quinta-feira, 31 de março de 2016

Suzanne Vega & Stacey Kent, Waters of March - Águas de Março



Suzanne Vega & Stacey Kent, Waters of March - Águas de Março

"Águas de Março" é uma famosa canção brasileira do compositor, músico, arranjador, cantor e maestro Tom Jobim, de 1972. Posteriormente, Tom Jobim compôs uma versão em língua inglesa, que manteve a estrutura e a metáfora central do significado da letra.


Sua letra é estruturada em um único verbo (ser), conjugado na terceira pessoa do singular no presente do indicativo em praticamente todos os versos, exceto no refrão, transformado em plural ("São as Águas de Março (...)". Há uma constante alternância entre versos considerados otimistas e pessimistas. A metáfora central das "Águas de março" é tomada como imagem da passagem da vida cotidiana, seu moto contínuo, sua inevitável progressão rumo à morte, como as chuvas do fim de março, que marcam o final do verão no sudeste do Brasil. A letra aproxima a imagem da "água" a uma "promessa de vida", símbolo da renovação.  A letra e a música operam progressões lentas e graduais, à maneira das enxurradas. Os efeitos de orquestração chegam a ser cinematográficos, a partir das relações que estabelecem entre elementos musicais e imagens do texto.


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terça-feira, 29 de março de 2016

Série museus: Mauritshuis



Série museus: Mauritshuis


Bartholomeus Johannes van Hove - Het Mauritshuis te Den Haag, 1825 – óleo sobre madeira – 62 x 72 cm - Rijksmuseum Amsterdam





O Mauritshuis (Casa de Mauricio) é um museu de arte e também um edifício histórico em Haia, na Holanda. O museu abriga o Gabinete Real de Pinturas que consiste de 841 objetos, a maioria pinturas holandesas da Era de Ouro. A coleção contém obras de Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter, Frans Hals, Jacob van Ruisdael, Hans Holbein, e outros. Originalmente, o edifício do século 17 foi a residência de conde João Maurício de Nassau. Agora é propriedade do governo Holandês.







Em 1631, João Maurício de Nassau (Johan Maurits van Nassau-Siegen) comprou um lote onde o Mauritshuis foi construído entre 1636 e 1641, durante o período em que John Maurice governou o Brasil holandês. Ele foi nomeado governador das possessões holandesas no Brasil em 1636 pela Companhia Holandesa das Índias Ocidentais.


Johannes Vermeer – Garota com Brinco de Pérola, c. 1665 – óleo sobre tela – 44,5 x 39 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


 Jacob van Ruisdael - View of Haarlem with Bleaching Grounds, c. 1670 -75 – óleo sobre tela -  55.5 x 62.0 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands



O edifício foi projetado pelos arquitetos holandeses Jacob van Campen e Pieter Pós. O palácio foi erguido em um dos bairros mais elegantes de Haia à época, e originalmente seus jardins ocupavam uma extensão maior. O salão do piso superior é o ponto alto da Mauritshuis, com um teto em cúpula com um mezanino, onde músicos animavam os banquetes e reuniões elegantes. Originalmente os ambientes internos eram decorados com as coleções de artefatos e naturalia reunidas pelo conde no Brasil, com tudo o que era considerado exótico pelos holandeses, como armas, utensílios e indumentária indígena, animais empalhados, pedras, corais e uma diversidade de objetos. Além desta miscelânea a mansão tinha afrescos nas paredes representando paisagens brasileiras e uma série de pinturas de cavalete realizadas por Albert Eckhout e Frans Post com temas do Brasil. Esse acervo foi aos poucos sendo doado por John Maurice em suas atividades diplomáticas.


Rembrandt van Rijn - Self-portrait, 1669 – óleo sobre tela – 65,4 x 60,2 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


Carel Fabritius - The Goldfinch, 1654 – óleo sobre madeira – 33,5 x 22,8 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


Após a morte do príncipe John Maurice em 1679, a casa se tornou propriedade da família Maes, que a alugou para o governo holandês. Em 1704, a maior parte do interior do Mauritshuis foi destruído pelo fogo. O prédio foi restaurado entre 1708 e 1718. Em 1820, o Mauritshuis foi comprado pelo Estado holandês para abrigar o Gabinete Real de Pinturas. Em 1822, o Mauritshuis foi aberto ao público, abrigando o Gabinete Real de Pinturas e o Real Gabinete de Antiguidades. Em 1875, o museu inteiro tornou-se dedicado às pinturas. O Mauritshuis foi privatizado em 1995. A fundação criada naquele tempo se encarregou do edifício e da coleção.


Anthony van Dyck - Portret van Peeter Stevens, 1627 – óleo sobre tela – 112,5 x 99,4 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands



Frans Hals - Laughing Boy, c. 1625 – óleo sobre madeira – 30,4 cm de diâmetro - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


A coleção de pinturas de William V, Príncipe de Orange foi doada ao Estado holandês por seu filho, o rei William I. Esta coleção formou a base do Real Gabinete de Pinturas, com cerca de 200 pinturas. A coleção é atualmente chamada de Galeria Real de Pinturas. A coleção atual consiste em quase 800 pinturas, com foco em artistas holandeses e flamengos, como Pieter Brueghel, Paulus Potter, Peter Paul Rubens, Rembrandt van Rijn, Jacob van Ruisdael, Johannes Vermeer, Rogier van der Weyden e Hans Holbein, além de 50 miniaturas, 20 esculturas e alguns desenhos e gravuras. O museu permaneceu fechado para reformas entre Abril de 2012 e Junho de 2014. 


Peter Paul Rubens – Old Woman and Boy with Candles, c. 1616-1617 – óleo sobre madeira – 79 x 64 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


Rembrandt van Rijn - The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp, c. 1632 – óleo sobre tela – 169,5 x 216,5 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


Paulus Potter - The Young Bull, 1647 – óleo sobre tela – 235,5 x 339 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


Hans Holbein the Younger – Portrait of Robert Cheseman, 1533 – óleo sobre madeira – 58,8 x 62,8 cm - Mauritshuis, The Hague, Netherlands


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sexta-feira, 25 de março de 2016

Pinturas e ilustrações de Páscoa e de coelhos

Maurice Denis – Manhã de Páscoa ou Mistério da Páscoa, 1891 – óleo sobre tela – 104 x 102 cm 


Pinturas e ilustrações de Páscoa e de coelhos



Henri Rousseau – Coelho, 1908 – óleo sobre tela - The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania, USA




Norman Rockwell - Bunny Boy – ilustração


John James Audubon - California Hare, 1847 – gravura


Andy Warhol - Bunny Multiple, c. 1985 – gravura


Claude Lorrain – Manhã de Páscoa, 1681 – óleo sobre tela - 83 x 139 cm - Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt am Main, Germany


Henry Raeburn - Boy and Rabbit, c. 1814 – óleo sobre tela - 101.6 x 78.8 cm - Royal Academy of Arts, London, UK


Beatrix Potter - Peter Rabbit - Benjamin and Flopsy Bunny – ilustração


Albrecht Durer - A Young Hare, 1502 – aquarela sobre papel


Vincent van Gogh - Field with Two Rabbits, 1889 – óleo sobre tela - 40.5 x 32.5 cm - Van Gogh Museum, Amsterdam, Netherlands


Nikolay Bogdanov-Belsky – Mesa de Páscoa – óleo sobre tela - 88.5 x 71.5 cm


quarta-feira, 23 de março de 2016

A história de “Cupido Testando uma de Suas Flechas” de Jacques Saly

Jacques Saly - "Cupido Testando uma de Suas Flechas" (L’Amour Essayant une de ses Flèches) – 1753 – mármore – 97 x 46 cm - base esculpida por Jacques Verbeckt – Musée du Louvre, Paris


A história de “Cupido Testando uma de Suas Flechas” de Jacques Saly


Em 1753, o escultor Jacques Saly assinou e datou sua obra-prima, a estátua de mármore “Cupido Testando Uma de Suas Flechas”. A peça tinha sido encomendada um ano antes por Madame de Pompadour, amante do Rei Louis XV, e foi apresentada ao Rei em pessoa, em 11 de Agosto de 1753, antes de ser instalada no Salon de l'Académie no Louvre, para ser mostrada ao público durante um mês.




O Cupido segura uma flecha em sua mão direita e, com o dedo mínimo da mão esquerda na ponta desta arma cruel, ele imagina o mal que ele vai fazer. O próprio escultor comentou sobre o trabalho: "O Cupido que prende e mostra com um sorriso duas setas que ele pensa em disparar. As setas estão amarradas com uma fita em que está inscrito: “Duo tela unus amor”. Esta citação tirada de “As Metamorfoses” de Ovídio significa "duas setas, um amor". O poeta Ovídio descreve o Cupido tirando de sua aljava duas setas com efeitos opostos: uma flecha com uma ponta arrendondada para inspirar o ódio, e outra flecha com uma ponta afiada para inspirar amor. O Cupido de Saly testa a ponta afiada da única flecha que importa para a Marquesa de Pompadour: aquela que acendeu o fogo do amor.





Jacques Saly se tornou Escultor Real em 1750, quando se tornou um membro da Academia Real de Pintura e Escultura. Recomendado pelo renomado escultor Edme Bouchardon, Saly foi chamado para a Dinamarca em 1753, para trabalhar na estátua equestre de Frederick V e ajudar a estabelecer a Academia Real Dinamarquesa de Belas Artes de Copenhague. Ele não voltou para a França até 1774, dois anos antes de sua morte. Apesar de sua curta carreira artística na França, Saly recebeu uma série de encomendas de prestígio. Sua obra-prima permanece sendo Cupido Testando uma de Suas Flechas, que Madame de Pompadour apresentou em suas três residências favoritas: no Château de Crécy e no Château de Bellevue, nos arredores de Paris, e no Hôtel d'Evreux, futuro local do Palais de l'Elysée. Escondida da vista em coleções privadas por mais de dois séculos, a escultura de Cupido de Saly foi revelada ao público em 2002 para a exposição Madame de Pompadour e as Artes do Château de Versailles. Ela foi considerada como um "tesouro nacional" pelo Estado francês em 2006. Depois de 1794, a obra foi adquirida por um comerciante de grãos e ficou em uma família aliada de seus descendentes. As obras de Jacques Saly, são raras. O Musée du Louvre lançou uma campanha para aquisição da obra e esta vai entrar na coleção permanente do museu em 2016.




Uma obra-prima da arte francesa pela sua delicadeza de composição e virtuosismo dos mármores, a estátua também é excelente pelo pedestal que permaneceu com ela desde o início. Ele foi executado pelo grande escultor e ornamentalista Jacques Verberckt, que produziu suntuosos painéis de madeira para o Château de Versailles e o Château de Fontainebleau, e que também era amigo de Saly. Na verdade, é bastante notável que os dois Escultores Reais trabalharam juntos na mesma encomenda.




Para executar este trabalho de arte espetacular, Saly aplicou toda a sua perícia. Seu reaparecimento na França é uma oportunidade inesperada para fazer brilhar luz sobre o artista, um escultor altamente qualificado que era sensível à arte de seu tempo.




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domingo, 20 de março de 2016

Análise de "Autumn Leaves" de Sir John Everett Millais

"Autumn Leaves" - Sir John Everett Millais - 1855-1856 - óleo sobre tela - 73,7 x 104 cm - City of Manchester Art Galleries, Manchester, UK


Análise de "Autumn Leaves" (Folhas de Outono) de Sir John Everett Millais



A imagem acima retrata quatro meninas no crepúsculo, recolhendo e varrendo folhas caídas em um jardim. Elas estão fazendo uma fogueira, mas o fogo em si é invisível a não ser por fumo emergindo das folhas. As duas meninas à esquerda foram baseadas nas cunhadas de Millais, Alice e Sophy Gray, retratadas em roupas de classe média da época. As duas no lado direito da tela estão em roupas mais simples da classe trabalhadora.


A pintura tem sido interpretada como uma representação da transitoriedade da juventude e da beleza, um tema comum na arte de Millais. Malcolm Warner argumenta que Millais foi influenciado pela poesia de Tennyson, em cuja casa ele havia ajudado a recolher folhas de outono. A maçã que a menina mais nova à direita está segurando pode aludir à perda da inocência da infância, implícita por referência ao pecado original e à expulsão do Jardim do Éden. Millais disse que ele tinha a intenção de fazer com que a solenidade da imagem despertasse as pessoas para a mais profunda reflexão religiosa, escolhendo o tema de folhas queimando como o mais calculado para produzir este sentimento.

Alfred Tennyson, 1o Baron Tennyson, FRS (06 de Agosto de 1809 - 06 de Outubro de 1892) foi um poeta laureado da Grã-Bretanha e Irlanda durante a maior parte do reinado da rainha Victoria e continua a ser um dos poetas britânicos mais populares. Estudou no Trinity College, em Cambridge. Viveu longos anos com sua esposa na ilha de Wight por seu amor à vida sossegada do campo. Muita da sua poesia baseou-se em temas clássicos mitológicos. Uma das obras mais famosas de Tennyson é Idylls of the King (1885), um conjunto de poemas narrativos baseados nas aventuras do Rei Artur e dos seus Cavaleiros da Távola Redonda, inspirados nas lendas antigas de Thomas Malory. A obra foi dedicada ao Príncipe Alberto, o consorte da Rainha Vitória. Tennyson fez também algumas incursões pelo teatro, mas as suas peças tiveram pouco sucesso durante a sua vida.

Sir John Everett Millais, 1º Baronete (Southampton, 8 de Junho de 1829 — Londres, 13 de Agosto de 1896) foi um pintor e ilustrador inglês e um dos fundadores da Irmandade Pré-Rafaelita. Uma criança prodígio, aos 11 anos tornou-se o estudante mais jovem a ingressar na Academia Real Inglesa. A Irmandade Pré-Rafaelita foi fundada na casa de seus pais em Londres. Millais tornou-se já em sua época o expoente mais famoso dessa corrente. No final da década de 1850 Millais começou a abandonar o estilo pré-rafaelita. Suas obras tardias ganharam grande sucesso, transformando Millais em um dos artistas mais bem-pagos em vida naquela época. Apesar disso, elas foram vistas pela maior parte dos críticos do século XX como erros. Essa perspectiva mudou nas últimas décadas, já que suas obras tardias passaram a ser vistas como elementos de uma mudança maior que estava ocorrendo no mundo da arte.


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sábado, 19 de março de 2016

Eliane Elias: Some Enchanted Place



Eliane Elias: Some Enchanted Place

O álbum Made in Brazil venceu o prêmio Grammy de melhor álbum de jazz latino americano. Elias atuou neste projeto como produtora, compositora, letrista, arranjadora, pianista e vocalista. Junto com os co-produtores Steve Rodby e Marc Johnson, Elias recrutou um esplêndido elenco de músicos brasileiros que incluem o baixista elétrico Marcelo Mariano, os guitarristas Marcus Teixeira e Roberto Menescal, os bateristas Edu Ribeiro e Rafael Barata e os percussionistas Mauro Refosco e Marivaldo dos Santos. O álbum conta com deliciosas performances de convidados especiais como Mark Kibble, o multi GRAMMY®-premiado grupo vocal de gospel Take 6, sua filha cantora / compositora Amanda Brecker, Ed Motta, uma das mais célebres estrelas de R & B do Brasil e o aclamado compositor de bossa nova, Roberto Menescal.

Eliane Elias (São Paulo, 19 de março de 1960) é uma pianista, cantora, compositora e arranjadora brasileira. Começou a tocar piano aos 6 anos de idade. Em 1981, mudou para Nova York, onde estudou na Juilliard School of Music, e onde mora ainda. Elias é conhecida por seu estilo musical distinto que mistura suas raízes brasileiras e sua voz com habilidades de jazz instrumental, e composição. Em 2016 venceu o Grammy Awards na categoria de Melhor álbum de jazz latino, com Made In Brazil, o primeiro álbum que gravou no Brasil e para o qual atuou como produtora, compositora, arranjadora, pianista e vocalista.



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quinta-feira, 17 de março de 2016

Série Cézanne: Banhistas

Paul Cézanne – The Bathers, 1898-1905 – óleo sobre tela – 210,5 x 250,8 cm - Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, United States

"As Banhistas" (em francês: Les Grandes Baigneuses) foi exibida pela primeira vez em 1906. A pintura é considerada uma das obras-primas da arte moderna, e é muitas vezes considerada como o melhor trabalho de Cézanne. Ele trabalhou na pintura por sete anos, e esta permaneceu inacabada até a sua morte em 1906. 


Série Cézanne: Banhistas


O projeto mais ambicioso de Cézanne em seus últimos anos foi a série de cenas monumentais de banhistas em uma paisagem, que ele executou em Les Lauves. Ele abordou o tema de banhistas durante muitos anos, não só em pinturas a óleo, mas também em muitos estudos em aquarela. O tema tinha associações pessoais para Cézanne, pois evocava sua juventude idílica, nadando no rio Arc com seus amigos.


Paul Cézanne - Banhistas (Les Grandes Baigneuses) (1894–1905) – óleo sobre tela - 127.2 × 196.1 cm - National Gallery, London


A cada versão das banhistas, Cézanne se afastou da tradicional apresentação de pinturas, criando intencionalmente obras que não apelariam ao espectador iniciante. Ele fez isso para evitar modismos fugazes e dar uma qualidade atemporal ao seu trabalho, e ao fazer isso abriu o caminho para os futuros artistas ignorarem as tendências atuais e pintarem obras que iriam apelar igualmente a todas as gerações.


Paul Cezanne - Banhistas, 1895-1906 – óleo sobre tela - 132,4 x 219 cm -  Barnes Foundation, Philadelphia


O tema de figuras nuas em uma paisagem tem uma longa tradição na história da pintura europeia. Ao abordar o assunto em pinturas monumentais, Cézanne se reivindicou como um sucessor dos velhos mestres. Ao mesmo tempo, todas as versões das Banhistas grandes são radicalmente pinturas modernas. Cézanne dispensou ideias convencionais de desenho e perspectiva, deixando passagens que estão aparentemente sem solução, em camadas grossas de tinta.


Paul Cézanne - Banhistas, 1900–1905 – óleo sobre tela – 59 x 80 cm - Chicago Art Institute


As Grandes Banhistas é uma imagem não menos importante por causa da violação deliberada do artista com a anatomia humana e noções clássicas de beleza. A crueza da sua estética alarmou muitos espectadores contemporâneos do artista. Mas também é uma imagem extremamente serena, construída com cores radiantes, e cheia de luz. As grandes telas Banhistas ficam como a última grande prova artística de Cézanne.


Paul Cézanne – Banhistas, 1874–1875 – óleo sobre tela – 38,1 x 46 cm - Metropolitan Museum of Art, New York City


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terça-feira, 15 de março de 2016

Pinturas com borboleta

Adolfo Belimbau (1845-1938) – The Butterfly Girl – óleo sobre tela – 61 x 43,8 cm



Pinturas com borboleta


Berhe Morisot - The Butterfly Hunt, 1874 – óleo sobre tela - 56 x 46 cm


Fernand Leger - Butterflies (Still Life with Butterflies), 1948 – 65 x 50 cm - Musée National Fernand Leger


Odilon Redon – Butterflies – aquarela sobre papel


Oliver Rhys - The Fluttering Butterfly – óleo sobre tela – 71,1 x 91,4 cm


Salvador Dali - Untitled (Landscape with Butterflies), c. 1956 – óleo sobre tela


Katsushika Hokusai - Poenies and butterfly – Ukiyo-e - Guimet Museum, Paris, France


Ukiyo-e, ukiyo-ye ou ukiyo-ê (浮世絵, "retratos do mundo flutuante", em sentido literal), vulgarmente também conhecido como estampa japonesa, é um gênero de xilogravura e pintura que prosperou no Japão entre os séculos XVII e XIX. Destinava-se inicialmente ao consumo pela classe mercante do período Edo (1603 – 1867). Entre as mais populares temáticas abordadas, estão a beleza feminina, o teatro kabuki, os lutadores de sumô, cenas históricas e lendas populares, cenas de viagem e paisagens, fauna e flora. 


Marianne North - Yellow Bignonia and Swallow-Tail Butterflies with a View of Congonhas, Brazil


 Vladimir Kush – Departure of the Winged Ship, c. 2000 – óleo sobre tela – 99 x 79 cm


Yayoi Kusama – Butterfly, 1988


Martin Johnson Heade – Blue Morpho Butterfly, 1865


 Fujishima Takeji – Butterflies, 1904


Esse blog possui um artigo sobre pinturas com borboletas por Vincent Van Gogh: