quinta-feira, 30 de novembro de 2017

O lado artista de Sir Winston Churchill, um dos maiores estadistas da história mundial

Sir Winston Churchill - Daybreak at Cassis, near Marseilles, 1920


O lado artista de Sir Winston Churchill, um dos maiores estadistas da história mundial


Sir Winston Churchill - The Harbour at St. Jean Cap Ferrat, 1921


Sir Winston Leonard Spencer-Churchill - (Woodstock, 30 de Novembro de 1874 — Londres, 24 de Janeiro de 1965) foi um político conservador e estadista britânico, famoso principalmente por sua atuação como primeiro-ministro do Reino Unido durante a Segunda Guerra Mundial. Ele foi primeiro-ministro britânico por duas vezes (1940-45 e 1951-55). Churchill liderou a vitória da Grã-Bretanha durante a Segunda Guerra Mundial. Seus discursos e transmissões de rádio ajudaram a inspirar a resistência britânica, especialmente durante os dias difíceis de 1940-41, quando a Commonwealth e o Império Britânico estavam quase sozinhos em sua oposição a Adolf Hitler. Ele advertiu publicamente sobre uma "Cortina de Ferro" da influência soviética na Europa e promoveu a unidade europeia.


Sir Winston Churchill pintando em seu atelie em Chartwell


Sir Winston Churchill - View of Chartwell


Sir Winston Churchill - Beach at Walmer, c. 1938


Orador e estadista notável, ele também foi oficial no Exército Britânico, historiador, escritor e artista. Ele é o único primeiro-ministro britânico a ter recebido o Prêmio Nobel de Literatura e a cidadania honorária dos Estados Unidos. Em 2002 foi eleito pela BBC o maior britânico de todos os tempos.
Churchill nasceu em uma família aristocrática, filho de um político inglês e uma socialite americana.

Esse blog possui um artigo sobre a mãe de Winston Churchill ilustrado por pinturas e fotos. Clique sobre esse link para ver:



Sir Winston Churchill - Randolph Churchill (filho de Sir Winston Churchill) Reading


Sir Winston Churchill – Flat Calm with a High-prowed Boat, c. 1925


Sir Winston Churchill - Terrace at Trent Park, c. 1935


 Churchill foi um artista amador bem-sucedido e gostava imensamente de pintar. Ele encontrou um refúgio na arte para superar os efeitos da depressão que ele sofreu ao longo de sua vida. Churchill foi persuadido e ensinado a pintar por seu amigo artista, Paul Maze, que conheceu durante a Primeira Guerra Mundial. Maze foi uma grande influência na pintura de Churchill e tornou-se seu companheiro de pintura ao longo da vida.


Sir Winston Churchill - State Room at Blenheim Palace


Sir Winston Churchill - Boats at Cannes Harbor, 1937


 As pinturas mais conhecidas de Churchill são paisagens impressionistas, muitas delas pintadas enquanto estava de férias no sul da França, no Egito ou em Marrocos. Ele também fez uma série de cenas interiores e retratos. Usando o pseudónimo "Charles Morin", ele continuou seu hobby ao longo de sua vida e pintou centenas de telas.


Sir Winston Churchill - West Front of Blenheim Palace


Sir Winston Churchill - The Marlborough Tapestries at Blenheim, c. 1930 - óleo sobre tela - 61 x 74 cm - coleção particular


Sir Winston Churchill pintando ao ar livre

Esse blog possui mais um artigo sobre Sir Winston Churchill e um artigo sobre a região The Cotswolds e o Blenheim Palace, onde Churchill nasceu. Clique sobre os links abaixo para ver:




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sexta-feira, 24 de novembro de 2017

A história do retrato de Vincent van Gogh por Henri de Toulouse-Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec – Portrait of Vincent van Gogh, 1887 – giz colorido sobre cartão – 57 x 46 cm – The Van Gogh Museum, Amsterdam


A história do retrato de Vincent van Gogh por Henri de Toulouse-Lautrec


Toulouse-Lautrec estava em sua fase impressionista quando, aos 23 anos, retratou seu amigo de 34 anos, Vincent van Gogh. Mas em contraste com os impressionistas, Lautrec mostra-se um mestre em seu enfoque da psicologia de seu tema. Ao pintar o amigo de perfil, Lautrec não só procurou um lado desconhecido de Van Gogh (pois a maioria dos retratos e autorretratos dele mostram uma visão completa), como também permitiu um vislumbre de sua psique. Este retrato, feito bem antes que Toulouse-Lautrec ou seu modelo ficassem famosos, mostra Van Gogh sentado pensativo em uma mesa de um restaurante em Montmartre. Em frente a ele está um copo de absinto, e ele se inclina para a frente como se acabasse de ver alguém que ele conhecesse.

De acordo com o artista Paul Signac, Vincent van Gogh se dirigia todos os dias ao bar, onde os "absintos e brandies se seguiam rapidamente". O próprio Van Gogh admitiu que era "quase alcoólatra" quando ele partiu para Arles. Henri de Toulouse-Lautrec teve uma boa razão, portanto, para esboçar seu amigo em uma mesa com um copo de absinto. Nesta composição é visível o comando que Toulouse-Lautrec possuía de cor e linha. Também se nota aqui o que o tornou único: a descrição dos traços característicos dos modelos, que capturam a essência de uma pessoa, neste caso, as bochechas afundadas de Van Gogh, a testa pesada e a pose ansiosa e inclinada para a frente.

Lautrec conheceu Van Gogh no estúdio de Fernand Cormon, onde ambos estavam tendo aulas. Eles provavelmente trabalharam juntos intensamente por um tempo, já que o estilo e a técnica de suas pinturas neste período parecem muito semelhantes. Toulouse-Lautrec defendeu seu amigo na exposição 'Les Vingt' em Bruxelas, no início de 1890. Van Gogh enviou seis pinturas, que causaram um furor durante a abertura. Toulouse-Lautrec estava tão irritado com alguns dos comentários negativos que ele ouviu sobre o trabalho de Vincent que ele quase entrou em briga com outro artista. Os dois pintores podem ter visto um ao outro uma última vez alguns meses depois, quando Van Gogh saiu de Saint-Rémy e viajou para Auvers-sur-Oise via Paris. Pouco mais se sabe sobre sua amizade. Van Gogh respeitava muito o trabalho de Lautrec, e ele até persuadiu seu irmão a comprar algumas de suas pinturas, mas os dois artistas eram muito diferentes em temperamento e motivação para permanecerem companheiros próximos.

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa (24 de Novembro de 1864 - 9 de Setembro de 1901) foi um pintor pós-impressionista e litógrafo francês, conhecido por pintar a vida boêmia de Paris do final do século XIX. Sendo ele mesmo um boêmio, faleceu precocemente aos 36 anos. Trabalhou por menos de vinte anos mas deixou um legado artístico importantíssimo, tanto no que se refere à qualidade e quantidade de suas obras, como também no que se refere à popularização e comercialização da arte. Toulouse-Lautrec revolucionou o design gráfico dos cartazes publicitários, ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau. Filho mais velho do Conde Toulouse-Lautrec-Monfa, de quem deveria herdar o título, faleceu antes do pai.

Vincent Willem van Gogh (Zundert, 30 de Março de 1853 — Auvers-sur-Oise, 29 de Julho de 1890) foi um pintor pós-impressionista holandês. Seu trabalho teve uma grande influência na arte do século 20. Sua produção inclui retratos, autorretratos, paisagens e naturezas-mortas de ciprestes, campos de trigo e girassóis. Ele completou muitas de suas obras mais conhecidas durante os dois últimos anos de sua vida. Em pouco mais de uma década, produziu mais de 2.100 obras de arte, incluindo 860 pinturas a óleo e mais de 1.300 aquarelas, desenhos, esboços e gravuras.

Esse blog possui mais um artigo sobre Henri de Toulouse-Lautrec. Clique sobre o link abaixo para ver:



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quinta-feira, 23 de novembro de 2017

Feliz Dia de Ação de Graças (Happy Thanksgiving)!

The First Thanksgiving at Plymouth - Jennie Augusta Brownscombe – 1914 – óleo sobre tela – 76,2 x 99,4 cm - Pilgrim Hall Museum, Plymouth, Massachusetts


Feliz Dia de Ação de Graças (Happy Thanksgiving)!

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Thanksgiving, ou dia de Ação de Graças, é um feriado comemorado nos Estados Unidos na quarta quinta-feira de novembro. Tem sido celebrado como um feriado federal a cada ano desde 1863, quando, durante a Guerra Civil, o presidente Abraham Lincoln proclamou um dia nacional de "Ação de Graças e de louvor ao nosso Pai beneficente que habita nos céus", a ser comemorado na última quinta-feira de Novembro. O Thanksgiving também é comemorado em outros países.

O evento que os americanos comumente chamam de "primeira ação de graças" foi comemorado pelos peregrinos em Plymouth, Massachusetts, após a sua primeira colheita no Novo Mundo em 1621. Esta festa durou três dias, e teve a participação de 90 nativos americanos (como contabilizados pelo participante Edward Winslow) e 53 peregrinos.


"The First Thanksgiving 1621" - Jean Leon Gerome Ferris -1899 - óleo sobre tela – 63,5 x 88,9 cm – coleção particular


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terça-feira, 21 de novembro de 2017

Análise da pintura de René Magritte - Time Transfixed (O Tempo Trespassado)

René Magritte - Time Transfixed (La Durée Poignardée), 1938 – óleo sobre tela – 147 x 98,7 cm – The Art Institute of Chicago, USA


Análise da pintura de René Magritte - Time Transfixed (O Tempo Trespassado)


Esta é uma das pinturas mais conhecidas de Magritte. Nela, a visão de uma sala é limitada, dominada por um espelho sobre uma lareira. Em cima da lareira há um relógio (simbolizando o mistério do tempo) e saindo da lareira, há uma locomotiva a vapor, “destruindo” a paz da sala e viajando através do tempo.

O colecionador Edward James, impressionado com as pinturas de René Magritte na Exposição Surrealista Internacional de 1936, convidou o artista para pintar telas para o salão de baile de sua casa londrina. Uma delas foi essa pintura. O artista mais tarde explicou esta imagem: "Eu decidi pintar a imagem de uma locomotiva ... Para que seu mistério fosse evocado, outra imagem imediatamente familiar sem mistério, a imagem de uma lareira de sala de jantar, foi unida". A surpreendente justaposição e escala de elementos não relacionados, realçados pelo realismo preciso de Magritte, dão à imagem a sua inventividade e sedução. O artista colocou uma locomotiva na chaminé da lareira, para que pareça emergir de um túnel ferroviário.

O uso do surrealismo como meio, por Magritte, tem uma mensagem clara e um propósito como tal. Não é simplesmente fazer com que o absurdo pareça possível, trata-se de revelar o invisível. Através dos paradoxos em seu trabalho, ele encoraja seu público a buscá-lo e a entender melhor sua relação com ele. Magritte descreveu o processo para o quadro, explicando que a locomotiva veio primeiro e depois foi justaposta contra a lareira para evocar o seu mistério em comparação com a mundanidade dos arredores. Conseguir compreender o processo e o foco da Magritte torna mais fácil entender seu propósito também. Assim, o trem agora é o tempo atual, algo imortalizado como constantemente em movimento e empurrando para frente, quando na realidade ele não está indo a lugar nenhum.

Magritte não gostou da tradução inglesa do título francês original, La Duration Poignardé, que literalmente significa "tempo em andamento esfaqueado por uma adaga". Ele esperava que a pintura fosse instalada no pé da escada do colecionador, para que o trem "esfaqueasse" os hóspedes no caminho até o salão de baile. Ironicamente, em vez disso, James a instalou sobre sua lareira.


Esse blog possui um artigo sobre o marchand e colecionador Edward James e sobre sua propriedade na Inglaterra. Clique sobre esse link para ver:



René Magritte era um homem calmo e pensativo que preferia o anonimato. Passou a maior parte de sua carreira em Bruxelas, desenvolvendo um estilo de pintura meticuloso e realista que refletia seu treinamento inicial em arte comercial, pintando mármore falso e painéis de madeira para residências.
René François Ghislain Magritte (Lessines, 21 de Novembro de 1898 ― Bruxelas, 15 de Agosto de 1967) foi um dos principais artistas surrealistas belgas. Em 1912 sua mãe, Régina, cometeu suicídio por afogamento no rio Sambre. Magritte estava presente quando o corpo de sua mãe foi retirado das águas do rio. Em 1916, ingressou na Académie Royale des Beaux-Arts, em Bruxelas, onde estudou por dois anos. Foi durante esse período que ele conheceu Georgette Berger, com quem se casou em 1922. René Magritte praticava o surrealismo realista, ou “realismo mágico”. Começou imitando a vanguarda, mas precisava realmente de uma linguagem mais poética e viu-se influenciado pela pintura metafísica de Giorgio de Chirico.

Sua arte caracteriza o amor surrealista aos paradoxos visuais: embora as coisas possam dar a impressão de serem normais, existem anomalias por toda a parte, e o surrealismo atrai justamente porque explora nossa compreensão oculta da esquisitice terrena. Pintor de imagens insólitas, às quais deu tratamento rigorosamente realista, utilizou processos ilusionistas, sempre à procura do contraste entre o tratamento realista dos objetos e a atmosfera irreal dos conjuntos. Suas obras são metáforas que se apresentam como representações realistas, através da justaposição de objetos comuns, e símbolos recorrentes em sua obra, tais como o torso feminino, o chapéu coco, o castelo, a rocha e a janela, entre outros, porém de um modo impossível de ser encontrado na vida real.

Magritte fez pinturas de objetos comuns em contextos incomuns, e assim criou sua própria forma de poesia para expressar seu inconsciente, de uma forma filosófica e conceitual. O artista, ao contrário dos outros surrealistas, era uma pessoa perturbadoramente comum, sempre vestindo um sobretudo, terno e gravata. Para Magritte suas pinturas não tinham qualquer significado, porque o mistério não tem significado. Ficamos apenas com o mistério e a incerteza, o que torna o trabalho dele mais misterioso e mais atraente.

Esse blog possui mais artigos sobre René Magritte. Clique sobre os links abaixo para ver:








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sexta-feira, 17 de novembro de 2017

Laura Fygi - Quiet Nights Of Quiet Stars (Corcovado)



Laura Fygi - Quiet Nights of Quiet Stars (Corcovado)


"Corcovado" (conhecida em inglês como "Quiet Nights of Quiet Stars") é uma canção da Bossa Nova escrita por Antônio Carlos Jobim, em 1960. Uma letra em inglês foi mais tarde escrita por Gene Lees. O título em português refere-se ao morro do Corcovado, na cidade do Rio de Janeiro, Brasil. Já foi gravada por inúmeros artistas, entre eles: João Gilberto, Miles Davis, Stan Getz, Charlie Bird, Oscar Peterson, Sergio Mendes, Doris Day, Henry Mancini, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Astrud Gilberto, Stacey Kent, Art Garfunkel, Diana Krall, Andrea Bocelli e muitos outros.

Laura Fygi (27 de agosto de 1955) é uma cantora holandesa de jazz. Ela cresceu no Uruguai. Seu pai era um empresário holandês e sua mãe uma dançarina egípcia de Dança do Ventre. Durante a década de 1980, ela foi membro da Centerfold, uma banda de discoteca holandesa, popular na Europa e no Japão. No início da década de 1990, ela começou uma carreira solo e gravou seu álbum de estreia com Toots Thielemans. Durante sua carreira, ela trabalhou com Johnny Griffin, Michel Legrand e Clark Terry e considera Julie London como uma das suas influências. Ela canta em inglês, chinês, francês, português e espanhol.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido pelo seu nome artístico Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores e principais forças do movimento da Bossa Nova. Suas canções foram interpretadas por muitos cantores e instrumentistas no Brasil e internacionalmente. Em 1965 o álbum Getz / Gilberto (tendo Tom Jobim como compositor e pianista) foi o primeiro álbum de jazz a ganhar o Grammy Award para Álbum do Ano. A canção "Garota de Ipanema" foi gravada mais de 240 vezes por outros artistas, sendo uma das músicas mais gravadas de todos os tempos. Seu álbum de 1967 com Frank Sinatra, “Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim”, foi nomeado para Álbum do Ano em 1968. Jobim deixou um grande número de canções que agora estão incluídas nos repertórios standard de Jazz e pop.


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terça-feira, 14 de novembro de 2017

A história da pintura “A Corner of the Apartment” de Claude Monet

Claude Monet - A Corner of the Apartment (Um canto do apartamento), 1875 – óleo sobre tela – 81,5 x 60,5 cm – Musée D´Orsay, Paris, França


A história da pintura “A Corner of the Apartment” de Claude Monet


A dedicação de Monet à pintura de ar livre tornou as cenas interiores cada vez mais raras em seu trabalho. Monet morou em Argenteuil, perto de Paris, a partir de 1871, quando ele retornou da Inglaterra, até 1878. Durante este período, ele retratou sua esposa Camille em suas pinturas, com seu filho mais velho, Jean, nascido em 1867. Ele é retratado aqui, na segunda casa que Monet habitou em Argenteuil, com uma figura (provavelmente Camille), à sombra no fundo.

Monet posicionou o cavalete na varanda para retratar Jean no centro da sala. O primeiro plano aqui consiste em uma decoração simétrica: tapeçarias com motivos coloridos, plantas verdes e vasos decorativos, também vistos em outras pinturas de Monet. Esta composição dá a impressão de uma cortina se abrindo para um palco. O olhar do espectador é dirigido para a parte de trás da sala, em direção à área iluminada perto da janela. No centro da imagem, o padrão de espinha de peixe do parquet reforça a simetria da visão geral, enfatizando a perspectiva. Então, um após o outro, pode-se distinguir: Jean de pé ligeiramente à direita, a lâmpada e a mesa no centro, e Camille sentada à esquerda. A silhueta da criança é refletida no chão de parquet, acesa pela luz diurna que vem da janela.

Esta cena silenciosa e íntima, uma imagem da vida familiar diária em Argenteuil, é recriada em um espaço azulado. Esta gama de cores evoca uma atmosfera de tranquilidade e poesia.


Oscar-Claude Monet (Paris, 14 de novembro de 1840 — Giverny, 5 de dezembro de 1926) foi em quase todos os sentidos o fundador da pintura impressionista francesa, o próprio termo vindo de uma de suas pinturas, “Impressão, Sol Nascente”. Aos 11 anos, ele entrou na escola secundária das artes Le Havre. Cinco anos mais tarde, ele conheceu o artista Eugène Boudin, que lhe ensinou as técnicas de pintura "plein air" e tornou-se seu mentor. Aos 16 anos, Monet deixou a escola, indo para Paris, onde em vez de estudar as obras de arte dos grandes mestres, sentava-se à janela e pintava o que via fora. Aos 28 anos, depois de sair do exército e da guerra na Algéria, de volta em Paris, estudou os métodos "en plein air", juntamente com Pierre-Auguste Renoir, Frederic Bazille e Alfred Sisley, e desenvolveu o estilo de pintura que logo seria conhecido como Impressionismo. Ele exibiu muitas de suas obras em 1874, na primeira exposição impressionista. A ambição de Monet de documentar a paisagem francesa o levou a adotar um método de pintar a mesma cena muitas vezes para capturar a mudança de luz e o passar das estações.

Após a morte de sua esposa Camille por tuberculose depois do nascimento de seu segundo filho, Monet resolveu nunca mais viver na pobreza novamente, e estava determinado a criar algumas das melhores obras de arte do século XIX. Em 1890, ele estava próspero o suficiente para comprar uma casa grande com jardim em Giverny, onde começou um vasto projeto de paisagismo que incluiu lagoas com lírios, e que se tornariam o tema de suas obras mais conhecidas. Em 1899 ele começou a pintar os nenúfares, primeiro em vistas verticais com uma ponte japonesa como um elemento central, e mais tarde numa série de pinturas em larga escala que iria ocupá-lo continuamente pelos próximos 20 anos de sua vida.


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quinta-feira, 9 de novembro de 2017

Pinturas e ilustrações de Novembro

Alphons Mucha - "Novembre", 1899 – ilustração

Os Meses (1899): esta série de medalhões foi usada ​​para ilustrar a capa da revista Le Mois Littéraire antes de eles serem reproduzidos como cartões postais. Cada medalhão apresenta uma figura feminina posando contra um fundo natural, característico do mês representado. Alfons Maria Mucha - (Ivančice, 24 de julho de 1860 — Praga, 14 de julho de 1939) foi um pintor, ilustrador e designer gráfico checo e um dos principais expoentes do movimento Art Nouveau. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão os cartazes para os espetáculos de Sarah Bernhardt realizados na França, de 1894 a 1900, e uma série chamada Epopeia Eslava, elaborada entre 1912 e 1930.


Pinturas e ilustrações de Novembro


Childe Hassam - November, Cos Cob, c. 1902 – aquarela sobre papel – 44,5 x 53,9 cm – coleção particular


 Guy Orlando Rose – November, c. 1910 – óleo sobre tela – 60,9 x 73,6 cm – coleção particular



Alfred Sisley – Morning in November, 1881 – óleo sobre tela – 54 x 73 cm - coleção particular


John Atkinson Grimshaw – November Afternoon, Stapleton Park, 1877 – óleo sobre madeira – 28 x 43,5 cm – coleção particular


John Atkinson Grimshaw – November Moonlight – óleo sobre tela – 76,5 x 63,5 cm – coleção particular


Willard Metcalf - November Mist, 1922 – óleo sobre tela – 66 x 73,6 cm - New Britain Museum of American Art, Connecticut, USA


Eugène Grasset - "La Belle Jardiniere – Novembre", 1896 – ilustração

O artista gráfico suíço Eugène Samuel Grasset (1845-1917) foi uma das principais figuras do movimento Art Nouveau em Paris. Mais conhecido por seus cartazes emblemáticos e suas contribuições para design gráfico - um itálico que ele criou, em 1898, ainda é usado por designers de todo o mundo - Grasset também criou móveis, cerâmicas, tapeçarias, e selos postais. Em 1894, Grasset recebeu uma encomenda da loja de departamentos francesa La Belle Jardinière para criar doze obras de arte originais, a serem utilizadas como um calendário. Graciosas xilogravuras retratando belas moças em trajes de época e jardins que mudam com as estações do ano foram produzidas, com espaços vazios para as datas do calendário, em um portfólio de obras de arte chamado Les Mois (Os meses) pela editora Paris G. de Malherbe em 1896.


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terça-feira, 7 de novembro de 2017

Análise da pintura “Moscow I” de Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky – Moscow I, 1916 – óleo sobre tela – 51,5 x 49,5 cm – The State Tretyakov Gallery, Moscow, Russia


Análise da pintura “Moscow I” de Wassily Kandinsky


Nessa pintura, Kandinsky criou uma imagem do centro de Moscou, uma de suas cidades favoritas. Em parte, usando um método futurista para transmitir o movimento das formas, ele criou uma espécie de curva no meio da Praça Vermelha, mostrando seus principais monumentos. Kandinsky expressou seu desejo de pintar um retrato de Moscou em uma carta à sua companheira, Gabriele Münter. Embora ele continuasse a refinar sua abstração, ele capturou o espírito da cidade. Kandinsky pintou os pontos de referência de forma circular como se ele estivesse no centro da Praça Vermelha, que virou um círculo com todos os monumentos girando sobre ele. Embora se referindo ao mundo exterior nesta pintura, ele manteve seu compromisso com a sinestesia de cor, som e expressão espiritual na arte. Kandinsky escreveu que ele amava particularmente o pôr-do-sol em Moscou porque era "o acorde final de uma sinfonia que desenvolve em cada tom uma vida que força toda Moscou a ressoar como o fortíssimo de uma enorme orquestra".

Wassily Kandinsky nasceu em Moscou e se mudou para a Alemanha em 1896 (veja uma pequena biografia do artista no final desse artigo). Em 1914, a Alemanha declarou a guerra à Rússia, e Kandinsky foi forçado a deixar Munique e retornar a Moscou. Aos 50 anos, ele estava começando uma nova vida. A Revolução de Outubro mudou tudo. Filho de um comerciante de chá, Kandinsky tinha sido rico, mas após a Revolução Russa, durante a qual um sistema comunista substituiu o regime czarista, perdeu sua propriedade durante uma redistribuição da terra. Consequentemente, seus planos para construir um grande estúdio ficaram em segundo lugar, devido a preocupações financeiras, como vender trabalho e encontrar emprego. A Primeira Guerra Mundial e, em 1917, a revolução bolchevique diminuíram sua produção artística. A abordagem espiritual de Kandinsky estava descompassada com os princípios então dominantes de racionalismo e de geometria pura. Por causa do seu isolamento artístico e privações de guerra, Kandinsky deixou a Rússia em 1921, para nunca mais voltar.

"Moscou representa dualidade, complexidade e alto nível de mobilidade, colisão e confusão de elementos separados de aparência ... Considero esta Moscou interna e externa como o ponto de partida da minha fome. Moscou é minha bifurcação pictórica ". – Kandinsky

Wassily Wassilyevich Kandinsky (Moscou, 4 de dezembro de 1866/16 de dezembro pelo calendário gregoriano - 13 de dezembro de 1944) foi um pintor russo e teórico da arte. Na década de 1910, Kandinsky desenvolveu seus primeiros estudos não figurativos, sendo por isso considerado o primeiro pintor ocidental a produzir uma tela abstrata. Ele estudou Direito e Economia na Universidade de Moscou, e declinou a carreira de professor de Direito para estudar Arte em Munich. Em 1902 Kandinsky expôs pela primeira vez com a Secessão de Berlim e produziu suas primeiras xilogravuras. Em 1903 ele começou a viajar para a Itália, Holanda e África do Norte e visitou a Rússia. Expôs no Salon d'Automne em Paris a partir de 1904. Ele retornou a Moscou em 1914, após a eclosão da Primeira Guerra Mundial. Kandinsky não simpatizava com as teorias oficiais sobre a arte da Moscou comunista e voltou para a Alemanha em 1921. Lá, ensinou na escola Bauhaus de arte e arquitetura de 1922 até os nazistas a fecharem em 1933. Em seguida, mudou-se para a França, onde viveu o resto da sua vida, tornando-se um cidadão francês em 1939 e produzindo algumas das suas mais importantes obras de arte.

Esse blog possui um artigo sobre Gabriele Münter, uma companheira de Kandinsky, e a história do casal. Clique sobre esse link para ver:


Esse blog possui mais um artigo sobre Kandinsky. Clique sobre o link abaixo para ver:



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