Só Tinha De Ser Com Você - Jane Monheit

A canção “Só Tinha De Ser Com Você” foi composta por Tom Jobim em 1964, com letra de Aloysio de Oliveira. Foi gravada por vários artistas, como Elis Regina, Astrud Gilberto, Sergio Mendes, entre outros.

Jane Monheit (nascida em 3 de novembro de 1977) é uma vocalista americana de jazz e pop. Ela colaborou com John Pizzarelli, Michael Bublé, Ivan Lins, entre outros, e recebeu indicações ao Grammy para duas de suas gravações. Em 2000, Jane lançou seu primeiro álbum, Never Never Land que ficou na Billboard Jazz chart por quase um ano, e foi votado o Best Debut Recording do ano por membros da Jazz Journalists Association. A cantora lançou em 2007 um novo álbum, chamado Surrender, com forte influência da música brasileira.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido pelo seu nome artístico Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores e principais forças do movimento da Bossa Nova. Suas canções foram interpretadas por muitos cantores e instrumentistas no Brasil e internacionalmente. Em 1965 o álbum Getz / Gilberto (tendo Tom Jobim como compositor e pianista) foi o primeiro álbum de jazz a ganhar o Grammy Award para Álbum do Ano. A canção "Garota de Ipanema" foi gravada mais de 240 vezes por outros artistas, sendo uma das músicas mais gravadas de todos os tempos. Seu álbum de 1967 com Frank Sinatra, “Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim”, foi nomeado para Álbum do Ano em 1968. Jobim deixou um grande número de canções que agora estão incluídas nos repertórios standard de Jazz e pop.

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Pinturas de primavera

John William Waterhouse - Spring Spreads One Green Lap of Flowers, 1910 – óleo sobre tela – 106 x 77 cm – coleção particular

Pinturas de primavera

Vincent van Gogh - Banks of the Seine with the Pont de Clichy in the Spring, 1887 – óleo sobre tela – 48,3 x 57,1 cm - Dallas Museum of Art, USA

Sandro Botticelli – Primavera, c. 1482 – têmpera sobre madeira – 202 x 314 cm - Uffizi Gallery, Florence

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Alfons Mucha – Spring, 1896 – litogravura – 103 x 54 cm

Alfred Sisley - The Small Meadows in Spring, c. 1880 – óleo sobre tela – 54,3 x 73 cm – Tate Gallery, London, UK

Em 1880, dificuldades financeiras obrigaram Sisley a deixar Sèvres, nos subúrbios de Paris, para a região de Sena e Marne, a sudeste da cidade. Ele morou nesta área pelo resto de sua vida. A mudança marcou um ponto de virada na carreira do artista, e ele pintou a paisagem do rio com uma nova vitalidade e frescor de visão. Esta pintura retrata "Le Chemin des Petits Prés", o caminho arborizado que permeava a margem esquerda do Sena, ligando as aldeias de Veneux e By. Agora esse caminho foi substituído por uma calçada pavimentada. A aldeia visível na margem oposta é Champagne. A jovem, que foi identificada como a filha do artista, Jeanne, aparece como uma representação da primavera.

Henri Fantin-Latour - Spring Flowers, c. 1869 – óleo sobre tela – 33 x 40 cm – coleção particular

Édouard Manet - Spring (Jeanne Demarsy), 1881 – óleo sobre tela - 74 × 51.5 cm – The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, CA

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Camille Pissarro - Place du Theatre-Francais, Spring, 1898 – óleo sobre tela – 65,5 x 81,5 cm – Hermitage Museum, Saint Petersburg, Russia

Claude Monet – Springtime, 1872 – óleo sobre tela – 50 x 65,5 cm – The Walters Art Museum, Baltimore, USA

Monet mudou-se para Argenteuil, uma cidade suburbana na margem direita do rio Sena a noroeste de Paris, no final de Dezembro de 1871. Muitos dos tipos de cenas que ele e os outros impressionistas favoreceram poderiam ser encontrados nesta pequena cidade, convenientemente conectada por trem com a vizinha Paris. Nesta pintura, Monet estava menos interessado em capturar uma semelhança do que em estudar como pinceladas em estado puro de cor poderiam sugerir o efeito da luz solar brilhante filtrada através das folhas. Durante o início da década de 1870, Monet frequentemente retratava vistas de seu jardim que incluíam sua esposa, Camille e seu filho, Jean. No entanto, quando exposta na Segunda Exposição Impressionista em 1876, esta pintura foi intitulada mais genericamente, "Mulher Lendo".

Sir Lawrence Alma-Tadema - Primavera Flora nos Jardins da Villa Borghese (Flora Spring in the Gardens of the Villa Borghese) - 1877 – aquarela

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Childe Hassam - A Spring Morning, c. 1891 – 1892 – óleo sobre tela – 69,8 x 50,8 cm – coleção particular

Paul Cézanne, The Four Seasons, Spring (Primavera), 1860-61 - pintura de parede, destacada e montada sobre tela - 124 x 38 cm - Musée de la Ville de Paris

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Alphonse Mucha - Spirit of Spring, 1894 – óleo sobre tela – 41 x 66 cm – coleção particular

James Tissot – Spring, 1865 – óleo sobre tela – 127 x 91,4 cm – coleção particular

Pierre-Auguste Renoir - Spring Bouquet, 1866 – óleo sobre tela – 104,8 x 80,3 cm – Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge, Massachusetts, USA

Para muitos artistas franceses durante a década de 1860, a natureza morta floral persistia como um teste de habilidade puramente pictórica. Este buquê exuberante em um vaso japonês do início da carreira de Renoir, atesta o envolvimento do artista com as tradições históricas da arte do passado. Ele aborda a nobre prática holandesa da natureza morta através da grande escala de sua tela, enquanto sua atenção às texturas e cores do arranjo evoca o trabalho de pintores franceses do século XVIII como Antoine Watteau e François Boucher, artistas que estudou quando era um adolescente, enquanto trabalhava como pintor de porcelana. A pintura também demonstra o desenvolvimento de Renoir como artista. Em vez de aplicar a tinta com uma faca de paleta (uma técnica que emprestou de artistas como Courbet), Renoir adotou um traço mais livre e mais fino usando apenas um pincel.

Marc Chagall – Le Printemps, 1938 – litogravura – 35,5 x 26,5 cm

Franz Xaver Winterhalter – Spring, c. 1850 – 1859 – óleo sobre tela – 116 x 89,5 cm – coleção particular

Louis Comfort Tiffany - The Blossoms of Spring (Flora and Spring), 1887-1898 – óleo sobre tela – 168,9 x 256,4 cm – Charles Hosmer Morse Museum of American Art, Winter Park, USA

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William-Adolphe Bouguereau - Songs of Spring, 1889 – óleo sobre tela - 99.7 x 148.6 cm – coleção particular

René Magritte - Le Printemps, c. 1965 – óleo sobre tela – 46 x 55 cm – coleção particular

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Pinturas e ilustrações de Setembro

Gaspar Camps i Junyent - Alegoria del mes de Septiembre, 1901 – ilustração

Gaspar Camps i Junyent (Igualada, 1874 - Barcelona 1942) foi um pintor, desenhista e ilustrador que participou do movimento artístico em voga no final do século XIX, o Art Nouveau da França e sua implementação na Catalunha, o modernismo catalão. De origem espanhola, Gaspar Camps passou a maior parte de sua carreira na França. Ele foi influenciado por Alphons Mucha , o artista checo vivendo em Paris, então no auge de sua carreira. Dada a influência de Mucha, incluindo seus cartazes artísticos, Gaspar Camps foi chamado de Mucha Catalan.

Pinturas e ilustrações de Setembro

Childe Hassam - September Moonrise, 1900 – óleo sobre tela - 40.64 × 46.36 – Dallas Museum of Art, USA

Charles Courtney Curran - September Afternoon, 1913 – óleo sobre tela – 55,8 x 45,7 cm – coleção particular

Camille Pissarro - September Fete, Pontoise, 1872 – óleo sobre tela – 46 x 55 cm – coleção particular

Alfred Sisley - September Morning, 1887 – óleo sobre tela – coleção particular

Alphons Mucha - Septembre, 1899 – ilustração

Os Meses (1899): esta série de medalhões foi usada ​​para ilustrar a capa da revista Le Mois Littéraire antes de eles serem reproduzidos como cartões postais. Cada medalhão apresenta uma figura feminina posando contra um fundo natural, característico do mês representado.

Alfons Maria Mucha - (Ivančice, 24 de julho de 1860 — Praga, 14 de julho de 1939) foi um pintor, ilustrador e designer gráfico checo e um dos principais expoentes do movimento Art Nouveau. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão os cartazes para os espetáculos de Sarah Bernhardt realizados na França, de 1894 a 1900, e uma série chamada Epopeia Eslava, elaborada entre 1912 e 1930.

George Dunlop Leslie - September Sunshine, 1896 – óleo sobre tela - Lady Lever Art Gallery, Liverpool, UK

Edmund Blair Leighton – September, 1915 – óleo sobre tela - Laing Art Gallery, Newcastle-upon-Tyne, United Kingdom

Willard Metcalf – September, 1910 – óleo sobre tela - 53.34 x 67.31 cm – coleção particular

George Henry - A September Day, 1935 – óleo sobre tela – 126,2 x 152 cm - Laing Art Gallery, Newcastle-upon-Tyne, United Kingdom

Eugène Grasset - La Belle Jardiniere – Septembre, 1896 – ilustração

O artista gráfico suiço Eugène Samuel Grasset (1845-1917) foi uma das principais figuras do movimento Art Nouveau em Paris. Mais conhecido por seus cartazes emblemáticos e suas contribuições para design gráfico - um itálico que ele criou, em 1898, ainda é usado por designers de todo o mundo - Grasset também criou móveis, cerâmicas, tapeçarias, e selos postais. Em 1894, Grasset recebeu uma encomenda da loja de departamentos francesa La Belle Jardinière para criar doze obras de arte originais, a serem utilizadas como um calendário. Graciosas xilogravuras retratando belas moças em trajes de época e jardins que mudam com as estações do ano foram produzidas, com espaços vazios para as datas do calendário, em um portfólio de obras de arte chamado Les Mois (Os meses) pela editora Paris G. de Malherbe em 1896.

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Análise da pintura de Edward Burne-Jones – The Golden Stairs

Edward Burne-Jones – The Golden Stairs, 1880 – óleo sobre madeira – 269,2 x 116,8 cm – Tate Britain, London

Análise da pintura de Edward Burne-Jones – The Golden Stairs

“The Golden Stairs” (As Escadas Douradas) é uma das pinturas mais famosas de Edward Burne-Jones. Esta pintura resume o interesse do artista em investigar um humor ao invés de contar uma história. Ele deliberadamente fazia suas obras serem enigmáticas e o significado dessa pintura provocou muito debate. Um fluxo aparentemente interminável de mulheres jovens que descem uma escada em espiral é o tema de The Golden Stairs. A beleza passiva de seus rostos é típica do artista. Não se sabe quem são, nem para onde elas vão.

Edward Burne-Jones – The Golden Stairs, 1880 – óleo sobre madeira – 269,2 x 116,8 cm – Tate Britain, London - detalhe

Vestidas com roupas vagamente renascentistas, as mulheres foram retratadas em uma paleta monocromática projetada para criar um senso de humor e atemporalidade. A estrutura vertical da tela dirige o olho do espectador para baixo através do longo desfile de mulheres quase idênticas. Uma interpretação é que as 18 mulheres são espíritos em um sonho encantado. A pintura também pode ser puramente decorativa, transmitindo a ideia de movimento infinito. Uma ideia popularizada na década de 1870, é que "toda arte sempre aspira à condição de música".

Edward Burne-Jones – The Golden Stairs, 1880 – óleo sobre madeira – 269,2 x 116,8 cm – Tate Britain, London - detalhe

As figuras foram desenhadas a partir de modelos profissionais, mas as cabeças são de mulheres jovens do círculo de Burne-Jones. Algumas foram identificadas: sua filha Margaret é a quarta do topo, segurando uma trombeta. Edith Gellibrand, conhecida pelo nome artístico Edith Chester, é a sétima do topo, vista curvada. May Morris, filha de William Morris, é nona do topo, segurando um violino. Frances Graham, mais tarde conhecida como Lady Horner, filha de William Graham, está na parte inferior esquerda, segurando címbalos. Atrás dela na escada está Mary Gladstone, filha de William Gladstone. Outras incluem: Laura Tennant, mais tarde conhecida como Laura Lyttelton, e Mary Stuart-Wortley, mais tarde Lady Lovelace.

Ao contrário de muitas das obras de Burne-Jones, The Golden Stairs não se baseia em uma fonte literária. Foi chamada de simbolista, pois não tem narrativa reconhecível, mas sim define um humor. É uma harmonia de cor na tradição das obras estéticas das décadas de 1860 e 1870.

Sir Edward Coley Burne-Jones (Birmingham, 28 de agosto de 1833 – Londres, 17 de junho de 1898) foi um artista e designer inglês, envolvido no rejuvenescimento da tradição de vitrais na Inglaterra. As suas obras incluem as janelas de Birmingham Cathedral, a igreja de St Martin's, em Brampton, Cumbria, entre outras. Integrado ao movimento pré-rafaelita formado na Inglaterra em 1848, com grande influência do pintor Dante Gabriel Rossetti. Depois disso, Sir Edward Burne-Jones tornou-se um dos grandes nomes de uma nova tendência surgida na década de 1860, designada por Aestheticism. Além de pintura e vitrais, Burne-Jones trabalhou em vários tipos de arte, incluindo o design de azulejos de cerâmica, joias, tapeçarias, mosaicos e ilustrações de livros.

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http://www.arteeblog.com/2016/08/o-livro-das-flores-de-edward-burne-jones.html

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Pinturas de astronomia

Gerrit Dou – Astronomer by Candlelight, c. 1665 – óleo sobre madeira - 32 × 21.2 cm - The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, CA, USA

Em uma abertura em forma de janela, um astrônomo trabalha até altas horas da noite. Concentrando-se, ele lê um tratado astronômico e mede a distância entre dois pontos em um globo celeste. A vela que ele segura fornece a única fonte de luz; ilumina seu rosto, o livro, o globo precioso, o copo de água e sua ampulheta.

Fortes contrastes entre claro e escuro mostram o conhecimento do pintor Gerrit Dou sobre uma técnica barroca popular conhecida como claro-escuro. Retratar com cuidado detalhes minuciosos, como a letra do livro, a textura do frasco de vidro e as dobras da capa do astrônomo, era o talento especial de Dou. Os colecionadores valorizavam essas pequenas pinturas detalhadas para observação agradável em seus aposentos particulares.

Pinturas de astronomia

Albrecht Durer – Astronomer, 1500 – xilogravura - British Museum, London, UK

Johannes Vermeer - The Astronomer, 1668 – óleo sobre tela - 51 x 45 cm – Louvre Museum, Paris

Giorgione - Globe, moon, sun (astronomy), 1510 – afresco - Casa Giorgione, Castelfranco Veneto, Italy

Paolo Veronese - Allegories of Astronomy and Harmony Chasing out Deceit, 1556-1557 – óleo sobre tela – 230 cm de diâmetro - Biblioteca Marciana, Venice, Italy

Jean Raoux - Urania, Muse of Astronomy, 1730 – óleo sobre tela – 140 x 114 cm – coleção particular

François de Troy - The Astronomy Lesson of the Duchesse du Maine, c. 1705-1710 – óleo sobre tela – Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, Connecticut, USA

Pablo Picasso – “Woman with a Book” (Mulher com um Livro), 1932 – óleo sobre tela - 130.5 x 97.8 cm – Norton Simon Museum, Pasadena, California, USA

Análise da pintura de Pablo Picasso – “Woman with a Book”

Ao usar uma cor exuberante e densamente aplicada em uma rede de sinuosas linhas negras, equilibrando sensualidade e restrição, a composição presta homenagem ao mestre neoclássico da linha, Jean-Auguste-Dominique Ingres, cujo trabalho Picasso admirava desde a juventude e cujo Retrato de Madame Moitessier, do pintor espanhol, foi visto por Picasso pela primeira vez em 1921. Picasso transformou a seriedade da modelo do meio do século XIX, em um retrato sonhador de sua amante, Marie-Thérèse Walter.

Jean-Auguste-Dominique Ingres - Madame Moitessier, 1856 – óleo sobre tela - 120 cm × 92 cm - National Gallery, London

Descansando a cabeça da modelo em sua mão, e substituindo o leque de Madame Moitessier pelas páginas de um livro, Picasso retratou o erotismo latente embaixo da imagem de respeitabilidade burguesa. O perfil sereno refletido em um espelho à direita no retrato de Picasso também faz referência ao seu precedente neoclássico, mas também pode constituir um autorretrato abstrato.

Picasso fez mais um retrato de Marie-Thérèse Walter lendo, que levou ao fim do seu casamento com Olga Khokhlova, depois que ela viu a pintura em uma exposição retrospectiva e percebeu que as características faciais da modelo não eram dela.

Pablo Picasso – La Lecture, 1932 – óleo sobre madeira – 65.5 cm × 51 cm - coleção particular

Esse blog possui mais um artigo sobre outra pintura de Marie-Thérèse Walter. Clique sobre o link abaixo para ver:

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http://www.arteeblog.com/2015/09/esculturas-de-pablo-picasso-com.html

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Série Andy Warhol – “Goethe”

Andy Warhol – "Goethe", 1981 – serigrafias e acrílica sobre tela ou papel – vários museus e coleções particulares

Série Andy Warhol – “Goethe”

Em 1962, Andy Warhol começou a reproduzir fotos de imprensa de celebridades como Marilyn Monroe e Elvis Presley usando a técnica de serigrafia. O retrato de serigrafia se repete em toda a obra de Warhol com "VIPs" de todos os setores da vida: música, arte, política, negócios, esportes e até mesmo o mundo das mercadorias (Campbell's Soup, BMW, Mercedes).

Na década de 1980, Warhol utilizou o trabalho de alguns pintores como Leonardo Da Vinci e Sandro Botticelli como fonte de inspiração. Ele fez isso inicialmente após uma visita à Mona Lisa em Nova York, em 1963, produzindo uma variedade de obras baseadas na misteriosa mulher de Leonardo.

Estas serigrafias são baseadas em uma pintura do artista alemão Johann Tischbein que retrata Goethe, uma figura-chave na literatura alemã, como um viajante em uma paisagem de ruínas. Warhol cortou a composição original de modo a criar um retrato de cabeça e ombros do escritor. O portfólio (série) completo é composto por quatro serigrafias.

Na imagem original, Goethe é visto sentado languidamente no primeiro plano de uma paisagem montanhosa. Seus olhos, concentrados e contemplativos, revelam a fecundidade intelectual do escritor. Warhol estava indubitavelmente intrigado pelo olhar de Goethe também. Em cada serigrafia, Warhol removeu o fundo da paisagem e, em vez disso, se concentrou no perfil de retrato de Goethe. Visto de relance, a imagem de Warhol de Goethe aparece mesmo como um busto de escultura. O rosto de Goethe está decorado com cores em vários tons. O que resulta é uma clara dicotomia entre o retrato clássico e a estética Pop. Estes retratos, em última análise, simbolizam o domínio de cultura de Goethe e Warhol, mesmo nos tempos contemporâneos.

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein - Goethe in the Roman Campagna, 1787 – óleo sobre tela – 164 x 206 cm – Städel Museum, Frankfurt, Alemanha

Johann Wolfgang von Goethe (28 de agosto de 1749 - 22 de março de 1832) era um escritor alemão e estadista. Seus trabalhos incluem poesia épica e lírica, dramas em prosa e verso, memórias, uma autobiografia, crítica literária e estética, tratados sobre botânica, anatomia e cor, e quatro romances. Além disso, existem numerosos fragmentos literários e científicos, mais de 10.000 cartas e quase 3.000 desenhos dele. A pintura foi uma primeira opção de carreira para Goethe e ele publicou um livro sobre a teoria da cor, sendo a primeira pessoa a estudar os efeitos psicológicos da cor. Considerado por muitos como a maior figura literária alemã, Johann Wolfgang Von Goethe além de escritor, também foi um proeminente filósofo, cientista e teórico da cor.

Andy Warhol, nascido Andrej Varhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 — Nova Iorque, 22 de fevereiro de 1987), foi uma figura maior do movimento Pop Art. Além das serigrafias, Warhol também utilizava outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis, não usuais em obras de arte. As abordagens inovadoras do Ilustrador, cineasta, fotógrafo, pintor, modelo e até produtor musical Andy Warhol para fazer arte ainda influenciam a arte contemporânea e a cultura. Ele desafiou as fronteiras tradicionais entre arte e vida, arte e negócios e em todos os tipos de mídia. No processo, ele transformou a vida cotidiana em arte e a arte em uma maneira de viver o cotidiano.

Obcecado com a celebridade e a cultura de consumo, Andy Warhol criou algumas das mais icônicas imagens do século 20. Ele também ficou famoso por suas frases, como: “No futuro, todos serão famosos por 15 minutos”. Algumas de suas obras mais célebres são: “32 Campbell´s Soup Can” de 1962 e retratos de Marilyn Monroe, usando a técnica de silkscreen. Ele também foi mentor dos artistas Keith Harring e Jean-Michel Basquiat. Seu estilo Pop-Art tem adeptos até os dias atuais, como Richard Prince, Takashi Murakami e Jeff Koons, entre outros.

Esse blog possui um artigo sobre gravuras, onde a técnica de silkscreen (ou serigrafia) é descrita. Para ver, clique sobre o link abaixo:

http://www.arteeblog.com/2015/06/gravuras-o-que-sao-os-tipos-e-exemplos_2.html

Esse blog também possui mais artigos sobre Andy Warhol. Clique sobre os links abaixo para ver:

http://www.arteeblog.com/2015/12/analise-de-beethoven-de-andy-warhol-1987.html

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A história da escultura "The Winged Victory of Samothrace"

"The Winged Victory of Samothrace" ("A Vitória Alada de Samotrácia", também chamada de "Nike of Samothrace"), c. 200 – 190 A.C. – mármore de Paros – 244 cm – Louvre Museum, Paris

A história da escultura "The Winged Victory of Samothrace"

The Winged Victory of Samothrace é uma escultura helenística de mármore que representa Nike, a deusa grega da vitória, criada provavelmente no século II A.C. por um escultor não identificado, e é uma das mais famosas esculturas do mundo. Apenas um pequeno número de grandes estátuas helenísticas sobrevive no original, em vez de cópias romanas. Este monumento foi provavelmente um ex-voto oferecido pelo povo de Rodes em comemoração de uma vitória naval no início do segundo século A.C. O mármore de Paros é um material altamente apreciado pela brancura, fineza e semi-transparência. Foi explorado nas pedreiras daquela ilha grega para ser utilizado na construção de edifícios públicos e templos, e na confecção de esculturas pelos gregos da era clássica.

Este monumento excepcional foi descoberto em 1863 na pequena ilha de Samotrácia, no noroeste do mar Egeu que na época era parte do Império Otomano. Foi descoberta por Charles Champoiseau, vice-cônsul francês em Adrianople, Turquia. A deusa da Vitória (Nike, em grego) é mostrada na forma de uma mulher alada de pé na proa de um navio, enfrentando o forte vento que sopra através de suas roupas. Com a mão direita em concha em torno de sua boca, ela anunciava o evento que ela foi designada a comemorar. O colossal trabalho foi colocado em um nicho de pedra que havia sido cavado em uma colina, com vista para o teatro do Santuário dos Grandes Deuses. Este nicho também pode ter contido uma piscina cheia de água em que o navio parecia flutuar. Dada a sua colocação, o trabalho deveria ser visto do lado esquerdo frontal. Isso explica a disparidade na técnica de escultura, sendo o lado direito do corpo muito menos detalhado. A apresentação altamente teatral, combinada com a monumentalidade da deusa, sua ampla envergadura e o vigor de seu corpo, inclinado para a frente, reforçam a dramaticidade da cena.

O santuário de Samotrácia era consagrado aos Cabeiri, deuses da fertilidade, cuja ajuda foi invocada para proteger os navegadores e para conceder a vitória na guerra. A oferta de uma estátua de Nike empoleirada em um navio era um ato religioso em homenagem a esses deuses. Também é possível que este monumento tenha sido dedicado pelo povo de Rodes à comemoração de uma vitória naval específica. O tipo de navio representado e o mármore cinzento usado para a proa e a base da estátua sugerem que esta é, de fato, uma criação de Rodes. Se for assim, o trabalho pode ser datado do século II A.C. Também há uma inscrição parcial na base da estátua que inclui a palavra "Rhodios".

Antes de perder os braços, que nunca foram recuperados, acredita-se que a mão direita de Nike ficava em concha em volta da boca para aumentar o grito de vitória. A asa direita da estátua é uma versão em gesso, simétrica da asa esquerda original. Tal como acontece com os braços, a cabeça da figura nunca foi encontrada, mas vários fragmentos já foram localizados. Em 1950, uma equipe de arqueólogos descobriu a mão direita desaparecida da escultura, e agora ela está em uma caixa de vidro no Museu do Louvre, ao lado do pódio em que está a estátua.

A figura cria um efeito em espiral em uma composição que se abre em várias direções. Isto é conseguido pelos ângulos oblíquos das asas e a colocação da perna esquerda, e enfatizado pela roupa que sopra entre as pernas da deusa. O corpo feminino nu é revelado pela transparência do drapeado molhado. O escultor foi extraordinariamente habilidoso na criação de efeitos visuais. Nike of Samothrace é vista como uma representação icônica do espírito triunfante.

Desde 1883, a figura de mármore está exposta no Museu do Louvre em Paris, sobre a escadaria Daru, enquanto uma réplica em gesso fica no museu que está no local original do Santuário dos Grandes Deuses em Samotrácia. Existem inúmeras cópias em museus e galerias ao redor do mundo.

Assista um vídeo sobre a restauração dessa escultura:

A atriz Audrey Hepburn em cena do filme Funny Face de 1957, em frente da escultura The Winged Victory of Samothrace, no Louvre em Paris

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