Henri Gabriel Salvador (Caiena, 18 de Julho de 1917, Paris,
13 de Fevereiro de 2008) foi um cantor, compositor e guitarrista francês de
jazz. Viveu algum tempo no Hotel Copacabana Palace, na praia de Copacabana na
cidade do Rio de Janeiro, onde fez muito sucesso no Cassino da Urca. Henri
Salvador é considerado por muitos como um precursor da Bossa Nova.
Edgar
Degas, "A Carriage at the Races", 1872, Oil on canvas, 36.5 x 55.9
cm, Museum of Fine Arts, Boston, US
A história da obra: Edgar Degas, "A Carriage at the
Races" – veja outras obras relacionadas
Esta pintura foi uma das primeiras obras que Degas vendeu
(em 1872) para Paul Durand-Ruel, o negociante que se tornou o grande marchand
dos impressionistas. Não é apenas uma paisagem, mas também uma cena da vida
cotidiana e acima de tudo, um retrato de família. O condutor da carruagem é o
amigo de Degas, Paul Valpinçon, que é mostrado com sua esposa, uma ama de
leite, e no colo da enfermeira, o filho do casal, Henri. Com um título
sutilmente irônico - as corridas têm um papel menor na composição - a pintura
esteve entre as contribuições do artista para a primeira exposição
impressionista em 1874.
Paul Valpinçon era amigo de longa data de Degas, mas era
também primo em terceiro grau de Gustave Caillebotte. Paul Valpinçon nasceu em
29 de Outubro de 1834 em Paris, embora a família fosse originalmente da
Normandia. A pintura de Degas "Madame Valpinçon" (1865) é provavelmente
da esposa de Paul, Marguerite Claire (nascida Brinquant) Valpinçon. Degas
também fez pinturas dos filhos de Paul Valpinçon, Henri e Hortense.
Edgar Degas - Portrait of Paul Valpinçon – c. 1855 – óleo sobre
tela - 40.32 x 32.39 cm - Minneapolis Institute of Arts
Edgar Degas e Paul Valpinçon tinham uma amizade que começou
antes mesmo de os dois se tornarem colegas de classe em 1846. Na verdade, seus
pais eram amigos. O pai de Paul, Edouard Valpinçon, desempenhou um papel no
desenvolvimento artístico de Degas, incentivando o interesse do jovem artista
no pintor neoclássico francês Jean-Auguste-Dominique Ingres. A admiração de
Degas por Ingres é aparente na maneira como ele capturou a semelhança de seu
amigo neste retrato. Muitos anos mais tarde, a filha de Paul, Hortense, recontou
a história da criação do retrato. Ela disse que foi pintado no pátio da casa em
Paris de seu avô quando seu pai tinha apenas 21 anos de idade, uma idade que
corresponde à data de 1855, inscrita por uma mão desconhecida, no verso da pintura.O
retrato permaneceu com Hortense até os anos 1930. Mais tarde foi doada ao The
Minneapolis Institute of Arts em 1974.
Edgar Degas
– “A Woman Seated beside a Vase of Flowers (Madame Paul Valpinçon?)” - 1865 – óleo sobre tela - 73.7 x 92.7 cm – The
Metropolitan Museum of Art
A justaposição do bouquet em destaque e a figura fora do
centro, olhando distraidamente para a direita, exemplifica o objetivo de Degas
de capturar indivíduos em situações aparentemente casuais. A modelo é provavelmente
a esposa do amigo do artista, Paul Valpinçon, Marguerite Claire (nascida
Brinquant) Valpinçon. Degas apreciava muito a casa de campo de seu amigo, Ménil-Hubert,
e as dálias e demais flores no buquê sugerem uma visita no final do verão.
Edgar Degas
– “Portrait of Mlle. Hortense Valpinçon” – 1871 – óleo sobre tela - 75.57 x
113.67 cm - Minneapolis Institute of Arts
Edgar Degas
– “Portrait of Henri Valpincon as a child with a governess” – 1870
Edgar Hilaire Germain Degas (Paris, 19 de julho de 1834 —
Paris, 27 de Setembro de 1917) foi um pintor, gravurista, escultor e fotógrafo
francês. É conhecido sobretudo por sua visão particular do mundo do balé. É
ainda reconhecido pelos seus célebres pastéis e como um dos fundadores do
impressionismo. Muitos dos seus trabalhos conservam-se hoje no Museu d´Orsay, em
Paris.
Henri Matisse – “Luxe, Calme et Volupté” – 1904 – óleo sobre
tela - 98.5 cm × 118.5 cm - Musée d'Orsay, Paris, France
A história da obra: Henri Matisse – “Luxe, Calme et Volupté”
O título desta pintura é retirado do refrão do poema de
Charles Baudelaire, Convite para uma Viagem (1857), em que um homem convida sua
amante para viajar com ele para o paraíso. A maioria das mulheres estão nuas
(na forma de um idílio clássico tradicional), mas uma mulher - que provavelmente
representa a esposa do pintor - usa vestido contemporâneo. Esta é a única
pintura importante de Matisse no estilo Neo-impressionista, e sua técnica foi
inspirada no Pontilhismo de Paul Signac e Georges Seurat que Matisse adotou
pela primeira vez depois de ler o ensaio de Signac "D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme"
de 1898. Ela difere da abordagem de Signac e Seurat, no entanto, na forma em que Matisse delineia as figuras para lhes dar ênfase. A paisagem é provavelmente baseada na
vista da casa de Paul Signac em Saint-Tropez (França), onde Matisse e Henri-Edmond Cross
estavam de férias. Signac comprou o trabalho, que foi exibido em 1905 no Salon
des Indépendants. Matisse abandonou a técnica no ano seguinte e se tornou um
dos pioneiros do fauvismo.
Henri-Émile-Benoît Matisse (1869 - 1954) é uma das
principais figuras da arte moderna e um dos coloristas mais importantes de
todos os tempos. Um desenhista, gravador, escultor e pintor, seus inigualáveis
recortes estão entre as mais significativas das últimas obras de qualquer
artista. Em uma carreira de mais de meio século, Matisse fez um grande corpo de
trabalho. O gênio criativo de Matisse mudou o curso da arte do século XX , suas
ideias distintas deixaram sua marca em todos os gêneros artísticos . De todos
os temas, o que o atraiu mais foi a figura, especialmente a feminina, que ele
incansavelmente representou em todos as mídias ao longo de toda sua carreira.
Paul Signac (Paris, 11 de Novembro de 1863 — 15 de Agosto de
1935) foi um dos desenvolvedores do pontilhismo, colaborando para a técnica
obter apelo popular. Signac, de espírito libertário era simpatizante da
filosofia anarquista. Filho único de um comerciante (estofador), pode ser
considerado um pintor autodidata. Foi Georges Seurat que ensinou a Paul Signac
a técnica do Pontilhismo, tendo estes dois artistas sido os principais
impulsionadores do chamado Movimento do Divisionismo, também designado por Neo-Impressionismo
ou Pontilhismo. Signac pertenceu também ao grupo de artistas designado por
Grupo dos XX.
Harry Connick Jr. (11 de Setembro de 1967, New Orleans, USA) é big-band líder, pianista , ator e compositor. Ele teve dez "número um" álbuns de jazz dos EUA, ganhando mais "número um" álbuns que qualquer outro artista na história do jazz americano. Ele já ganhou três prêmios Grammy e dois Emmy Awards. Atuou em vários filmes, séries de televisão, além de compor a trilha sonora de outros filmes, como "When Harry Met Sally" e musicais da Broadway.
Leonardo
Da Vinci - "Ginevra de’ Benci" – 1474-1478 -óleo sobre madeira - 38.1 cm × 37 cm - National Gallery of Art, Washington, D.C.,
United States
A história da obra de Leonardo Da Vinci – Retrato de Ginevra de’ Benci – com vídeo
Leonardo da Vinci tinha 22 anos quando pintou este retrato
de Ginevra de 'Benci, uma jovem nobre florentina, filha de um rico banqueiro, que
aos dezesseis anos, casou com Luigi Niccolini em 1474. Ela era conhecida como
poetisa e pessoa sociável.
O retrato está entre suas primeiras experiências com tinta a
óleo. Algum enrugamento da superfície mostra que ele ainda estava aprendendo a
controlar a técnica. Ainda assim, a observação cuidadosa da natureza e sutil tridimensionalidade
do rosto de Ginevra apontam inequivocamente para o novo naturalismo com que
Leonardo iria transformar a pintura renascentista. Ginevra é modelada com véus
de sombra esfumaçada, gradualmente aprofundados, não por linhas, nem por
transições bruscas de cor ou luz.
O rosto de Ginevra é enquadrado por folhas de um arbusto de
zimbro que se refere à sua castidade, a maior virtude de uma mulher do
Renascimento, e também um trocadilho com seu nome. O italiano de zimbro é
ginepro.
Outras características do retrato de Ginevra revelam o jovem
Leonardo como um inovador. Ele a colocou em um ambiente aberto em um tempo em
que as mulheres ainda eram mostradas cuidadosamente protegidas dentro das
paredes das casas de suas famílias, com paisagens vislumbradas apenas através
de janelas abertas. A pose (com perfil em 3/4 que mostra sua reserva) está
entre as primeiras na arte do retrato italiano, para ambos os sexos.
As impressões digitais visíveis na superfície da pintura mostram como o artista usou a mão, bem como uma escova para misturar cores e criar bordas suaves, delicadas.
A grande maioria dos retratos femininos eram encomendados em
uma de duas ocasiões: noivado ou casamento. Retratos de casamento tendiam a
ser feitos em pares, com a mulher no lado direito. Como Ginevra olha para a
direita, é mais provável que este retrato tenha comemorado seu noivado. A sua falta
de adornos, no entanto, é algo surpreendente. Joias, brocados de luxo e
vestidos elaborados eram parte de uma troca de dotes e exibiam a riqueza de uma
família.
Outra probabilidade para a encomenda desse retrato reflete
um fenômeno cultural do período da Renascença Italiana: casos de amor platônico
entre cavalheiros bem-educados e senhoras. Tais assuntos eram muitas vezes
conduzidos de longe, com foco em expressões literárias efusivas que
apresentavam sofisticação do cortesão e senhora. Ginevra era conhecida por ter
tido vários admiradores que compunham poesia em sua homenagem rogando a ela
para compartilhar seus próprios versos com eles. Entre eles estava Lorenzo de
Médici, cuja família da elite era conhecida por seu patrocínio da arte. Ainda
mais significativo para Ginevra foi Bernardo Bembo, o embaixador veneziano para
Florença. Pode ter sido ele quem encomendou o seu retrato para comemorar e substituir
o objeto de sua admiração e estima.
No verso da pintura, uma coroa de louro e palma circunda um
raminho de zimbro e um pergaminho traz a inscrição em latim, "Beauty
Adorns Virtue" (A Beleza Adorna a Virtude) e oferece outro tipo de
"retrato". O zimbro central, ginepro em italiano, um cognato do nome
de Ginevra e, assim, seu símbolo, também representa a castidade. A palma (à direita) representa a virtude moral, enquanto o louro (esquerda) indica
inclinações artísticas ou literárias.
Este é o único retrato de Leonardo da Vinci na América do
Norte. Em algum momento de sua história, o painel de madeira foi cortado em até
um terço. A parte inferior em falta possivelmente mostrava as mãos e braços de
Ginevra, possivelmente dobrados ou cruzados.
Leonardo Da Vinci - verso da pintura "Ginevra de’ Benci" - “Wreath
of Laurel, Palm, and Juniper with a Scroll inscribed Virtutem Forma Decorat” - c. 1474/1478
Embora existam no mundo de
hoje apenas dez pinturas de Leonardo da Vinci, entre elas estão as pinturas mais conhecidas e mais altamente
reverenciadas na tradição ocidental: a Mona Lisa (Musée du Louvre, Paris) e A
Última Ceia (Sante Maria della Grazie, Milão). Apesar destes resultados
elevados em pintura, Leonardo da Vinci (15 de Abril de 1452 - 2 de Maio de 1519) é reconhecido ainda hoje por seu intelecto
extraordinariamente versátil e mente criativa. Igualmente qualificado como escultor,
arquiteto, urbanista, inventor, anatomista, estrategista militar, e visionário
que antecipou a invenção de aviões, submarinos, e outras tecnologias, séculos
antes de sua invenção, ele foi uma das figuras mais influentes do Renascimento
na Europa.
Assista o vídeo sobre a obra:
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I Charleston SP by Blubell - faça um passeio virtual, musical e dançante por São Paulo, Brasil
I Charleston SP by Blubell é uma homenagem à cidade e também o videoclipe da canção Música, da cantora Blubell. O projeto é inspirado no I Charleston the World, movimento que resgata o ritmo dos anos 20 e que já foi feito em diversas cidades do mundo, mas nunca antes em um país da América Latina. As gravações foram feitas entre Dezembro de 2012 e Janeiro de 2013.
Para quem não conhece São Paulo, conseguimos identificar as seguintes locações:
Marginal de Pinheiros e Ponte Estaiada
Edifício Copan, na Avenida Ipiranga
Avenida 23 de Maio com murais de Kobra
Avenida 9 de Julho
metrô da Linha Amarela
Minhocão
vão livre do Masp, na Avenida Paulista com vista para a Avenida 9 de Julho
Edifício Banespa no centro
estação da Luz de trens da CPTM
estação de metrô da Vila Madalena
Avenida Paulista com o Masp
Beco do Batman na Vila Madalena
Escultura "Monumento às Bandeiras", conhecido como "empurra-empurra" no Ibirapuera
repetição de locações
Praça Amadeu Amaral, no fim da Avenida Paulista com mural do Kobra homenageando o arquiteto Oscar Niemeyer
Teatro Municipal
Viaduto do Chá
repetição de locações
ponte no Parque Trianon da Avenida Paulista
Mube (Museu Brasileiro da Escultura)
Pateo do Colégio
repetição de locações
"Fonte dos Desejos - Glória" na Praça Ramos de Azevedo
"buraco" da Avenida Paulista, esquina das Avenida Rebouças e Avenida Consolação
ponto de ônibus no Conjunto Nacional, na Avenida Paulista
Roy Lichtenstein – “Blonde” – 1965 – cerâmica pintada - 38,1
x 21 x 20,3 cm
Esculturas
de Roy Lichtenstein - com vídeo
Roy Fox Lichtenstein (Nova Iorque, 27 de outubro de 1923 —
Nova Iorque, 29 de setembro de 1997) foi um artista pop americano. Durante os
anos 1960, junto com Andy Warhol, Jasper Johns e James Rosenquist, entre
outros, se tornou uma figura de liderança no movimento pop art. Seu trabalho definiu
a premissa básica da arte pop através de paródia. Favorecendo os quadrinhos
como sua principal fonte de inspiração, Lichtenstein usava cores primárias,
linhas escuras grossas, balões contendo texto e efeitos sonoros e o pontilhado
usado como método de sombreamento. Seu trabalho foi fortemente influenciado
pela publicidade popular.
A série “Brushstrokes” de obras de arte, inclui várias pinturas
e esculturas cujo tema são as ações feitas com pincel de um pintor de paredes.
Roy
Lichtenstein – “Brushstroke” – 1996 – alumínio pintado – 980 x 670 x 180 cm - Hirshhorn
Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C., United
States
Roy
Lichtenstein – “Brushstrokes in Flight” – 1984 - alumínio pintado - Port
Columbus International Airport, Columbus, Ohio
Roy Lichtenstein - Expressionist Head – 1980 – bronze pintado
e patinado sobre base de madeira pintada – 139,7 x 113,7 x 45,7 cm – múltiplo com seis edições
Nos anos 1980 e 1990, Lichtenstein criou esculturas de
bronze pintado, baseadas em suas pinturas anteriores. “Expressionist Head”
estava entre as primeiras dessas adaptações esculturais. Ela reflete as
gravuras expressionistas alemãs por suas "anatomias angulares e contornos
ousados", mas Lichtenstein trocou seus característicos pontos Ben-Day por listras
em suas cores primárias favoritas. Como muitas esculturas de Lichtenstein, este
conjunto é essencialmente bidimensional, em vez de volumétrico. As listras só
se tornaram comuns em suas obras quando ele começou a trabalhar com esculturas.
Em “Expressionista Head” listras acentuam os aspectos lineares da escultura.
Como quase todas as 20 esculturas produzidas até 1980, esta começou como um
desenho a lápis e em seguida, uma maquete de madeira artesanal, que estabeleceu
o molde para a fundição em bronze, pelo processo de cera perdida.
Roy Lichtenstein – “El Cap de Barcelona (The Head)” - 1991–1992
– concreto e cerâmica – 19,51 m
“El Cap de Barcelona” (em catalão) é uma escultura feita
para os Jogos Olímpicos de Verão de 1992 em Barcelona, Espanha. É uma
interpretação abstrata de uma cabeça de mulher. Embora seja abstrata, é claro
que a escultura foi feita para se assemelhar à cabeça e o rosto de uma mulher.
Ela é composta de peças grossas de concreto completamente cobertas por azulejos
de mosaico vermelho, amarelo, azul, preto e branco, e de longe parece uma
pintura. Parte do rosto está coberto por pontos vermelhos, típicos do estilo
pop-art de Lichtenstein.
Semelhante às esculturas “Brushstrokes” do início dos anos
oitenta, a escultura parece ter sido pintada com algumas pinceladas rápidasde
tinta. A diferença entre elas é que as peças “Brushstrokes” foram criadas em
alumínio pintado, enquanto “El Cap de Barcelona” é a sua única peça feita em
concreto e coberta de mosaicos. A razão para esta diferença é que “El Cap de
Barcelona” foi construída para assemelhar-se ao estilo de Antonio Gaudi, um
arquiteto espanhol, que é famoso por empregar linhas orgânicas e mosaicos ao longo
de sua arquitetura, pela qual Barcelona é conhecida.
Roy
Lichtenstein – “Mermaid” – 1979 – concreto, aço, poliuretano, esmalte, palmeira
e água – 640 x 730 x 330 cm - Fillmore Miami Beach at Jackie Gleason Theater,
Miami Beach
A sereia reclinada descansa sobre ondas azuis adjacentes a
uma palmeira. Em contraste com o cenário tropical em geral sereno, Licthenstein
inclui cinzentas nuvens de aço. Na época, a arte pública em larga escala era
algo novo para Lichtenstein. O trabalho foi considerado como uma extensão de
sua pintura em forma pública e não como uma tentativa de produzir arte
escultural. A incorporação de uma palmeira e uma piscina cheia de água, fez “Mermaid”
ser considerada como "deslumbrantemente boba e provocativa".
Roy
Lichtenstein - "Small Explosion
(Desk Explosion)" – 1965 - esmalte sobre aço – 55 cm
Roy
Lichtenstein - “Cup of Coffee” – 1965 –
cerâmica
Roy
Lichtenstein – “House I” - 1996/1998 – alumínio pintado – 290 x 450 x 130 cm - National
Gallery of Art Sculpture Garden, Washington, D.C.
“House I” utiliza ilusão de ótica para brincar com a
perspectiva. Para apreciar o efeito completo, andar a um ritmo constante ao
longo do arco da calçada que passa em frente e quase perpendicular à escultura,
com a cabeça virada para um lado, de frente para a escultura. A casa vai
parecer girar no espaço, como a casa do filme "O Mágico de Oz".
Essa canção faz parte de”The Art Of McCartney”, um projeto muito
especial que comemora um dos compositores mais universalmente aclamados de
todos os tempos, Sir Paul McCartney. As músicas de Paul McCartney executadas
por grandes artistas.
O Espelho de Vênus - Edward Burne- Jones – 1875 – óleo sobre
tela – 120 x 200 cm – Museu Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal
A história da obra de arte: O Espelho de Vênus, de Edward
Burne-Jones – com análise da obra e vídeo
O artista cria uma configuração quase sobrenatural de sonho
e cena em que ele tenta provocar tanto contemplação quanto emoção no
espectador. À primeira vista, a situação parece simplista em sua natureza
esteticamente agradável. Burne- Jones simplesmente apresenta ao espectador dez
belas garotas ou mulheres aqui, a maioria das quais olham para os seus reflexos
em um lago com lírios. O artista não cria uma cena de ação complexa, mas sim de passividade, delicadeza e emoção.
A única complexidade significativa da cena está na reação emocional de cada
mulher para a imagem em particular que ela vê. Enquanto muitas delas olham
ansiosamente seus próprios reflexos, algumas parecem indiferentes, algumas
felizes e uma ou duas até parecem descontentes com a sua própria imagem que aparece
diante delas. Ainda outras, no entanto, nem sequer olham para sua própria
imagem. Burne- Jones no entanto escolhe complicar a cena sutilmente, chamando
as atenções para a garota alta vestida de azul. Talvez o elemento mais marcante
da pintura como um todo , essa mulher chama a atenção para a postura , o tipo e
a expressão de "Vênus de Boticelli" em "O Nascimento de Vênus" de 1485 (veja a obra abaixo). Ao invés de
se agachar para ver a imagem dela na água, ela atrai o olhar, não só do
espectador, mas também da garota ajoelhada à sua esquerda e da garota sentada no lado direito
da composição. A diferença na expressão destas duas moças ao olhar para ela,
serve como uma complicação digna de nota. Enquanto a mulher na sua esquerda
olha para o seu rosto com admiração por sua beleza , a mulher sentada olha para
ela com uma expressão que faz o espectador perceber o ciúme e, talvez,
aborrecimento. Aqui, Burne- Jones apresenta não só uma cena de sonho em que
meninas bonitas olham para seus reflexos em contemplação e narcisismo, mas
também uma cena que contém complexidades humanas e sociais realistas. Porque
nem todos podem se satisfazer com a sua própria beleza, mas alguns precisam
olhar para a beleza de outros com
reverência ou com inveja.
“O Nascimento de Vênus” - Sandro Botticelli – 1485 – têmpera sobre tela
- 280 x 180 cm - Galleria degli Uffizi, Florença, Itália
Pode-se entender o tema da composição como uma exaltação da
beleza ideal. O pintor recorre a um discurso narrativo mínimo, colocando figuras
poéticas e sonhadoras, que envergam trajes pseudo-clássicos, em distribuição
linear, à maneira de friso, de inspiração grega. Mais do que uma semelhança
formal de estilo, Burne-Jones procura uma afinidade geral de ambiente
renascentista. Clara sugestão do Quattrocento, de Botticelli em particular, a
tela privilegia a harmonia decorativa do conjunto e cria, deliberadamente, uma
evocação nostálgica do passado. A composição deriva de uma ilustração destinada
a "The Hill of Venus", integrado no poema "The Earthly Paradise", de William Morris,
inspirado na lenda medieval de "Tannhäuser" (a lenda conta a história de
Tannhäuser, um menestrel que se deixa seduzir por uma mulher mundana, de nome
Vênus, contrariando assim a defesa do torneio dos trovadores a que ele pertence
de que o amor deve ser sublime e elevado).
Sir Edward Coley Burne-Jones (Birmingham, 28 de agosto de
1833 – Londres, 17 de junho de 1898) foi um artista e designer inglês,
envolvido no rejuvenescimento da tradição de vitrais na Inglaterra. As suas
obras incluem as janelas de Birmingham Cathedral, a igreja de St Martin's, em
Brampton, Cumbria, entre outras. Integrado ao movimento pré-rafaelita formado
na Inglaterra em 1848, com grande influência do pintor Dante Gabriel Rossetti. Depois
disso, Sir Edward Burne-Jones tornou-se um dos grandes nomes de uma nova
tendência surgida na década de 1860, designada por Aestheticism. Além de
pintura e vitrais, Burne-Jones trabalhou em vários tipos de arte, incluindo o design de azulejos de
cerâmica, jóias, tapeçarias, mosaicos e ilustrações de livros.
Marx Brothers - "The Big Store - The chase" - uma perseguição alucinante e cômica
The Big Store (1941) é um filme de comédia dos Irmãos Marx
em que Groucho, Chico e Harpo trabalham para salvar a Loja de Departamentos Phelps,
de propriedade de Martha Phelps. Groucho interpreta um detetive. The Big Store
foi o último dos cinco filmes a equipe fez sob contrato com a
Metro-Goldwyn-Mayer e foi anunciado como o seu filme final. No entanto, eles
voltariam para a tela em Uma Noite em Casablanca (1946) e Amor Feliz (1949).
Os Irmãos Marx foi um grupo de irmãos comediantes que
fizeram teatro, cinema e televisão. Chico (Leonard Marx, 22 de março de 1887 -
11 de outubro de 1961), Harpo (Adolph Arthur Marx, 23 de novembro de 1888 - 28
de setembro de 1964), Groucho (Julius Henry Marx, 2 de outubro de 1890 - 19 de
agosto de 1977), Gummo (Milton Marx, 23 de outubro de 1892 - 21 de abril de
1977), e Zeppo, (Herbert Marx, 25 de fevereiro de 1901 - 30 de novembro de
1979).
Nos anos 20 os Irmãos Marx se tornaram um dos grupos
teatrais favoritos nos Estados Unidos. Com seu aguçado e bizarro senso de
humor, satirizaram instituições como a alta sociedade e a hipocrisia humana.
Sob a gerência de Chico e a direção criativa de Groucho, o vaudeville dos
irmãos os tornou famosos na Broadway. Os espetáculos dos Irmãos Marx se
tornaram populares quando Hollywood fez a mudança do cinema mudo para o cinema
falado. Em 1933, Zeppo e Gummo pararam de atuar, tornando-se agentes de atores.
“The
Gallery of Archduke Leopold Wilhelm in Brussels” - David Teniers the Younger –
1651 – óleo sobre cobre - 104.8 × 130.4 cm - Museo Nacional del Prado, Madrid
“The
Gallery of Archduke Leopold in Brussels” - David Teniers the Younger – veja a
obra de Viena em detalhes, de forma interativa, clicando sobre o link ao final desse artigo
O Arquiduque Leopold Wilhelm da Áustria (05 de janeiro de
1614 - 20 novembro de 1662) foi um comandante militar austríaco, o governador
da Holanda Espanhola (território, correspondente em sua maior parte à Bélgica
e ao Luxemburgo contemporâneos) em 1647-1656,
e um patrono das artes. Nascido em Wiener Neustadt, ele era o filho mais novo
do Imperador Ferdinand II e Maria Anna da Baviera (1574-1616), filha de William
V, Duque da Baviera. Seu irmão mais velho tornou-se o Imperador Fernando III
(1608-1657). Leopold serviu como general na Guerra dos Trinta Anos e da Guerra
Franco-Espanhola (1635-1659).
Quando assumiu o governo da Holanda Espanhola, Leopold
Wilhelm, sendo um grande amante da arte, empregou vários pintores, incluindo o
grande pintor flamengo David Teniers “o mais novo”, que ele não só empregou
como um pintor, mas como guardião da coleção de pinturas que ele estava formando.
Com a classificação e título de "ayuda de camara" Teniers fixou seu
domicílio em Bruxelas, pouco depois de 1647. Imensas somas foram gastas na
aquisição de pinturas para o arquiduque. Muitas obras valiosas de mestres
italianos, agora no Museu de Viena, vieram da galeria de Leopold, depois de terem
pertencido a Charles I e ao Duque de Buckingham. Ele contratou o pintor
britânico John Michael Wright para viajar para a Inglaterra de Cromwell, e
adquirir arte e artefatos.
“Archduke
Leopold Wilhelm of Austria” - David Teniers the Younger - 1650s
Quando Leopold retornou a Viena em 1655, sua coleção de
pinturas foi transferida para a Áustria e continha mais de 1.400 pinturas,
concentradas nos pintores italianos do século anterior. Teniers fez um grande
número de pinturas (vistas, por assim dizer) de seleções e arranjos de grupos
de cerca de 50 das pinturas. Estas pinturas são os precursores dos modernos
catálogos de exposição dos museus, embora as obras em tais coleções nunca
tenham sido expostas ao público na época. Esta coleção permaneceu praticamente
intacta e constitui a base da coleção do Museu de História da Arte de Viena. Foi
a primeira grande coleção a abrir as suas portas ao público (em 1781). Leopold
legou sua galeria para seu sobrinho Leopold I, que depois tornou-se propriedade
imperial. É agora parte do Museu Kunsthistorisches de Viena.
Teniers catalogou as obras italianas proeminentes da coleção
(243) em um livro (Theatrum Pictorium) para o qual forneceu informações
juntamente com uma gravura de cada imagem. Publicado de início às suas próprias
custas, foi de certa forma o início da história da arte e apreciação da arte.
David
Teniers the Younger
David Teniers “o mais novo” (15 de dezembro de 1610 - 25 de
abril de 1690) foi um artista flamengo nascido em Antuérpia, filho de David
Teniers, “o Velho”. Seu filho David Teniers III e seu neto David Teniers IV
eram igualmente pintores. Sua esposa Anna, nascida Anna Brueghel, era a filha
de Jan Brueghel, “o Velho”, e neta de Pieter Bruegel, “o Velho”. Foi um pintor
flamengo do período barroco. David Teniers procurava dar a seus quadros um
toque humano, caloroso, às vezes com uma pitada de humor. Foi aluno do pai, o
pintor David Teniers, “o Velho”, e de Adriaen Brouwer. Altamente apreciado em
vida, especializou-se em cenas de gênero da vida camponesa.
David Teniers fez vários desses retratos de galerias. Na tela acima, do Museu do Prado, o Arquiduque (de chapéu alto) é retratado mostrando aos visitantes a riqueza de seus
quadros, a maioria deles venezianos, quase a metade deles de Ticiano. Outros
venezianos representados são: Giorgione, Antonello da Messina, Palma Vecchio,
Tintoretto, Bassano e Veronese. Também há Mabuse, Holbein, Bernardo Strozzi, Guido
Reni e Rubens. A escultura de apoio da mesa, representando Ganimedes, é um
bronze por Duquesnoy, o Jovem. O próprio Teniers é representado como a figura
da extrema-esquerda. É dito que Velazquez emprestou o dispositivo da porta
semi-aberta na parte de trás da imagem para a sua Las Meninas, pelo menos Las
Meninas pode ser entendido como um quadro semelhante, projetado para ilustrar o
patrocínio iluminado do patrono e o orgulho correspondente do artista da corte.
A pintura foi presenteada a Filipe IV da Espanha pelo Archduke Leopold Wilhelm
antes de 1653.
“The
Gallery of Archduke Leopold in Brussels” - David Teniers the Younger – 1639 –
óleo sobre tela – 96 x 128 cm - Staatsgalerie im Neuen Schloss, Vienna
Clique sobre o link abaixo para ver a obra de forma interativa.
Clique sobre cada tela para abri-la em tamanho maior com a devida descrição:
Vincent Van
Gogh – "Two White Butterflies" – 1889 - Van Gogh Museum, Amsterdam
Série Van Gogh: Borboletas
Borboletas é uma série pinturas feitas por Vincent van Gogh
em 1889 e 1890. Van Gogh fez algumas pinturas de borboletas e uma de mariposa. Para
Van Gogh, a metamorfose da lagarta em borboleta é simbólica da capacidade dos
homens e das mulheres para a transformação.
A diferença entre borboletas e mariposas: as borboletas são
mais coloridas e voam durante o dia. As asas das borboleta não são ligadas e
dobram juntas quando estão em posição de repouso. As mariposas não são muito
coloridas, voam à noite e têm asas ligadas. Há algumas exceções, no entanto,
como alguns tipos de mariposas coloridas.
As borboletas são encontrados na arte e na literatura,
muitas vezes como símbolos da liberdade, transformação e vida. Van Gogh
utilizou borboletas em suas obras, como um símbolo de esperança.
Uma de suas metáforas favoritas era sobre as possibilidades
transformadoras. Em uma carta a sua irmã Wil, Van Gogh diz que "ele como um pintor
deve pintar quadros, possivelmente algo mais virá depois disso". Quando
precisava de consolo, a natureza era o lugar onde Van Gogh ia para encontrar a
paz.
Vincent Van
Gogh – "Grass and Butterflies" – 1889 – Van Gogh Museum
Van Gogh chegou a Arles, no sul da França, quando tinha
cerca de 35 anos de idade. Lá ele começou a produzir alguns dos seus melhores
trabalhos. As pinturas de girassóis, as mais reconhecidas pinturas de Van Gogh,
foram criadas nessa época. Este foi provavelmente um dos períodos mais felizes da
vida de Van Gogh. Ele estava confiante e aparentemente contente.
Vincent Van
Gogh – "Great Peacock Moth" – 1889 - Van Gogh Museum, Amsterdam
Durante um ano, de Maio de 1889 a Maio de 1890, Van Gogh foi
voluntariamente admitido no asilo em Saint-Rémy, que fica perto de Arles.
Durante esse tempo, ele foi muitas vezes restrito a trabalhar no interior do
recinto do asilo. Lá ele pintou árvores cobertas de hera, lilases e lírios do
jardim.
Em maio 1889 Van Gogh começou a trabalhar em "Great Peacock
Moth" que ele apelidou como "Mariposa da Cabeça da Morte". A mariposa chamada "cabeça
da morte", é uma mariposa noturna raramente vista. Ele descreveu as cores da
grande mariposa "de incrível distinção, preto, branco cinzento, tingido de
carmim ou vagamente obscurecendo em
verde oliva". Por trás da mariposa há um fundo de flores. O tamanho da
mariposa e das plantas ao fundo atraem o espectador para o trabalho. As cores
são vivas, de acordo com a paixão de Van Gogh e intensidade emocional. Este trabalho
também tem o título "Emperor Moth" no Museu Van Gogh.
Vincent Van
Gogh – "Poppies and Butterflies" – 1890 - Van Gogh Museum, Amsterdam
"Poppies and Butterflies" sugere uma qualidade decorativa
como a de um tecido, comparado com as gravuras japonesas que ele admirava.
Vincent Van
Gogh – "Long Grass with Butterflies" – 1890 - National Gallery, London
"Long Grass with Butterflies" ou "Meadow in the Garden of
Saint-Paul Hospital" é uma vista de um jardim abandonado com grama alta e ervas
daninhas no terreno do asilo. O trabalho foi feito no final de sua estadia em
Saint-Rémy.
Em 1888, Van Gogh também trabalhou em um "estudo de
espinhos empoeirados, com uma inumerável multidão de borboletas brancas e
amarelas", mas a pintura foi perdida.
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