domingo, 31 de janeiro de 2016

20 Pinturas de praia

Joaquin Sorolla – Caminhada na Praia – Museo Sorolla, Madrid


20 Pinturas de praia


Vincent van Gogh - Beach with People Walking and Boats, 1882 -  aquarela sobre papel


William Merritt Chase - Beach Scene: Morning at Canoe Place, 1896 – óleo sobre madeira - 24.77 x 35.56 cm


William Merritt Chase – End of the Season Sun, 1884 – óleo sobre tela - 45.09 x 34.92 cm - Mount Holyoke College Art Museum, USA


Max Liebermann - Two Riders on a Beach – óleo sobre tela - 71 cm x 91 cm


John French Sloan - South Beach Bathers, 1908 – óleo sobre tela - 66.04 x 80.65 cm - Walker Art Center, United States


Claude Oscar Monet - The Beach and the Falaise d'Amont, 1885 – óleo sobre tela - 67.5 x 64.5 cm - Art Institute of Chicago, United States


Anita Malfatti (São Paulo, 2 de dezembro de 1889 — São Paulo, 6 de novembro de 1964) - Pedras na Praia


Joaquín Sorolla - Boy on the Sand – aquarela sobre papel - 25.4 x 20.3 cm


John Singer Sargent - Sand Beach, Schooner Head, Maine, 1921 – aquarela sobre papel - 33.65 x 52.7 cm


António de Carvalho da Silva Porto - Recanto de Praia – óleo sobre madeira - 31.5 × 54.5 cm - Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), Rio de Janeiro


Peder Severin Kroyer – A Summer evening on Skagen's beach, 1899 – óleo sobre tela - 135 × 187 cm - The Hirschsprung Collection, Copenhagen


Jose Pancetti - Praia da Gávea, 1955 – óleo sobre tela - 50.00 x 61.00 cm - Coleção Gilberto Chateaubriand – MAM, Rio de Janeiro


Pablo Picasso – The Bathers, 1918 – óleo sobre tela - 26.3 x 21.7 cm


Salvador Dali - Figures Lying on the Sand, 1926 – óleo sobre madeira - 20.7 x 27.3 cm - Salvador Dali Museum, St. Petersburg, FL, USA



Henri Rousseau – The Anglers (The Fishermen and the Biplane), 1908 - 0.46 x 0.55 cm - Musée de l'Orangerie, Paris, France


 Fernando Botero - Bather on the Beach, 2001 - 37 cm (14.57 in.), Width: 49 cm


Henri Lebasque – On the Beach – c. 1920 - óleo sobre tela


Henri Lebasque – The Bar at the Beach – 1923-25 - óleo sobre tela – 58,9 x 73 cm


Archibald Thorburn - Woodcock Nesting on A Beach, 1910 – aquarela - 26.5 x 36.75 cm



quarta-feira, 27 de janeiro de 2016

A história da pintura de Frans Hals – The Laughing Cavalier (O Cavaleiro Risonho)

Frans Hals – The Laughing Cavalier (O Cavaleiro Risonho), 1624 – óleo sobre tela – 83 x 67,3 cm Wallace Collection, London


A história da pintura de Frans Hals – The Laughing Cavalier (O Cavaleiro Risonho)


Este exuberante retrato de meia altura tem sido descrito como "um dos mais brilhantes de todos os retratos do período Barroco". Está inscrito com a data (1624) e a idade do modelo (26). O trabalho é único nos retratos masculinos de Hals pelas ricas cores que são amplamente transmitidas pelo traje extravagante do modelo: um gibão bordado com motivos extravagantes em branco, ouro e vermelho, com um florete de punho dourado, visível na dobra do cotovelo.

Nem a identidade do modelo, nem a função do retrato foram ainda firmemente estabelecidas. O traje deslumbrante pode oferecer algumas pistas importantes: os motivos bordados no gibão do modelo foram identificados em livros de emblemas da época e eram símbolos dos prazeres e dores do amor. Eles incluem abelhas, setas, cornucópias flamejantes e nós de amantes. Como alusões à galhardia e ao namoro, eles podem indicar que a obra foi pintada como um retrato de noivado, embora nenhuma pintura companheira a essa tenha sido identificada. Também tem sido sugerido que os desenhos dos bordados (particularmente o caduceu, o atributo do deus romano Mercúrio) aludem a uma ocupação no comércio e foi proposto recentemente que o modelo tenha sido Tieleman Roosterman, um rico comerciante de tecidos em Harleem, Holanda.

Por volta de 1624, Hals pintou uma série de retratos individuais e duplos, bem como um retrato de grupo de uma sociedade de milícia cívica. Este trabalho é provavelmente o mais famoso retrato do artista e demonstra o seu virtuosismo na viva caracterização de seus modelos.
Hals concede ao modelo um aspecto dominante, colocando-o em estreita proximidade com o plano de imagem e descreve-o a partir de um baixo ponto de vista. A pose arrogante da mão no quadril está intimamente associada com os retratos masculinos de Hals: um meio de dotar seus modelos com vitalidade e autoconfiança, a pose também serve como um dispositivo de ilusionista para dar à imagem uma maior profundidade pictórica.

No início do século XIX, a reputação de Hals caiu em relativa obscuridade. Apesar disso, o retrato tornou-se objeto de uma batalha furiosa entre o 4º Marquês de Hertford e o Barão James de Rothschild em um leilão de Paris em 1865. Foi adquirida por Lord Hertford e esse evento foi um ponto de virada na reputação crítica do artista. Na exposição da Royal Academy de 1888, a pintura foi exibida com o título 'The Laughing Cavalier” (O Cavaleiro Risonho). Apesar de o modelo não estar rindo nem ser um cavaleiro, o título transmite a sensação de jovialidade e arrogância que é um efeito cumulativo do baixo ponto de vista e da deslumbrante técnica juntamente com o bigode arrebitado do modelo, seus olhos brilhando, e sua postura arrogante.

O efeito dos olhos que parecem seguir o espectador de todos os ângulos é um resultado do modelo ter sido retratado como olhando diretamente para a frente, em direção ao ponto de vista do artista, combinado com o fato de ser uma representação estática bidimensional disso, a partir de qualquer ângulo que a pintura seja visualizada. 

Frans Hals (c. 1582 - 26 de agosto de 1666) foi um pintor retratista holandês da Golden Age que viveu e trabalhou em Haarlem. Ele é notável por suas pinceladas soltas de pintura, e ajudou a introduzir este estilo de pintura viva na arte holandesa. Hals desempenhou um papel importante na evolução do retrato do século 17.


Fonte: The Wallace Collection

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sábado, 23 de janeiro de 2016

Dans mon ile - Henri Salvador




Dans mon ile - Henri Salvador

Henri Gabriel Salvador (Caiena, 18 de julho de 1917, Paris em 13 de fevereiro de 2008) foi um cantor, compositor e guitarrista francês de jazz. Viveu algum tempo no Hotel Copacabana Palace, na praia de Copacabana na cidade do Rio de Janeiro, onde fez muito sucesso no Cassino da Urca. Henri Salvador é considerado por muitos como um precursor da Bossa Nova.


sexta-feira, 22 de janeiro de 2016

O restaurante Le Doyen de Paris em pinturas e sua história

Ernest Ange Duez - Au restaurant Le Doyen, Paris – óleo sobre tela - 90.2 by 116.8 cm


O restaurante Le Doyen de Paris em pinturas e sua história



Nessa pintura, uma figura feminina solitária serve de espetáculo não apenas para os que admiram a tela, mas também para as várias figuras masculinas que a cercam, com dois deles a comendo com os olhos. Nessa imagem, há uma tensão psicológica evidenciada pelos olhos arregalados da moça, olhando fixamente para nós. Ela não é a única personagem feminina nesse restaurante, mas as outras (uma mulher sentada duas mesas atrás, outra na mesa à direita e outra no fundo do restaurante, quase escondida pelo chapéu da figura em primeiro plano) claramente estão acompanhadas por personagens masculinos. Embora confinada pela mesa, ela tem bastante espaço no lado esquerdo da tela, pelo qual ela pode escapar a qualquer momento. Apesar disso ,ela parece confinada em seu espaço, com seus cotovelos sobre a mesa, quase abraçando o prato e suas mangas de babados tocando a comida. Sua cabeça está apoiada em sua mão, como se estivesse percebendo seus admiradores mas tentando se desvencilhar dos seus olhares penetrantes.  
Duez identificou cinco de seus amigos artistas nesta imagem: Edouard Detaille (1848-1912) na extrema direita da tela, voltando-se para a esquerda. De frente para ele, Roger Jourdain (1845-1918). À sua esquerda, de frente para a senhora no chapéu cor-de-rosa, Etienne Berne-Bellecour (1838-1910). Na mesa no canto esquerdo, Louis Leloir (1843-1884) em seu uniforme de um oficial de artilharia, e de frente para ele, lendo a carta de vinhos, Alphonse de Neuville (1834-1885).

Ernest Ange Duez (08 de Março de 1843 - 5 de Abril de 1896) foi um pintor francês de cenas de gênero, retratos, paisagens e temas religiosos. Suas cores eram mais contidas do que as da maioria dos impressionistas, e sua técnica mais controlada. Seu estilo, chamado de juste milieu, ficava entre o dos conservadores do Salon de Paris e o impressionismo, e ele é comparado a Alfred Stevens, Giuseppe De Nittis, e James Tissot.


Hugo Birger - Scandinavian Artists' Lunch at Cafe Ledoyen on Varnishing Day, 1886 – óleo sobre tela – 183,5 x 261,5 cm – em português: Almoço dos artistas escandinavos no café Ledoyen, Paris, no Dia de Envernizamento


A pintura “Almoço dos artistas escandinavos no café Ledoyen, Paris, no Dia de Envernizamento” do pintor sueco Hugo Birger sugere a aparência do restaurante no final do século 19, com várias janelas enormes, tetos ornamentados, e quartos históricos no segundo andar. As áreas de refeições incluem mesas ao ar livre e salões internos.
No Dia do Envernizamento, antes da abertura oficial do Salon (a exposição de arte anual em Paris, no Palais de l'Industrie), os artistas podiam colocar uma última camada de verniz protetor sobre seu trabalho, e eles, suas esposas e amigos podiam ver a exposição em particular, quando o grande esforço do ano havia terminado, e quando os quadros estavam pendurados com segurança, convidando os críticos para fazerem o seu pior e os compradores a fazerem o seu melhor.

Hugo Birger (nascido Hugo Birger Peterson) (12 de janeiro 1854-17 de Junho de 1887) foi um pintor sueco. Nascido em Estocolmo, seu pai era um gravurista. Birger estudou na Real Academia Sueca de Artes de 1870 a 1877. Em 1877, ele foi premiado com a “Royal medal”. 


O restaurante nos dias atuais


O Ledoyen é um dos mais antigos restaurantes em Paris, situado nos jardins da parte oriental dos Champs-Élysées no 8º arrondissement. Inicialmente, começou em 1779 como uma pequena pousada chamada Au Dauphin. Era localizada perto da Place Louis XV (atual Place de la Concorde), perto do Café des Ambassadeurs (entre a Avenue des Champs-Élysées e a atual Avenue Gabriel). Naquela época era uma pousada na periferia. Em 4 de agosto de 1791, Pierre-Michel Ledoyen, um filho de um fornecedor, o alugou e o estabeleceu como um restaurante formal. Ledoyen, um plongeur (lavador de garrafas) em seus primeiros anos, renomeou o restaurante com seu próprio nome em 1814. Em 1842, o arquiteto Jacques Hittorff, responsável pelo desenvolvimento dos jardins de Champs-Élysées, transferiu o restaurante para sua posição atual. Seis anos mais tarde, foi reformado após um incêndio. Hoje, as paredes do edifício são de propriedade da cidade de Paris, e é um restaurante de prestígio com três estrelas no guia Michelin. Durante o final do século 18, era um “antro” de Louis de Saint-Just e Maximilien Robespierre e eles jantaram no local em 26 de Julho 1794, dois dias antes de sua execução. Napoleão e Josefina de Beauharnais teriam se conhecido no restaurante e o local foi também um favorito de artistas e escritores, como Danton, Marat, Degas, Monet, Zola, Flaubert e Guy de Maupassant. Em meados do século 19 o restaurante também foi o lugar de café da manhã de duelistas, que, após disparar um contra o outro no Bois de Boulogne, se reconciliavam em Ledoyen. 


O restaurante nos dias atuais


O restaurante Le Doyen era muito popular durante o Segundo Império e Terceira Republica por sua localização na Champs Elysées e atrás dos jardins do Palácio Elysées  e sua proximidade do Palácio de Belas Artes (agora Grand Palais) onde eram realizados os Salons. Enquanto os artistas finalizavam o acabamento de suas pinturas no Salon, suas companheiras almoçavam no restaurante Le Doyen. James Tissot pintou o terraço do restaurante em The Artists Ladies.


James Tissot - The Artist's Ladies – 1883 – óleo sobre tela – 146,1 x 101,6 cm - Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia, USA


 Veja em detalhes e leia sobre a pintura de James Tissot nesse outro artigo desse blog:



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terça-feira, 19 de janeiro de 2016

Duas pinturas de Paul Cézanne da piscina em Jas de Bouffan e o local nos dias atuais

Paul Cézanne - Jas de Bouffan, the Pool, c. 1876 – óleo sobre tela – 46,1 x 56,3 cm – The Hermitage Museum, Moscow


Duas pinturas de Paul Cézanne da piscina em Jas de Bouffan e o local nos dias atuais


Jas de Bouffan era a propriedade nos arredores de Aix-en-Provence adquirida pelo pai do artista. Cézanne pintou a casa e a grande piscina várias vezes. Aqui, a piscina é mostrada em sua forma mais atraente, uma vez que, para além da vegetação, que fornece o esquema geral de cores, os detalhes arquitetônicos e esculturais também são visíveis: o leão de arenito amarelo, o golfinho brincando e torcendo sua cauda, os portões e um prédio antigo. Um detalhe bastante incomum para Cézanne está incluído na pintura: a piscina está sendo enchida com água.
Ao descrever a água que flui de dois tubos e os reflexos distorcidos pelas ondulações, Cézanne parece sucumbir às tentações do impressionismo. Normalmente ele teria retratado o espelho d´água como uma lisura de água parada. No entanto, a pintura está longe de impressionista: as grandes pinceladas ordenadas não possuem a mobilidade impressionista. A paisagem foi pintada no local, o que explica por que o tom de cinza-azul do céu, o verde da Provence e seu solo amarelo terem sido transmitidos com tanta exatidão. A harmonia desses tons exibe uma compreensão magistral de cor.


Paul Cézanne - The Pool at the Jas de Bouffan, 1888-1890 – óleo sobre tela – 64,8 x 81 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York


A afeição de Cézanne com a propriedade de sua família, o Jas de Bouffan, perto de Aix, é refletida nos muitos pontos de vista que ele pintou da propriedade ao longo de um quarto de século. Ele descreveu a estrada na parte inferior direita desta composição várias vezes no final de 1880: rodeada de árvores de castanhas, levava da parte de trás de uma casa do século XVIII, a jardins paisagísticos. Perto do trilho dividindo as áreas havia uma piscina para a recolha de água e uma calha de lavagem, visíveis na posição intermediária. A piscina era ladeada por bicas d´água em forma de leões, um dos quais pode ser visto aqui por trás.


Bastide du Jas de Bouffan – Aix en Provence, France





A mansão do século XVIII pertencia à família de Cézanne entre 1859 e 1899. Aos 20 anos, Paul Cézanne começou a pintar nas paredes da sala e fora, no parque.

Veja o site da propriedade retratada nessas pinturas, onde é possível fazer uma visita:





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sábado, 16 de janeiro de 2016

Wave - Frank Sinatra de Tom Jobim




Wave - Frank Sinatra de Tom Jobim

Wave (também chamada de "Vou te Contar") é a primeira música de um álbum de mesmo nome de 1967, composta por Antônio Carlos Jobim e Milton Mendonça. Já foi interpretada por diversos artistas, tais como Elis Regina Gal Costa, Frank Sinatra, João Gilberto, Ella Fitzgerald e Oscar Peterson e Renato Russo. A letra em inglês foi escrita pelo próprio Tom Jobim em 11 de novembro de 1969, e cantada por Frank Sinatra no álbum Sinatra & Company, lançado no ano seguinte.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido pelo seu nome artístico Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores e principais forças do movimento da bossa nova.


Francis Albert "Frank" Sinatra (Hoboken, 12 de dezembro de 1915 — Los Angeles, 14 de maio de 1998) foi um cantor e ator norte-americano. Lançou vários álbuns com aclamação crítica, realizou tours internacionais, e foi um dos fundadores do Rat Pack, além de fraternizar com celebridades e homens de estado, incluindo John F. Kennedy. Sinatra também forjou uma bem sucedida carreira como ator, vencendo um Óscar de melhor ator secundário, uma nomeação para Oscar de melhor ator e aclamação crítica por sua performance. Sinatra foi homenageado no Prêmio Kennedy em 1983 e recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade de Ronald Reagan em 1985 e a Medalha de Ouro do Congresso em 1997. Sinatra também recebeu 11 Grammy Awards, incluindo o Grammy Trustees Award, Grammy Legend Award e o Grammy Lifetime Achievement Award. Possui duas estrelas na Calçada da Fama, uma por seu trabalho na música e outra por seu trabalho na TV norte-americana. É considerado um dos maiores intérpretes da música na década de 1950. 


sexta-feira, 15 de janeiro de 2016

Pinturas de pessoas com chapéu

Woman with a Hat - Henri Matisse, 1905 - San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA, USA


Matisse desafiou o retrato convencional com esta imagem de sua esposa. A pose e o vestido de Amelie são típicos da época, mas Matisse aplicou asperamente cores brilhantes em seu rosto, chapéu, vestido, e até mesmo o fundo. Isto chocou seus contemporâneos quando ele enviou a pintura para o Salon d'Automne de 1905. Leo Stein disse que era "a mancha de tinta mais desagradável que já tinha visto", mas assim mesmo ele e sua irmã Gertrude a compraram pela importância que sabiam que esta teria na pintura moderna.


Pinturas de pessoas com chapéu


Self-portrait with hat - Rembrandt, c.1632 – óleo sobre madeira   


The Straw Hat - Peter Paul Rubens, c.1625 – óleo sobre madeira - 79 x 55 cm -  National Gallery, London, UK


 Portrait of a young woman with feather hat - Tiziano, c.1536 – óleo sobre madeira - 97 x 75 cm -   Hermitage, St. Petersburg, Russia  



Girl with the red hat - Johannes Vermeer, c.1665-c.1667 – 22.8 x 18 cm



Esse blog possui um artigo sobre essa pintura:




 Self-portrait in a Straw Hat - Louise Elisabeth Vigee Le Brun, c.1787 – óleo sobre tela



Esse blog possui um artigo sobre essa artista:




Self Portrait in a Soft Hat - Edgar Degas, 1858 - 26 x 19 cm - Sterling and Francine Clark Art Institute at Williamstown, MA, USA


 Bust of a Woman Wearing a Hat - Pierre-Auguste Renoir, 1881 – óleo sobre tela



Rower in a Top Hat - Gustave Caillebotte, 1877-1878 – óleo sobre tela - 90 x 117 cm



 The Black Feather Hat - Gustav Klimt, 1910 – óleo sobre tela



Self Portrait with Felt Hat - Vincent van Gogh, c.1887 - 44 x 37.5 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Netherlands



 Child In A Straw Hat - Mary Cassatt, c.1886 - 49.53 x 64.135 cm - National Gallery of Art, Washingon, DC, USA


Em sua carreira, Mary Cassatt muitas vezes pintou o tema de uma menina que veste um chapéu de grandes dimensões em poses semelhantes a esta. No entanto a expressão séria desta criança distingue a pintura de outros retratos. A maioria das meninas nas pinturas de Cassatt de crianças com chapéus parecem ser modelos dispostas e felizes. Elas sorriem e usam chapéus elaborados e vestidos com babados. Em “Criança em um Chapéu de Palha”, a menina veste um vestido cinza simples e um grande, simples chapéu de palha. Ela franze a testa e o lábio superior saliente sugere que ela está impaciente. Ela pode ter sido tirada de uma brincadeira, para posar.



Jeanne Hebuterne with Hat and Necklace - Amedeo Modigliani, 1917 – óleo sobre tela - 164.52 x 137.1 cm



Blue Hat - Tarsila do Amaral, 1922 – óleo sobre tela



Portrait of the artist's wife with a hat - August Macke, 1909 - Westphalian State Museum of Art and Cultural History



Esse blog possui um artigo sobre esse artista:




Man in a Bowler Hat - Rene Magritte, 1964 – óleo sobre tela



Ingrid Bergman With Hat - Andy Warhol, 1983 – silkscreen sobre papelão 


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quinta-feira, 14 de janeiro de 2016

Edvard Munch- O Friso da Vida, um poema sobre vida, amor e morte

Edvard Munch- Dance of Life, 1899-1900 – óleo sobre tela – 129 × 191 cm – National Gallery, Norway


Edvard Munch- O Friso da Vida, um poema sobre vida, amor e morte - com vídeo


A Dança da Vida ocorre em uma brilhante noite de verão ao longo da costa de Aasgaardstrand no fiorde de Oslo. Iluminados por uma lua cheia, os casais se envolvem em uma dança energética. A Dança da Vida pertence a uma série chamada Friso da Vida. Os três principais temas do Friso da Vida, amor, ansiedade e morte, são claramente expressos em A Dança da Vida. Assim, esta pintura pode ser vista como um dos pontos centrais da série. A Dança da Vida pode ser interpretada a partir de vários pontos de vista e em vários níveis. A transição das figuras femininas da adolescência para a maturidade sexual até a velhice dá a entender que a pintura lida com o ciclo eterno da vida. Sobre essa "brilhante noite de verão", Munch escreveu: "a vida e a morte, dia e noite andam de mãos dadas". Munch expressa sua consciência sobre o ciclo biológico da existência humana pela maneira como ele dissolve as figuras na paisagem, como seu destino sendo indivisível do ritmo da natureza.


Edvard Munch – Ashes (Cinzas), 1894 – óleo sobre tela - 120.5 x 141 cm – National Gallery, Oslo


Na década de 1890 Munch dedicou-se a uma série ambiciosa de pinturas chamada The Frieze of Life. Este friso foi concebido como uma série de imagens livremente adjacentes, o que daria uma visão clara da vida e da situação do homem moderno. Munch escreveu: "Por meio de tudo, venta a linha curva da costa, e para além dela o mar, enquanto sob as árvores, a vida, com todas as suas complexidades de tristeza e alegria, continua sobre eles". Os três principais temas do Friso da Vida são: amor, ansiedade e morte. A série inclui esboços, pinturas, desenhos e gravuras. Munch não gostava de se separar de suas pinturas porque ele pensava em seu trabalho como um único corpo de expressão. Então, para capitalizar sobre sua produção e obter alguma renda, ele se voltou para artes gráficas para reproduzir muitas de suas pinturas mais famosas, incluindo aqueles nesta série, em gravuras.


Edvard Munch – Separation, 1896 – óleo sobre tela – 96 x 127 cm – The Munch Museum


As vinte e duas obras que Munch produziu ampliaram sua exploração obsessiva da sexualidade e da mortalidade. O Friso da Vida inclui “O Grito”, a imagem icônica de Munch da angústia moderna. Como fez com muitos dos seus quadros, ele criou diversas versões dela. Na sequência de um colapso nervoso em 1908 e posterior reabilitação, Munch, em grande parte se afastou de imagens de desespero e angústia e criou pinturas mais coloridas, otimistas.


Edvard Munch – O Grito – 1893 – têmpera e pastel sobre madeira – 91 x 73,5 cm - National Gallery, Oslo, Noruega


O segundo de cinco filhos, Edvard Munch (Løten, 12 de Dezembro de 1863 — Ekely, 23 de Janeiro de 1944) perdeu sua mãe e irmã favorita por tuberculose antes de seu décimo quarto aniversário. Tendo abandonado o estudo de engenharia devido a doenças freqüentes, Munch decidiu se tornar um artista. Seus primeiros trabalhos revelaram a influência dos pintores plein-ar, como Monet e Renoir. Em 1889, Munch começou a passar longos períodos em Paris. Exposto ao trabalho de Gauguin e outros simbolistas franceses, Munch desenvolveu uma linguagem simplificada de cores ousadas e linha sinuosa para expressar sua visão do sofrimento humano, como a doença e a morte, depressão e alienação.


Edvard Munch – Anxiety, 1894 – óleo sobre tela – 94 x 74 cm – The Munch Museum


Como muitos artistas que amadureceram na esteira do impressionismo, Edvard Munch começou sua carreira pintando cenas estreitamente observadas do mundo em torno dele. Mas a obra de Munch assumiu uma ênfase cada vez mais profunda na subjetividade e uma rejeição ativa da realidade visível. O estilo único e altamente pessoal que ele desenvolveu para transmitir humor, emoção, ou memória influenciou fortemente o curso da arte do século XX e, em particular, o desenvolvimento do Expressionismo. Sobre sua arte, dizia: "Minha arte é realmente uma confissão voluntária e uma tentativa de explicar a mim mesmo minha relação com a vida. É portanto, na verdade, uma espécie de egoísmo, mas eu constantemente espero que através desta, eu possa ajudar os outros a alcançar a clareza".


Edvard Munch – Kiss on the Shore by Moonlight, 1916 – óleo sobre tela – 77 x 100 cm - Munch Museet, Oslo, Norway



Veja mais pinturas, assistindo o vídeo abaixo:





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