna o olhar do espectador. Ela divertidamente inverte expectativas, sugerindo que a artista está avaliando o espectador. Pinceladas de verde no fundo à direita, sugerem papel de parede, enquanto os tons de amarelo à esquerda, evocam a luz solar que se derrama sobre os ombros da artista e lança seu rosto na sombra. Os traços audaciosos do desenho de Cassatt, enfatizando cor, humor e movimento, celebram seu toque rápido e a modernidade de seu estilo.

Mary Stevenson Cassatt (22 de maio de 1844 - 14 de junho de 1926) foi uma pintora e gravadora americana. Ela nasceu na Pensilvânia, mas viveu muito de sua vida adulta na França, onde fez amizade com Edgar Degas e mais tarde expos com os impressionistas. Cassatt criou imagens da vida social e privada das mulheres, com particular ênfase nos laços íntimos entre mães e filhos. Mary Cassatt era uma das poucas artistas americanas que se dedicaram à avant-garde francesa do século XIX. Nascida em uma família proeminente de Pittsburgh, ela viajou muito pela Europa com seus pais e irmãos, enquanto era criança. Entre 1860 e 1864 frequentou a Academia de Belas Artes da Pensilvânia, na Filadélfia. Aos vinte e dois anos, Cassatt foi para o exterior estudar pinturas de antigos mestres nos museus europeus. Em Paris, estudou com proeminentes pintores acadêmicos e de forma independente no Louvre. Voltando aos Estados Unidos por um curto período, Cassatt voltou à Europa em 1871, pintando e copiando os velhos mestres em museus da Itália, Espanha e Bélgica.

Em 1874, ela se estabeleceu definitivamente em Paris. Embora tivesse vários trabalhos aceitos para a exposição ligada à tradição do Salão Francês, seus objetivos artísticos a alinhavam com os pintores de vanguarda da época. Em 1877, Edgar Degas a convidou para se juntar ao grupo progressista de artistas popularmente conhecidos como os Impressionistas. Ela admirava particularmente a obra de Degas, assim como de Manet e Courbet. Uma estreita relação de trabalho se desenvolveu entre Cassatt e Degas. Com passados semelhantes de classe alta, os dois pintores desfrutaram de uma amizade baseada em sensibilidades artísticas e interesses comuns: na estrutura ousada de composição, na assimetria, nas gravuras japonesas e nos temas contemporâneos. Durante a sua longa permanência na França, Cassatt enviou pinturas para exposições nos Estados Unidos, algumas das primeiras obras impressionistas vistas neste país. Ao aconselhar ricos clientes americanos sobre o que adquirir, ela também desempenhou um papel crucial na formação de algumas das mais importantes coleções de arte impressionista neste país.

Mary Cassatt retratou a "Mulher Nova" do século 19 a partir da perspectiva das mulheres. Como uma artista bem-sucedida e altamente treinada que nunca se casou, Cassatt personificou a "Nova Mulher". Ela participou ativamente na recriação da imagem das mulheres, a partir da influência de sua mãe, Katherine Cassatt, uma mulher inteligente e ativa, que acreditava em educar as mulheres para serem conhecedoras e socialmente ativas. Mary Cassat lutou pela causa das mulheres sufragistas que queriam ter o direito de votar.

Mary Cassatt – Portrait of the Artist, 1878 – aquarela e guache sobre papel – 60 x 41,1 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York – detalhe

Esse blog possui mais artigos sobre Mary Cassatt. Clique sobre os links abaixo para ver:

http://www.arteeblog.com/2018/03/mary-cassat-sua-arte-e-sua-historia.html

http://www.arteeblog.com/2015/05/a-historia-de-woman-bathing-e-mais-duas.html

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

Eva Gonzalès, uma pintora Impressionista francesa

Eva Gonzalès - A Loge in the Theatre des Italiens, 1874 – óleo sobre tela – 98 x 130 cm – Musée d´Orsay, Paris

Eva Gonzalès, uma pintora Impressionista francesa

Édouard Manet – Portrait of Eva Gonzalés, 1870 – óleo sobre tela - 191.1 x 133.4 cm – National Gallery of Art, London

Eva Gonzalès ingressou no estúdio de Manet como aluna em Fevereiro de 1869. Manet teria começado esse retrato dela em Fevereiro, e finalmente o concluiu em 12 de Março de 1870. Esse retrato mostra a pintora em um vestido feminino e elegante, porém sem avental de pintora, o que a faz erroneamente parecer amadora. 

Eva Gonzalès (19 de abril de 1849 - 6 de maio de 1883) nasceu em Paris, filha do escritor espanhol Emmanuel Gonzalès. Em 1865, ela começou sua formação profissional e teve aulas de desenho com o retratista da sociedade, Charles Joshua Chaplin, que também foi professor de Mary Cassatt. Ela se tornou aluna do artista Édouard Manet em fevereiro de 1869. Como seu professor, ela nunca expôs com os pintores impressionistas em suas exposições controversas em Paris, mas ela é considerada parte do grupo, devido ao seu estilo de pintura. Eva Gonzalès foi a única estudante formal de Manet e posava frequentemente para vários membros da escola impressionista. Até 1872, ela foi fortemente influenciada por Manet, porém mais tarde desenvolveu seu próprio estilo, mais pessoal.

Eva Gonzalès – Portrait of a Young Woman, c. 1865 – óleo sobre tela – 56,2 x 46,5 cm – coleção particular

Eva Gonzalès - Le Petit Lever, c. 1875-1876 – óleo sobre tela – 50 x 61 cm – coleção particular

Durante a Guerra Franco-Prussiana, ela se refugiou em Dieppe. Eva Gonzalès se casou com o artista gráfico (o gravador de Manet) Henri Guérard em 1879, e usou ele e sua irmã, Jeanne Gonzalès, como temas para muitas de suas pinturas. Ela faleceu durante um parto aos trinta e quatro anos, exatamente seis dias após a morte de seu professor, Manet. Mesmo tendo tido uma vida curta, Eva produziu muito. Suas obras foram reunidas e expostas em salões pela Europa, desde 1885, mas não atraíram a atenção do público e foram leiloadas pela família. A dispersão de suas obras e sua morte precoce impediram que seu nome ganhasse destaque. 

Eva Gonzalès - La Toilette – óleo sobre tela – 64,1 x 46,4 cm – coleção particular

Eva Gonzalès - Nanny and Baby, c. 1877-1878 – óleo sobre tela – 65 x 82 cm - National Gallery of Art – Washington, DC

Eva Gonzalès – Secretly, 1877-1878 – óleo sobre tela – 38,7 x 36,8 cm – coleção particular

Eva Gonzalès - Reading in the Garden, c. 1880-1882 – crayon e carvão sobre tela – 93,9 x 137,2 cm – coleção particular

Eva Gonzalès – Roses in a Glass, c. 1880-1882 – óleo sobre tela – Coleção particular

Eva Gonzalès - Awakening Girl – óleo sobre tela – 81,5 x 100 cm - Kunsthalle Bremen, Alemanha

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.

A história da pintura Le Déjeuner sur L'herbe de Édouard Manet

Édouard Manet - Le Déjeuner sur L'herbe, 1863 – óleo sobre tela – 208 x 264,5 cm – Musée d´Orsay, Paris

A história da pintura Le Déjeuner sur L'herbe de Édouard Manet

A pintura mostra uma mulher nua almoçando com dois homens completamente vestidos. Seu corpo está iluminado e ela olha diretamente para o espectador. Os dois homens, vestidos como dandies jovens, parecem estar envolvidos em conversa, ignorando a mulher. Na frente deles, as roupas da mulher, uma cesta de frutas, e um pão redondo estão dispostos como em uma natureza morta. Ao fundo, uma mulher levemente vestida banha-se em um córrego. Muito grande em comparação com as figuras em primeiro plano, ela parece flutuar acima deles. O fundo rudemente pintado não tem profundidade, dando ao espectador a impressão de que a cena não está acontecendo ao ar livre, mas em um estúdio. Esta impressão é reforçada pelo uso de ampla luz de "estúdio", que não faz quase nenhuma sombra. O homem à direita usa um chapéu plano com uma borla, do tipo normalmente usado dentro de casa.

Há uma falta de interação entre os três personagens em primeiro plano e a mulher banhando-se no fundo. A pintura tem muitas qualidades contrastantes que justapõem e distanciam o nu feminino dos outros dois personagens masculinos, como o feminino versus o masculino, o nu versus o vestido e a paleta de cores claras versus a paleta de cores escuras, e isso cria uma clara diferença social entre os homens e as mulheres.

O júri do Salon de Paris rejeitou “O Almoço na Relva” (Le déjeuner sur l'herbe) de Manet, principalmente porque mostrava uma mulher nua com dois homens vestidos em um piquenique. Apesar de o júri do Salon rotineiramente aceitar nus em pinturas históricas e alegóricas, condenaram Manet pela colocação de um nu realista em um ambiente contemporâneo. A esposa de Manet, Suzanne Leenhoff, e sua modelo favorita, Victorine Meurent, posaram para a mulher nua, que tem o rosto de Meurent, mas o corpo de Leenhoff. Os dois homens são o irmão de Manet (Gustave Manet) e seu cunhado, Ferdinand Leenhoff.

A recusa de Manet de se conformar às convenções e sua liberdade dos temas e modos de representação tradicionais, talvez possam ser consideradas como o ponto de partida para a Arte Moderna.

Édouard Manet (Paris, 23 de janeiro de 1832 — Paris, 30 de abril de 1883) foi um pintor e artista gráfico francês e uma das figuras mais importantes da arte do século XIX. Manet era filho de pais ricos. Ele estudou com Thomas Couture. Sua obra foi fundada sobre a oposição de luz e sombra, uma paleta restrita em que o preto era muito importante, e em pintar diretamente do modelo. O trabalho do espanhol Velázquez influenciou diretamente a sua adoção deste estilo. Manet nunca participou nas exposições dos Impressionistas, mas continuou a competir nos Salões de Paris. Seus temas não convencionais tirados da vida moderna, e sua preocupação com a liberdade do artista em lidar com tinta fez dele um importante precursor do Impressionismo. A obra de Manet se tornou famosa no Salon des Refusés, a exposição de pinturas rejeitadas pelo Salon oficial. Em 1863 e 1867, ele realizou exposições individuais. Na década de 1870, sob a influência de Monet e Renoir, ele produziu paisagens e cenas de rua inspiradas diretamente pelo impressionismo. Ele permaneceu relutante em expor com os Impressionistas, e procurou a aprovação do Salão de toda a sua vida.

Esse blog possui mais artigos sobre Édouard Manet. Clique sobre os links abaixo para ver:

http://www.arteeblog.com/2015/02/a-historia-da-obra-edouard-manet.html

http://www.arteeblog.com/2015/10/5-pinturas-de-bares-por-edouard-manet.html

http://www.arteeblog.com/2015/12/o-misterioso-relacionamento-dos.html

http://www.arteeblog.com/2015/12/a-historia-da-pintura-de-edouard-manet.html

http://www.arteeblog.com/2016/09/a-historia-da-pintura-spring-jeanne.html

Texto escrito e/ou traduzido e/ou adaptado ©Arteeblog - não copie esse artigo sem autorização desse blog, mas por favor o compartilhe, usando os ícones de compartilhamento para e-mail ou redes sociais. Obrigada.