terça-feira, 16 de agosto de 2016

Série Gustave Caillebotte – remadores

Gustave Caillebotte – Boaters Rowing on the Yerres, 1877-1879 – óleo sobre tela – 116 x 81 cm - coleção particular


Série Gustave Caillebotte – remadores


Gustave Caillebotte (19 de Agosto de 1848 - 21 de Fevereiro de 1894) foi um pintor francês, membro e patrono dos artistas Impressionistas, embora ele pintasse de uma forma muito mais realista do que os outros artistas do grupo.


Gustave Caillebotte – Boaters on the Yerres, 1877 – crayon – 86 x 52 cm – coleção particular


Gustave Caillebotte nasceu em uma família parisiense de classe alta. Seu pai, Martial Caillebotte (1799-1874), foi o herdeiro da empresa têxtil militar da família e também era um juiz. Em 1860, o pai de Gustave comprou uma grande propriedade em Yerres, ao sul de Paris e a família Caillebotte começou a passar muitos de seus verões lá, uma cidade às margens do rio Yerres. Provavelmente foi nessa época que Caillebotte começou a desenhar e pintar. Caillebotte se formou em Direito em 1868 e ele também era um engenheiro. Pouco depois de se formar, ele foi convocado para lutar na guerra franco-prussiana, e serviu de Julho de 1870 a Março de 1871 na Garde Nationale Mobile de la Seine. Após a guerra, Caillebotte começou a visitar o estúdio do pintor Léon Bonnat, onde começou a estudar pintura a sério. Desenvolveu rapidamente um estilo próprio. Em 1873, Caillebotte entrou na École des Beaux-Arts, mas, aparentemente, não passou muito tempo lá. Ele herdou a fortuna de seus pais entre 1874 e 1878.


Gustave Caillebotte – Boating on the Yerres, 1877 – óleo sobre tela – 156 x 103 cm - coleção particular


Por volta de 1874, Caillebotte conheceu e fez amizade com vários artistas que trabalhavam fora da Academia Francesa oficial, incluindo Edgar Degas e Giuseppe de Nittis. Os Impressionistas se separaram dos pintores acadêmicos que exibiam nos Salons de Paris anuais. Caillebotte fez sua estreia na segunda exposição Impressionista em 1876. Ele ficou entusiasmado com a visão fresca e radical dos impressionistas. Durante os seis anos seguintes, participou regularmente nas suas exposições, apresentando pinturas de pessoas e lugares que ele encontrava em Paris e seus arredores. Apresentando perspectivas distorcidas e temas modernos, as telas refletem o drama visual da capital, então sofrendo uma transformação radical em uma metrópole moderna, com imagens espetaculares dos novos espaços públicos desenhados no tempo de Napoleão III por seu prefeito Barão Haussmann, além de registros visuais de atividades de lazer em torno de Paris.


Gustave Caillebotte – Périssoires sur L’Yerres – óleo sobre tela – Milwaukee Art Museum


A abastada pensão que Caillebotte recebia, somada à herança que ele recebeu após a morte de seus pais, permitiram a ele pintar sem a pressão de vender seus trabalhos. Isso também o permitiu ajudar a financiar exibições Impressionistas e a dar suporte a companheiros artistas e amigos (incluindo Claude Monet, Auguste Renoir, e Camille Pissarro, dentre outros), ao comprar seus trabalhos e, pelo menos no caso de Monet, pagar o aluguel de seus estúdios. Além disso, Caillebotte usou sua fortuna para financiar vários hobbies pelos quais ele era apaixonado, incluindo colecionar selos, cultivo de orquídeas, construção de iates e design têxtil. Como um remador e iatista apaixonado, Caillebotte abordou seus temas com os olhos treinados e a mão de um engenheiro e desportista.


Gustave Caillebotte – Skiffs – 1877 – óleo sobre tela – 88.9 x 116.2 cm - National Gallery of Art, Washington, DC, USA


Caillebotte estabeleceu-se como uma força artística do grupo, bem como um organizador vital, que ajudou a curar e financiar as suas exposições. Durante sua breve carreira, ele também se tornou um patrono significativo, acumulando uma coleção de mais de setenta obras, incluindo obras-primas de Degas e Renoir, bem como Paul Cézanne, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro e Alfred Sisley.


Gustave Caillebotte – The Canoes – óleo sobre tela – 109 x 156 cm - Musée des Beaux-Arts, Rennes, France


Apesar destas realizações, Caillebotte permanece talvez o menos conhecido dos impressionistas franceses. Por causa de suas sólidas finanças, derivadas do bem-sucedido negócio do ramo têxtil de seu pai, ele não tinha necessidade de ganhar uma renda de sua arte. Portanto ele não vendeu seus quadros, e poucos entraram em coleções públicas. Depois que ele legou sua coleção para o estado, esta tornou-se a pedra angular da arte impressionista em museus nacionais franceses. Mas o legado impressionante, que incluiu apenas duas das suas próprias obras, ofuscou suas realizações artísticas e contribuiu ainda mais para sua obscuridade.


Gustave Caillebotte - Rower In A Top Hat - 1877–1878 - óleo sobre tela - 117 x 90 cm - coleção particular


Para mais informações e fotos sobre o Impressionismo, acesse o artigo “O Impressionismo é Impressionante” nesse blog, clicando sobre o link:



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segunda-feira, 15 de agosto de 2016

Frank Sinatra and Antonio Carlos Jobim - The Girl from Ipanema



Frank Sinatra and Antonio Carlos Jobim - The Girl from Ipanema

"Garota de Ipanema" foi composta em 1962 por Vinícius de Moraes e Antônio Carlos Jobim. Em 19 de março de 1963 foi lançada pela Verve Records e no ano seguinte, saiu no LP Getz/Gilberto, interpretada por Astrud Gilberto em conjunto com João Gilberto e Stan Getz, com a participação de Tom Jobim ao piano. A letra de Vinicius, foi inspirada em Helô Pinheiro, que passava frequentemente em frente ao Bar Veloso (hoje Garota de Ipanema), em Ipanema. Tom e Vinicius frequentavam assiduamente o bar, que dispunha de pequenas mesas na calçada. A Garota de Ipanema, Heloísa, morava perto e somente dois anos e meio depois, ficou sabendo que era a inspiração da canção. A versão em inglês desta canção é "The Girl from Ipanema", com letra escrita por Norman Gimbel em 1963. Já foi cantada por Frank Sinatra, Cher, Mariza, Madonna, Sepultura, Amy Winehouse e vários outros artistas.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido pelo seu nome artístico Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores e principais forças do movimento da bossa nova.

Francis Albert "Frank" Sinatra (Hoboken, 12 de dezembro de 1915 — Los Angeles, 14 de maio de 1998) foi um cantor e ator norte-americano. Lançou vários álbuns com aclamação crítica, realizou tours internacionais, e foi um dos fundadores do Rat Pack, além de fraternizar com celebridades e homens de estado, incluindo John F. Kennedy. Sinatra também forjou uma bem-sucedida carreira como ator, vencendo um Óscar de melhor ator secundário, uma nomeação para Oscar de melhor ator e aclamação crítica por sua performance. Sinatra foi homenageado no Prêmio Kennedy em 1983 e recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade de Ronald Reagan em 1985 e a Medalha de Ouro do Congresso em 1997. Sinatra também recebeu 11 Grammy Awards, incluindo o Grammy Trustees Award, Grammy Legend Award e o Grammy Lifetime Achievement Award. Possui duas estrelas na Calçada da Fama, uma por seu trabalho na música e outra por seu trabalho na TV norte-americana. É considerado um dos maiores intérpretes da música na década de 1950.



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terça-feira, 9 de agosto de 2016

John William Godward, sua arte e sua história

John William Godward – Dolce far Niente, 1904 – óleo sobre tela – 50,8 x 76,2 cm – coleção particular

Uma de suas pinturas mais conhecidas é Dolce far Niente (1904), que foi adquirida para a coleção de Andrew Lloyd Webber em 1995. Como no caso de várias outras pinturas, Godward pintou mais de uma versão: uma anterior (e menos conhecida) em 1897 e outra versão em 1906.


John William Godward, sua arte e sua história


John William Godward – Nerissa, 1906 – óleo sobre tela - 152.4 x 82.6 cm – coleção particular


John William Godward (Wimbledon, 09 de Agosto de 1861 - 13 de Dezembro de 1922) foi um pintor Inglês do final da era Neoclássica. Ele era um protegido de Sir Lawrence Alma-Tadema. Ele expôs na Royal Academy a partir de 1887. Quando Godward se mudou para a Itália com uma de suas modelos em 1912, sua família interrompeu todo o contato com ele. Godward voltou para a Inglaterra em 1921 e faleceu em 1922. Seu estilo de pintura saiu de moda com a chegada de pintores como Picasso. Ele cometeu suicídio aos 61 anos e supostamente escreveu em sua nota de suicídio que "o mundo não é suficientemente grande para eu e Picasso". Sua família já distante, que tinha desaprovado ele se tornar um artista, se sentiu humilhada por seu suicídio e queimou seus papéis e fotos.


John William Godward – The Sweet Siesta Of A Summer Day, 1891 – óleo sobre tela – 50,8 x 40,6 cm – coleção particular


John William Godward – Venus Binding Her Hair, 1913 – óleo sobre tela – coleção particular


Godward era um Neoclássico vitoriano, e, portanto, um seguidor da teoria de Frederic Leighton, porém mais estreitamente aliado estilisticamente, a Sir Lawrence Alma-Tadema. Godward é conhecido por suas representações de objetos retirados de vida antiga grega e romana colocados em ambientes elaborados, com o detalhamento especialmente cuidadoso e realista de peças arquitetônicas em mármore e de flores. A grande maioria das pinturas existentes de Godward apresentam mulheres em traje clássico, colocados nessas ambientações, embora hajam algumas figuras seminuas ou totalmente nuas.


John William Godward – Girl In Yellow Drapery, 1901 – óleo sobre tela – 61 x 30,5 cm - coleção particular


Alma-Tadema era, além de pintor, um arqueólogo, que visitou locais históricos e recolheu artefatos, mais tarde utilizados em suas pinturas. Godward, também, estudou detalhes como arquitetura e trajes, para assegurar que as suas obras tivessem autenticidade. Algumas pessoas o caracterizam equivocadamente como Pré-Rafaelita, pela aparência de mulheres bonitas em poses estudadas e por sua paleta de cores vibrantes em muitas de suas telas. A escolha dos seus temas (antiga civilização), contrasta com os temas Pré-Rafaelitas (por exemplo, a lenda do rei Arthur).


John William Godward – His Birthday Gift, 1889 – óleo sobre tela – 25,5 x 50,8 cm – coleção particular


Godward estabeleceu rapidamente uma reputação por suas pinturas de mulheres jovens em um ambiente clássico e por sua capacidade de transmitir com sensibilidade e domínio técnico a sensação de texturas contrastantes, como as de corpos humanos, mármore, peles de animais, flores e tecidos.


John William Godward – Summer Flowers, 1903 – óleo sobre tela – coleção particular


Veja pinturas com personagens musicais de John William Godward, clicando sobre esse link:



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segunda-feira, 8 de agosto de 2016

Pinturas com gatos

Pierre-Auguste Renoir - Child With Cat (Julie Manet), 1887 – óleo sobre tela - 65 x 54 cm - Musée d'Orsay, Paris, France


 Pinturas com gatos


Nikolaj Bogdanov-Belskij - Open window onto a garden, 1911 – óleo sobre tela - 165.2 x 117.2 cm – coleção particular


Mary Cassatt - Sara Holding a Cat, 1908 – óleo sobre tela - 40.6 x 33 cm – coleção particular


Suzanne Valadon - Bouquet and a Cat, 1919 – óleo sobre tela - 66.5 x 35 cm – coleção particular


Aldemir Martins - Yellow Cat and Flowers, 2002 – acrílico sobre tela – 80 x 100 cm – coleção particular


Pierre-Auguste Renoir - Sleeping Girl (Girl with a Cat), 1880 – óleo sobre tela – Sterling and Francine Clark Art Institute at Williamstown, MA, USA


 Franz Marc – Girl with Cat II, 1912 - óleo sobre tela - 66.5 x 71,5 cm – coleção particular


Pierre-Auguste Renoir - Geraniums and Cats, 1881 – óleo sobre tela - 92.7 x 73.7 cm – coleção particular


sexta-feira, 5 de agosto de 2016

Pinturas sobre esportes

Norman Rockwell (Estados Unidos 1894 – 1978) - Boy on High Dive

Esse blog possui um artigo que inclui essa pintura. Clique sobre esse link para ver:



Pinturas sobre esportes


Thomas Eakins (Estados Unidos 1844 – 1916) - The Biglin Brothers Racing, 1873



Paul Signac (França 1863 – 1935) - The Velodrome, 1899


Francisco Rebolo (São Paulo, Brasil 1902 – 1980) - Futebol – 1936


Raoul Dufy (França 1877 – 1953) - Regatta at Cowes, 1934


Gustavo Rosa (São Paulo, Brasil 1946 – 2013) - Pelé


Joaquín Sorolla y Bastida (Espanha 1863 – 1923) - In the Racing Shell, 1910


James Tissot - Croquet, 1878 - óleo sobre tela - 89,8 x 50,8 cm - Art Gallery of Hamilton, Ontario, Canada


Cândido Portinari (Brodowski 1903 – Rio de Janeiro 1962) - Futebol em Brodósqui


Theodore Gericault (França 1791 – 1824) – Boxers, 1818


Henri Rousseau - The Football Players, 1908 – óleo sobre tela - Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Esse blog possui um artigo sobre Henri Rousseau. Clique sobre esse link para ver:



Norman Rockwell (Estados Unidos 1894 – 1978) - Choosin Up


Orlando Teruz (Rio de Janeiro 1902 – 1984) – Futebol


Max Liebermann (Alemanha 1847 – 1935) - Tennis Game by the Sea, 1901


Thomas Eakins (Estados Unidos 1844 – 1916) - Baseball Players Practicing, 1875


Inos Corradin (Itália / Brasil 1929) – Jogador de Futebol



quinta-feira, 4 de agosto de 2016

Antonio Carlos Jobim - "Samba do Avião"



Antonio Carlos Jobim - "Samba do Avião"


"Samba do Avião" é uma canção composta em 1962 por Antônio Carlos Jobim. A letra no idioma Inglês é de Gene Lees. Tom Jobim escreveu "Samba do Avião" para um filme italiano, Copacabana Palace (1962). O filme foi filmado no Rio e apresenta aparições de Jobim, João Gilberto e Os Cariocas. A primeira performance da música foi feita por Jobim e Os Cariocas em Agosto de 1962 no restaurante Au Bon Gourmet, em Copacabana, Rio, que historiador da música Ruy Castro chamou de "o show de bossa nova para acabar com todos os shows de bossa nova", como ele apresentava Jobim, João Gilberto, Vinícius de Moraes e os Cariocas no palco juntos pela única vez. A primeira gravação da canção foi lançada em outubro de 1962 por Elza Laranjeira. A primeira versão no idioma Inglês foi por Tony Bennett para seu álbum de 1965 “If I Ruled the World: Songs for the Jet Set”. Na canção, Jobim escreve sobre o desembarque no aeroporto do "Galeão" no Rio de Janeiro. O aeroporto foi renomeado em sua honra em 1999 e agora é chamado RIOgaleão - Aeroporto Internacional Tom Jobim.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido pelo seu nome artístico Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores e principais forças do movimento da bossa nova.



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terça-feira, 2 de agosto de 2016

Pinturas e ilustrações do mês de Agosto

Alphons Mucha – Août, 1899 – ilustração


Pinturas e ilustrações do mês de Agosto



Alfred Sisley - An August Afternoon near Veneux, 1881 – óleo sobre tela – 73 x 54 cm




Ivan Shishkin - Dresden Bridge of August, 1862 – óleo sobre tela


Edward Hopper - August in the City, 1945 – óleo sobre tela - Norton Museum of Art - Palm Beach, Florida


Caspar Camps i Junyent - Alegoria del mes de Augusto, 1901 – ilustração


Alfred Sisley - Poplars a Moret sur Loing, an August Afternoon, 1888 – óleo sobre tela – 73 x 60 cm


Konstantin Somov - August, 1885 – óleo sobre tela


Pieter Bruegel the Elder - The Harvesters (August), 1565 – óleo sobre madeira – 119 x 162 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York


Este painel pertence a uma série, encomendada pelo comerciante Niclaes Jongelinck para sua casa suburbana. O ciclo incluía originalmente seis pinturas que mostram as épocas do ano. Além de “The Harvesters" (Os Ceifeiros), que normalmente é identificada como representando Julho-Agosto, ou o fim do verão, quatro outras pinturas do grupo sobreviveram (agora no Museu Kunsthistorisches de Viena, e Coleção Lobkowicz, Praga).


Childe Hassam - August Afternoon Appledore, 1900 – óleo sobre tela - 56.6 x 45.7 cm


Eugène Grasset - La Belle Jardiniere, August, 1896 – ilustração


sexta-feira, 29 de julho de 2016

A história da pintura “A Nona Onda” de Ivan Aivazovsky e de seu pintor

Ivan Aivazovsky – “A Nona Onda”, 1850 – óleo sobre tela – 221 x 332 cm - State Russian Museum, St. Petersburg, Russia


A história da pintura “A Nona Onda” de Ivan Aivazovsky e de seu pintor


“A Nona Onda” é o trabalho mais conhecido de Ivan Aivazovsky. O título refere-se à tradição náutica em que as ondas crescem cada vez maiores em uma série, até a maior onda, a nona onda, quando então a série começa novamente. Ela retrata um mar depois de uma tempestade noturna e as pessoas que enfrentam a morte, tentando se salvar, agarrando-se aos restos de um navio naufragado. A pintura tem tons quentes, o que reduz as conotações aparentemente ameaçadoras do mar. Parece plausível que as pessoas vão sobreviver. Esta pintura mostra o lado destrutivo, e a beleza da natureza.


Ivan Aivazovsky - Azure Grotto, Naples, 1841 – óleo sobre tela


Ivan Konstantinovich Aivazovskii (Teodósia, Crimeia, 29 de Julho de 1817 — Teodósia, 5 de Maio de 1900) foi um pintor russo de ascendência armênia, de estilo romântico, conhecido como um dos maiores pintores de paisagens marinhas. Deixou mais de seis mil obras, entre elas, a mais famosa, A Nona Onda.

Após a sua formação na Academia Imperial de Artes, Aivazovsky viajou para a Europa e morou brevemente na Itália no início de 1840. Ele então retornou para a Rússia e foi nomeado o principal pintor da Marinha russa. Aivazovsky tinha laços estreitos com a elite militar e política do Império Russo. Ele foi patrocinado pelo Estado e foi bem-visto durante sua vida. O ditado "digno do pincel de Aivazovsky", popularizado por Anton Chekhov, foi usado na Rússia para descrever algo inefavelmente lindo. Um dos mais proeminentes artistas russos de seu tempo, Aivazovsky também foi popular fora da Rússia. Ele realizou inúmeras exposições individuais na Europa e nos Estados Unidos.

Aivazovsky foi especialmente eficaz no desenvolvimento do jogo de luz em suas pinturas, aplicando camadas de cores para criar uma qualidade transparente, uma técnica pela qual é muito admirado. Embora tenha produzido muitos retratos e paisagens, mais de metade de todas as pinturas de Aivazovsky são representações realistas de cenas costeiras e marinhas. Sua técnica artística se destaca por sua capacidade de representar o brilho realista da água contra a luz, na pintura, seja ela a luz da lua cheia, a do nascer do sol, ou a dos navios de guerra em chamas. Muitas de suas pinturas também ilustram a sua habilidade de preencher o céu com luz, seja a luz difusa de uma lua cheia através da névoa, ou o brilho alaranjado do sol brilhando através das nuvens.

Além de ser o mais prolífico dos pintores armênios russos, Aivazovsky fundou uma escola de arte e galeria para educar os outros artistas da época. Ele também construiu um museu histórico em sua cidade natal em Feodosia, Crimeia, além de iniciar as primeiras expedições arqueológicas na mesma região.


Ivan Aivazovsky – Entre as Ondas, 1898 – óleo sobre tela – 66 x 97 cm - Aivazovsky National Art Gallery


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quarta-feira, 27 de julho de 2016

Análise de The Prepared Bouquet de René Magritte

René Magritte – The Prepared Bouquet, 1957 – óleo sobre tela – 130,5 x 163 cm – coleção particular


Análise de The Prepared Bouquet de René Magritte

Um homem com um chapéu-coco está de costas para o espectador, com a figura de Flora da pintura "Primavera" de Sandro Botticelli colocada sobre seu casaco. Esta pintura exemplifica um artifício que Magritte comumente utilizava: esconder parcialmente um objeto, colocando um objeto menor na frente dele e, portanto, negar ao espectador o acesso completo para a imagem maior.

Essa imagem pode ter vários significados, como: "a arte é intemporal", ou "as pessoas passam, mas a arte permanece". Provavelmente Magritte escolheu essa imagem por seu valor pictórico e não por conotações alegóricas, como Boticelli utilizou na pintura "Primavera".

A ideia central que atravessa a obra de René Magritte é que a pintura deve ser poesia, e que a poesia deve evocar mistério. Toda a sua obra é uma tentativa de evocar este mistério, mas não de o revelar. Todas as definições de mistério têm algo a ver com a ideia de algo escondido, algo secreto. Algumas definições também podem possuir conotações religiosas ou místicas.

O comentário de Magritte sobre essa pintura, foi: "O homem é uma aparição visível como uma nuvem, como uma árvore, como uma casa, como tudo o que vemos. Eu não nego sua importância e nem eu lhe concedo qualquer proeminência em uma hierarquia das coisas que o mundo oferece visualmente".


Sandro Botticelli – Primavera, c. 1482 – têmpera sobre madeira – 202 x 314 cm - Uffizi Gallery, Florence


René François Ghislain Magritte (1898 - 1967) foi um dos principais artistas surrealistas belgas. Em 1912 sua mãe, Régina, cometeu suicídio por afogamento no rio Sambre. Magritte estava presente quando o corpo de sua mãe foi retirado das águas do rio, mas algumas pessoas desacreditam essa história, que pode ter se originado com a enfermeira da família. Supostamente, quando sua mãe foi encontrada, o seu vestido estava cobrindo seu rosto, uma imagem que tem sido sugerida como a fonte de várias obras de Magritte, de pessoas com um pano obscurecendo seus rostos. Em 1916, Magritte ingressou na Académie Royale des Beaux-Arts, em Bruxelas, onde estudou por dois anos. Foi durante esse período que ele conheceu Georgette Berger, com quem casou em 1922. Trabalhou em uma fábrica de papel de parede, e foi designer de cartazes e anúncios até 1926, quando um contrato com a Galerie la Centaure, na capital belga, fez da pintura sua principal atividade.

Magritte fez pinturas de objetos comuns em contextos incomuns, e assim criou sua própria forma de poesia para expressar seu inconsciente, de uma forma filosófica e conceitual. O artista, ao contrário dos outros surrealistas, era uma pessoa perturbadoramente comum, sempre vestindo um sobretudo, terno e gravata. Foi casado com sua esposa Georgette por 45 anos, sem qualquer escândalo, e a quem prometeu uma vida calma e tranquila, burguesa. Em suma, uma pessoa sem graça. Para Magritte suas pinturas não tinham qualquer significado, porque o mistério não tem significado. Ficamos apenas com o mistério e a incerteza, o que torna o trabalho dele mais misterioso e mais atraente.

Esse blog possui um artigo sobre a pintura Primavera de Sandro Botticelli. Clique sobre o link abaixo para ver:



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