Sabrina Malheiros - It's Too Late

Castelo de Inveraray - Escócia - faça um passeio virtual aqui

Castelo de Inveraray - Escócia

Residência do Duque de Argyll, chefe do Clan Campbell. Maravilhoso destino turístico com jardim multicolorido, no oeste da Escócia, na costa de Loch Fyne, o maior estreito do mar da Escócia. É a residência dos duques de Argyll, chefes do Clã Campbell desde o século 17.

Está rodeado por um jardim de 16 acres e a propriedade totaliza 60 mil hectares.

A arquitetura é principalmente neo-gótica de meados do século 18. O interior inclui vários ambientes neoclássicos criados para o quinto duque. Estas são algumas das salas abertas ao público. O 13° Duque e sua família vivem em apartamentos privativos que ocupam dois andares e situados entre duas das torres circulares com ameias do castelo. 

Armoury Hall Fireplace

Coats of Arms no teto

Sala das Tapeçarias

Em 1975, um incêndio devastador atingiu Inveraray e por algum tempo o 12 º duque e sua família moraram no porão do castelo, enquanto as reformas - que demandaram captação de recursos em todo o mundo - foram realizadas.

State Dining Room

Cozinha

Assista o vídeo:

Temporada de visitação em 2014:

de 1 de Abril a 31 de Outubro - de segunda a domingo - das 10h às 17h.

Argyll Estates Office

Inveraray
Argyll
Scotland
PA32 8XE
Tel : +44 (0) 1499 302203 

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Feliz Dia dos Pais! Samba de Maria Luiza || Tom Jobim

Feliz Dia dos Pais!


Tom Jobim com Maria Luiza a Marilú (1994) || Samba de Maria Luiza

É do cabelo amarelo
Dos óio cor de chuchu
Quando eu virar gente grande
Me caso logo com tu

O samba de Maria Luiza
O samba de Maria Luiza

O samba de Maria Luiza é bonito pra chuchu
O samba de Maria Luiza é bonito pra chuchu
Ela canta e ela dança, menina
O samba da Marilu, Marilu, Marilu, Marilu

O samba de Maria Luiza é bonito como o quê
E é por isso que o papai
Já tá apaixonado por você
Tá apaixonado por você Maria Luiza

"Temari" - Kazuo Wakabayashi

"Temari Vermelho" - Kazuo Wakabayashi - técnica mista sobre tela

Temari (手まり?) é uma forma de arte popular que se originou na China e foi introduzida no Japão em torno de 7 º século DC. "Temari" significa "mão na bola" em japonês. Esferas bordadas podem ser usadas nos jogos de handebol.

Historicamente, os temari eram construídas a partir dos restos de quimonos antigos. Pedaços de tecido de seda seriam enrolados para formar uma bola, e, em seguida, o maço seria envolvido com tiras de tecido. Com o tempo, o temari tornou-se uma arte tradicional, com a costura funcional cada vez mais decorativa e detalhada, até as bolas exibido intrincados bordados. Com a introdução de borracha no Japão, as bolas passaram de brinquedos para objetos de arte, embora as mães ainda as bordem para seus filhos. Temari tornou-se uma arte e ofício da classe alta e da aristocracia japonesa, e as mulheres nobres competem na criação de objetos cada vez mais bonitos e intrincados

                                   "Temari Azul" - Kazuo Wakabayashi - técnica mista sobre tela

Temari são presentes altamente valorizados e apreciados, simbolizando profunda amizade e lealdade. Além disso, as cores brilhantes e os fios utilizados são simbólicos de desejar ao destinatário uma vida brilhante e feliz. Tornar-se um artista de temari no Japão hoje exige treinamento específico, e deve ser testado em habilidades e técnica antes de ser reconhecido como um artesão de temari. Tradicionalmente, temari eram muitas vezes dados a crianças por seus pais no dia de Ano Novo. Dentro das camadas embrulhadas de cada bola, a mãe colocaria um pequeno pedaço de papel com um desejo bom para o seu filho. Para a criança nunca seria dito o desejo que sua mãe tinha feito ao fazer a bola. Como alternativa, algumas bolas continham "chocalhos", constituídos por grãos de arroz ou sinos. Temari também são conhecidos como "gotenmari".

“A luz do Brasil e o calor do seu povo deram mais luz a calor à minha pintura. No Japão, tudo é mais escuro, mais frio” - Wakabayashi

Chamando os quadros de  Kazuo Wakabayashi de “matéria espiritualizada”, Walter Zanini  define-o como “um metafísico dos valores espaciais”.

Kazuo Wakabayashi (Kobe, Japão 1931). Em 1944, estuda na Escola Técnica de Hikone, em Shiga, Japão. Entre 1947 e 1950, freqüenta a Escola de Belas Artes e a Academia Niki, em Tóquio, e as aulas de desenho e pintura de Kanosuke Tamura. De volta a Kobe, prepara-se para ingressar na Faculdade de Arquitetura da Universidade de Tóquio, porém abandona a arquitetura em 1950, voltando-se para a pintura. No ano seguinte, integra o grupo Babel, ao lado de Rokuichi, Kaibara, Ko Nishimura e outros. Em 1953, torna-se membro do grupo Seiki e publica álbum de pinturas e poesias e, em 1954, participa do Delta, além de ilustrar os jornais Shinko Shimbum e All Sports. Entre as décadas de 1940 e 1960, participa de salões japoneses recebendo prêmios em 1947, 1950, 1954 e 1959. Em 1961, transfere-se para São Paulo e torna-se membro do Grupo Seibi, apresentado por Manabu Mabe (1924 - 1997) e Tomie Ohtake (1913). Dois anos depois, recebe medalha de ouro tanto no 12º Salão Paulista de Arte Moderna como no 7º Salão do Grupo Seibi de Artistas Plásticos. É agraciado com o primeiro prêmio no Salão de Abril do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, em 1966. Participa de diversas edições da Bienal Internacional de São Paulo, entre 1963 e 1967, quando é premiado. Em 1992, publica-se o livro Wakabayashi, com apresentação do crítico Jayme Mauricio, e, no ano seguinte, o Paço das Artes, em São Paulo, apresenta uma retrospectiva de sua obra.

Quando Kazuo Wakabayashi chega ao Brasil, em 1961, já é um pintor maduro. Ele desenvolve uma obra abstrata de orientação informal, cuja principal característica é a pesquisa de técnicas, cores e materiais. Trabalha com contornos rigorosos e cores intensas, às vezes, experimentando multiplicar as formas enquanto caracteriza cada uma com alguma diferença em relação às demais. Em diferentes obras, cria ritmos com relevos e texturas em superfícies monocromáticas. Em outras, ainda, estabelece relações entre formas e texturas diversas.

A partir do fim dos anos 1970, Wakabayashi se interessa mais pelo aspecto da textura e do relevo na pintura, muitas vezes optando por trabalhá-los de maneira quase uniforme em toda a superfície da tela, ou restringindo textura e relevo dentro de uma superfície circular. 

Wakabayashi desenvolve, num período posterior, trabalhos que remetem à tradição da gravura japonesa ukiyo-e, que trata principalmente de temas da natureza e figuras humanas, como também utiliza estampas de tecidos japoneses colados sobre as telas. 

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Rita Lee - La Javanaise - de Serge Gainsbourg para Juliette Gréco, aqui com o charme da bossa-nova

Rita Lee - La Javanaise
música de Serge Gainsbourg para Juliette Gréco, aqui com o charme da bossa-nova

Henri Matisse: The Cut-Outs - exposição em Londres - passeio virtual

Henri Matisse Blue Nude (II) spring 1952 Musée National d’Art Moderne © Succession Henri Matisse/DACS 2014 Photo: Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais/Droits réservé s

Henri Matisse: The Cut-Outs - exposição em Londres

Henri Matisse - Icarus 1946 - Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Droits réservés © Succession Henri Matisse / DACS 2013

Grande exposição da Tate Modern, Henri Matisse: The Cut-Outs, é a exposição mais abrangente já dedicada aos recortes/colagens de papel do artista, feitas entre 1937 e 1954. Reúne cerca de 130 obras, muitas vistas juntas pela primeira vez, em uma reavaliação dos trabalhos finais coloridos e inovadores de Matisse.

Henri Matisse - The Snail - 1953 - © Succession H. Matisse / DACS 2014

Henri-Émile-Benoît Matisse (1869 - 1954) é uma das principais figuras da arte moderna e um dos coloristas mais importantes de todos os tempos. Um desenhista, gravador, escultor e pintor, seus inigualáveis ​​recortes estão entre as mais significativas das últimas obras de qualquer artista. Em uma carreira de mais de meio século, Matisse fez um grande corpo de trabalho do qual os recortes são um brilhante capítulo final na sua longa carreira.

Henri Matisse - "Polynesia, the Sea" - 1946

A mostra inclui o maior número de Blue Nudes de Matisse já apresentados em conjunto, incluindo o mais importante do grupo Blue Nude I, 1952 (Fundação Beyeler, Basel) .As obras ilustram o interesse renovado de Matisse na figura.

Sophie Matisse, bisneta do artista, disse que é "emocionante" ver as famosas silhuetas azuis de uma figura feminina sentada, entre as 130 obras da exposição que é sucesso de público.

Os Nus Azuis, provenientes do corte de papel colorido com uma tesoura, foram mostrados juntos apenas um punhado de vezes desde que foram feitas em 1952, dois anos antes da morte de Matisse aos 84.

Henri Matisse - "Blue Nude" 1 a 4 - (montagem)

Henri Matisse - Blue Nude (II) 1952 - Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Droits réservés © Succession Henri Matisse / DACS 2013

Quando problemas de saúde impediram Matisse de pintar, ele começou a cortar papel pintado com tesoura, para fazer maquetes para as encomendas de livros e para projetos, de janelas de vitral a tapeçarias e cerâmica. Nos recortes, contornos assumem forma escultural e folhas pintadas de papel são infundidas com a luminosidade dos vitrais. Usando cores, Matisse evoca a superfície convulsiva da água e a exuberância da vegetação. O resultado reflete tanto um renovado compromisso com forma e cores quanto uma inventividade direcionada para o status da obra de arte.

Matisse em seu estúdio em 1952 - Foto: Lydia Delectorskaya

A exposição re-examina os recortes em termos de métodos e materiais que Matisse utilizou, e suas vidas duplas, primeiro como contingentes e mutáveis no estúdio e, finalmente, como obras permanentes, através de montagem e enquadramento. A exposição destaca as tensões nas obras entre acabamento e processo; arte e decoração; contemplação e utilidade; e desenho e cor.

Henri Matisse - The Sheaf 1953 - Collection University of California, Los Angeles. Hammer Museum © Succession Henri Matisse / DACS 2013

Esta exposição é organizada pela Tate Modern, em colaboração com o Museu de Arte Moderna de Nova York. Ela seguirá para The Museum of Modern Art em New York de 14 de Outubro a 9 de Fevereiro de 2015.

Até 7 de Setembro de 2014

Tate Modern – Bankside - London SE1 9TG - United Kingdom

Tel.: +44 (0)20 7887 8888

Fonte: Tate Modern

Assista entrevista com um dos curadores da exposição e veja algumas obras:

Assista um passeio pelas obras da exposição:

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Lady Randolph Churchill e seu filho, Sir Winston Churchill

"Lady Randolph Churchill” - John Singer Sargent - final dos anos 1890 - óleo sobre tela - coleção particular

Lady Randolph Churchill, nascida Jenny Jerome, em New York em 1854, era a mãe de Sir Winston Churchill

Lady Randolph Churchill (9 de janeiro de 1854 - Junho 29 1921), nascida Jeanette Jerome, era a esposa nascida norte-americana de Lord Randolph Churchill e mãe do primeiro-ministro britânico Winston Churchill.

De beleza notável (um admirador, Lord d'Abernon, disse que havia "mais de pantera que de mulher em seu olhar") Jennie Jerome trabalhou como editora de revista na juventude.

Por muito tempo considerada uma das mais belas mulheres da época, ela casou pela primeira vez em 15 de abril de 1874, com 20 anos, na embaixada britânica em Paris, com Lord Randolph Churchill, o terceiro filho de John Winston Spencer-Churchill. Embora o casal ficasse noivo em três dias de sua primeira reunião, o casamento foi adiado por meses, enquanto seus pais discutiam sobre arranjos. Por este casamento, ela foi devidamente conhecida como Lady Randolph Churchill e seria referida em conversas como Lady Randolph.

Os Churchill tiveram dois filhos. Winston (1874-1965), o futuro primeiro-ministro, nasceu menos de oito meses depois do casamento. De acordo com seu biógrafo William Manchester, Winston foi provavelmente concebido antes do casamento, em vez de nascer prematuramente.

Acredita-se que Lady Randolph teve inúmeros amantes durante o casamento, incluindo Karl Kinsky, o Príncipe de Gales (mais tarde Rei Eduardo VII do Reino Unido) e Herbert von Bismarck.

Ela teve mais dois casamentos, um com um Capitão da Guarda Escocesa (da mesma idade que Sir Winston, seu filho) e outro com um membro do British Civil Service na Nigéria (que era 2 anos mais novo que Sir Winston).

Jack, Jennie e Winston

Sir Winston Leonard Spencer-Churchill - (Woodstock, 30 de Novembro de 1874 — Londres, 24 de Janeiro de 1965) foi um político conservador e estadista britânico, famoso principalmente por sua atuação como primeiro-ministro do Reino Unido durante a Segunda Guerra Mundial. Ele foi primeiro-ministro britânico por duas vezes (1940-45 e 1951-55). Orador e estadista notável, ele também foi oficial no Exército Britânico, historiador, escritor e artista. Ele é o único primeiro-ministro britânico a ter recebido o Prêmio Nobel de Literatura e a cidadania honorária dos Estados Unidos.

"Cork Trees Near Mimizan" - Sir Winston Churchill

"The Marlborough Tapestries at Blenheim" - Sir Winston Churchil

Sir Winston Churchill - "Villa on the Nivelle" - 1945

Atelie de Sir Winston Churchill em Chartwell House

Esse blog possui mais um artigo sobre Sir Winston Churchill e um artigo sobre a região The Cotswolds e o Blenheim Palace, onde Churchill nasceu. Clique sobre os links abaixo para ver:

http://www.arteeblog.com/2017/11/o-lado-artista-de-sir-winston-churchill.html

http://www.arteeblog.com/2014/10/passeio-virtual-por-cotswolds-na.html

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Joan Miró - A Espiga de Trigo - 1923

Joan Miró - A Espiga de Trigo - 1923

"A Espiga de trigo" é uma das primeiras obras em que Miró demonstra seu estudo atento de objetos do cotidiano, em alguns aspectos, um subproduto do estudo em um ambiente acadêmico tradicional. Como um jovem artista, Miró foi influenciado pelo realismo meticuloso, detalhado dos mestres holandeses. A atenção que ele dá aos objetos é refletida mais tarde no cuidado que Miró assume com a construção de formas limpas de arestas, biomórficas de seu estilo característico.

Joan Miró i Ferrà (1893-1983) foi um escultor, pintor, gravurista e ceramista surrealista catalão. Em 1919, depois de completar os seus estudos, esteve em Paris, onde conheceu Pablo Picasso e entrou em contato com as tendências modernistas como os fauvismo e dadaísmo. No início da década de 1920, conheceu o fundador do movimento surrealista André Breton entre outros artistas. A pintura “O Carnaval de Arlequim” de 1924-25, e “Maternidade” de 1924, inauguraram uma linguagem cujos símbolos remetem a uma fantasia, sem as profundezas das questões psicanalistas surrealistas. Participou na primeira exposição surrealista em 1925. 

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"Tudo" by Bebel Gilberto : Live - "Tudo" é novo álbum de Bebel Gilberto a ser lançado dia 19 de julho de 2014

"Tudo" by Bebel Gilberto - "Tudo" é novo álbum de Bebel Gilberto a ser lançado dia 19 de julho de 2014

Boa tarde! Aceitam um chazinho?

Boa tarde! Aceitam um chazinho?

Histórias da Historia da Arte: Gabriele Münter - A guardiã das artes

Wassily Kandinsky - "Retrato de Gabriele Münter" - 1905

Histórias da Historia da Arte: Gabriele Münter - A guardiã das artes

Gabriele Münter - Copenhagen - ca 1917

Gabriele Münter (Berlim, 19 de fevereiro de 1877 - Murnau am Staffelsee, 19 de maio de 1962) foi uma pintora alemã do expressionismo, fotógrafa e salvadora das pinturas do movimento Blaue Reiter durante a Segunda Guerra Mundial.

Os pais de Münter eram endinheirados e apoiaram a sua educação artística com mestres privados. Em 1897 estudou em uma escola de arte para mulheres em Düsseldorf. Posteriormente empreendeu uma viagem de dois anos pelos Estados Unidos com a sua irmã e ao regressar em 1901 estabeleceu-se em Munique. A Academia de Belas Artes de Munique não estava aberta para mulheres, pelo qual continuou os seus estudos numa associação feminina de pintura da cidade. Logo se cansou da educação na associação, pelo qual mudou-se para a escola progressiva de arte Phalanx, na qual trabalhava Wassily Kandinsky.

Gabriele Münter - The Yellow House - 1908

No verão de 1903 durante uma estadia em Kallmünz, Kandinsky comprometeu-se em matrimônio com Münter, apesar de estar ainda casado, fato que ocultam aos outros membros da escola Phalanx. Münter vive abertamente com Kandisnky como amante, ele não se divorcia até 1911. Viveram juntos até 1917 e empreenderam várias viagens, incluindo visitas à Tunísia, Holanda, Itália e França.

Gabriele Münter e Wassily Kandinsky em Sèvres - 1906

Gabriele Munter - "Kandinsky and Erma Bossi at the Table in the Murnau House" - 1912

Durante a sua primeira estadia em Paris em 1906/07, Münter vê os quadros de Henri Matisse e outros fauvistas, o que a longo prazo muda o seu estilo. Em 1909 compra uma casa em Murnau am Staffelsee onde passa os verãos com Kandisnky e onde recebem numerosos artistas do vanguardismo muniquês como Alexej von Jawlensky, Franz Marc, August Macke e o compositor Arnold Schönberg.

Gabriele Münter - Self-Portrait, 1909 - Princeton University Art Museum

Gabriele Münter - Boating - 1910 

Artisticamente, Münter começa a desenvolver um estilo abstrato próprio, com brilhantes cores sem misturar, formas fortes, tudo delineado por obscuras linhas de separação. Converte-se em fundadora da Neue Künstlervereinigung München (Nova união de artistas de Munique) iniciada por Kandinsky e que incluía o núcleo dos artistas do Blaue Reiter.

Gabriele Münter - "Staffelsee in Autumn" - 1923 

Gabriele Münter - "Portrait of Wassily Kandinsky", 1906 - litogravura colorida - Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich

Durante a Primeira Guerra Mundial Kandinsky vê-se forçado a sair da Alemanha por ser cidadão de uma potência inimiga. Entre 1915 e 1920 Münter vive na Escandinávia. O seu último encontro com Kandinsky foi em 1916 em Estocolmo. A partir de 1917, Kandinsky rompe tudo contato e só anos mais tarde, Münter fica a saber que Kandinsky se casara novamente.

Gabriele Münter - "Meditation" - 1917

Gabriele Münter - "Breakfast of the Birds" - 1934

A partir de 1920 Münter vive alternativamente entre Colônia, Munique e Murnau. Devido a uma constante depressão, praticamente deixa de pintar. Durante um período de residência em Berlim, em 1925, produz reduzidos retratos de mulheres feitos em lápis. Só após uma longa estadia em Paris em 1929/30, a sua atividade criativa colhe novo impulso.

Gabriele Münter - "Murnau at the Harvest" - ca. 1934 - aquarela sobre papel

Gabriele Münter - "Landschaft am Meer" - 1919

Em 1932 regressa à sua casa em Murnau onde vive com o historiador de arte, Johannes Eichner. Durante este período pinta, sobretudo, flores e obras abstratas. Em 1937 os nazistas proíbem-lhe expor, pelo qual se retira da vida pública. Durante a Segunda Guerra Mundial Gabriele Münter escondeu mais de 80 obras de Kandinsky e outros membros do Blaue Reiter, além de obras próprias, salvando-as da destruição. Estas pinturas obsequiou-as em 1957 à cidade de Munique, onde agora são exibidas na Lenbachhaus. Na atualidade, a sua casa em Murnau am Staffelsee também é museu.

  

Russenhaus - Casa-museu em Murnau am Staffelsee

Escada decorada por Wassily Kandinsky na casa em que conviveu com Gabriele Münter em Murnau

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