Francisco
de Goya - The Duchess of Alba – 1797 - The Hispanic Society of America, New
York
Goya: Os Retratos
Francisco Goya - Self Portrait – c. 1773 - Museo Goya,
Colección Ibercaja, Zaragoza
Francisco José de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 30 de março
de 1746 — Bordeaux, 15 ou 16 de abril de
1828) foi um pintor e gravador espanhol. Os retratos compõem um terço da produção de Goya - e mais de
150 ainda sobrevivem hoje. Impressionantes e muitas vezes implacáveis, os
retratos de Goya demonstram sua abordagem não convencional e sua habilidade ousadamente
notável de capturar a psicologia de seus modelos.
Francisco de Goya - The Count of Floridablanca – 1783 - Colección
del Banco de España, Madrid
Francisco
de Goya - The Duke and Duchess of Osuna and their Children – 1788 - Museo
Nacional del Prado, Madrid
Goya já tinha 37 anos quando recebeu sua primeira encomenda
importante, o retrato do primeiro-ministro da Espanha, o Conde Floridablanca. A
reputação de Goya cresceu rapidamente. Ambicioso e orgulhoso de seu status, ele
ganhou clientes de todo o espectro da sociedade espanhola: desde a família real e aristocratas, os
intelectuais, políticos e figuras militares, até seus próprios amigos e
familiares.
Francisco
de Goya - The Family of the Infante Don Luis de Borbón 1783 - Magnani-Rocca
Foundation, Parma
Profundamente afetado por sua surdez,que foi o resultado de uma
doença grave aos 40 anos, o retratismo permaneceu um meio pelo qual Goya podia
se comunicar. Sua abordagem era sem obstáculos, ele não tinha medo de revelar o
que via, fornecendo penetrante visão sobre os aspectos públicos e privados de
sua vida, desde suas primeiras
encomendas até trabalhos posteriores mais íntimos, pintados durante a seu
auto-imposto exílio na França, na década de 1820. Uma carreira que percorreu revolução
e restauração, guerra com a França, e a agitação cultural do Iluminismo
espanhol.
Aqui abaixo os 3 retratos de uma família, reunidos:
Francisco
Goya - The Countess of Altamira and her daughter, María Agustina – 1788 - The
Lehman Collection at the Metropolitan Museum of Art, New York
Francisco Goya - The Count of Altamira - Banco de España,
Madrid
Francisco
Goya - Manuel Osorio Manrique de Zuñiga - The Metropolitan Museum of Art, New
York
Este retrato representa o filho do conde de Altamira.
Vestido em um esplêndido traje vermelho, Manuel é mostrado brincando com uma
pega de estimação (que segura o cartão de visitas do pintor em seu bico), uma
gaiola cheia de passarinhos, e três gatos de olhos arregalados.
Nascido antes de Mozart e Casanova, e sobrevivendo Napoleão,
a vida de Goya durou mais de 80 anos durante os quais ele testemunhou uma série
de acontecimentos dramáticos que mudaram o curso da história europeia.
"Goya: Os Retratos” traça a
carreira do artista, desde os seus primórdios na Corte em Madrid à sua nomeação
como Primeiro Pintor da Corte de Carlos IV, e como retratista favorito da
aristocracia espanhola. E explora o período difícil sob o governo de Joseph
Bonaparte e da ascensão ao trono de D. Fernando VII, antes de concluir com os
seus últimos anos de auto-exílio na França.
Francisco
Goya - Charles III in Hunting Dress – 1788 - Duquesa del Arco Collection,
Madrid
Francisco
Goya - Portrait of Ferdinand VII – 1814 - Museo del Prado, Madrid
Altamente considerado por Delacroix, Degas, Manet e Picasso,
Goya é um dos pintores mais famosos da Espanha. Goya usou em seus retratos, desde pinturas em tamanho natural em tela, às
miniaturas em cobre e seus belos desenhos em giz preto e vermelho
Francisco Goya – Self Portrait Before an Easel – 1795 - @
Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid
Francisco Goya - Mariano Goya (neto do artista e sua última
pintura) - 1828 - Meadows Museum, SMU, Dallas
Assista os vídeos de uma exposição de Janeiro de 2016 na National Gallery, London:
Séries Arteeblog: Grandes marchands e mecenas das artes – O
homem que inventou o Impressionismo – com fotos, vídeo e exposição em 2015
Paul Durand-Ruel (1831 - 1922) foi um negociante de arte
francês, um dos primeiros negociantes de arte modernos que prestaram apoio aos
seus pintores com estipêndios e exposições individuais. Seu pai era um
comerciante de arte. Em 1865 o jovem Paul assumiu os negócios da família, que
representavam artistas como Corot e os da escola de Barbizon, de pinturas de
paisagem francesas. Em 1867 ele mudou sua galeria da Rue de la Paix 1, em
Paris, para Rue Laffitte 16, com uma filial na Rue Le Peletier 111. Durante a
década de 1860 e início dos anos 1870 Paul Durand-Ruel foi um defensor
importante e bem sucedido comerciante de arte da Escola de Barbizon. No entanto
Durand-Ruel logo estabeleceu uma relação com um grupo de pintores que se
tornaria conhecido como os Impressionistas.
Claude
Monet - Lavacourt Under Snow – c. 1878-81 – óleo sobre tela – 59.7 x 80.6 cm - The
National Gallery, London
Os Impressionistas são tão universalmente populares hoje que
é difícil imaginar um momento em que eles não eram admirados. Mas no início dos
anos 1870 eles se esforçaram para serem aceitos. Evitados pelo establishment da
arte, foram até mesmo citados como 'lunáticos' por um crítico.
Um homem, no entanto, reconheceu o valor desse estilo de
arte desde o início. Paul Durand-Ruel, um negociante de arte de Paris,
descobriu este grupo de jovens artistas, incluindo Monet, Degas, Manet, Renoir,
Pissarro e Sisley, e apostou neles. O termo "impressionista" foi usado pela primeira
vez como um insulto, em resposta a uma exposição de pinturas novas em Paris em
1874. Esse grupo diverso de pintores, rejeitados pelo establishment da arte,
desafiadoramente criaram a sua própria exposição.
Camille
Pissarro - The Boulevard Montmartre at Night – 1897 – óleo sobre tela - 53.3 x
64.8 cm - The National Gallery, London
Percebendo o potencial elegante de suas ridicularizadas
“impressões” da vida urbana e suburbana, Durand-Ruel dedicou o resto de sua
vida a construir uma audiência para o seu trabalho, e também durante esse
processo, a criação do mercado de arte moderna. Tal era a sua perseverança, que Durand-Ruel quase faliu duas
vezes, antes de globalizar com sucesso sua operação, com postos avançados em
Londres, Bruxelas e Nova York, e estabelecendo o “one-man show” como a norma
internacional para exposições.
Pierre-Auguste
Renoir - Lakeside Landscape – c. 1889 – óleo sobre tela - 47 x 58.2 cm - The
National Gallery, London
Durante a Guerra Franco-Prussiana, de 1870-71, Paul
Durand-Ruel deixou Paris e fugiu para Londres, onde se encontrou com um grupo
de artistas franceses, incluindo Charles-François Daubigny, Claude Monet e
Camille Pissarro. Em dezembro de 1870 ele abriu a primeira de dez exposições
anuais da Sociedade de Artistas Franceses em sua nova galeria de Londres na New
Bond Street 168, com Charles Deschamps como gerente.
Claude Monet
- Bathers at La Grenouillère - 1869 – óleo sobre tela – 92 x 73 cm - The National Gallery, London
Claude Monet
- Bathers at La Grenouillère - 1869 –
detalhe - – óleo sobre tela – 92 x 73 cm - The National Gallery, London
Durand-Ruel fez exposições do Impressionismo e de outras
obras (incluindo o pintor americano expatriado James Abbott McNeill Whistler,
que morou em Londres) em suas galerias de Paris e Londres. Ele também trouxe trabalho
deles para Nova York, onde seus três filhos, Joseph, Charles e George
gerenciavam sua galeria, expondo artistas estabelecidos de Nova York com Impressionistas
franceses alternadamente, e fazendo muito para estabelecer a popularidade da
arte Impressionista nos Estados Unidos.
Edgar Degas
- Beach Scene – c. 1869-70 – óleo sobre papel sobre tela - 47.5 x 82.9 cm – The
National Gallery, London
Durante as últimas três décadas do século 19, Paul
Durand-Ruel tornou-se o negociante de arte mais conhecido e importante do Impressionismo
francês no mundo. Ele conseguiu estabelecer o mercado de Impressionismo nos
Estados Unidos, bem como na Europa. Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet,
Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, estão entre
os artistas importantes que Durand-Ruel
ajudou a estabelecer. No que diz respeito aos americanos em relação ao Impressionismo,
Durand-Ruel disse certa vez: "O público americano não ri. Ele compra! Sem a
América, eu estaria perdido, arruinado, depois de ter comprado tantos Monets e
Renoir. As duas exposições lá em 1886 me salvaram. o público americano comprou
moderadamente... mas graças a esse público, Monet e Renoir puderam viver e
depois o público francês seguiu o exemplo".
Pierre-Auguste
Renoir - At the Theatre (La Première Sortie) - 1876-7 – óleo sobre tela - 65 x
49.5 cm - The National Gallery, London
O que caracteriza o Impressionismo para a maioria das
pessoas hoje em dia, é ao mesmo tempo o tema e a técnica. Paisagens e cenas da
vida urbana e suburbana moderna pintadas em cores brilhantes e puras são típicas.
Os Impressionistas muitas vezes começavam (e às vezes concluíam) suas pinturas
ao ar livre em vez de em um estúdio. Suas pinceladas rapidamente aplicadas, são
visíveis. É preciso um salto da imaginação para percebermos quão radical o movimento
foi considerado em seu tempo.
A vida moderna e a maneira como as pessoas comuns passavam
seu tempo livre foram assuntos populares para muitos pintores impressionistas.
Monet, Renoir e Degas nos mostram os teatros, cafés e estâncias campestres
populares do final do século 19 em Paris.
Pierre-Auguste
Renoir - The Skiff (La Yole) – 1875 – óleo sobre tela - 71 x 92 cm - The
National Gallery, London
As descobertas científicas e invenções do século 19 tiveram
uma influência importante sobre a forma como os pintores trabalhavam. Novas
pesquisas encorajaram os artistas a experimentar com as cores complementares.
Por exemplo, na tela de Renoir “The Skiff (La Yole)”, ele coloca um barco cor de
laranja contra o azul cobalto da água. Laranja e azul eram entendidas como
opostas uma à outra no espectro de cor, e colocando-as lado a lado, cada uma
parece mais profunda e mais brilhante.
Ainda mais significativo para os impressionistas era um
interesse na forma como a mente humana processa o que vê. Quando olhamos para
uma paisagem ou uma multidão de pessoas, nós não vemos instantaneamente cada
rosto ou folha em foco detalhado, mas como uma massa de cor e luz. Os pintores
impressionistas tentaram expressar essa experiência.
Claude
Monet - The Water-Lily Pond – 1899 – óleo sobre tela - 88.3 x 93.1 cm - The
National Gallery, London
Em 1883 Monet mudou para Giverny, onde morou até sua morte.
Lá ele criou um jardim "com o objetivo de cultivar plantas
aquáticas", sobre o qual ele construiu uma ponte arqueada no estilo
japonês. Em 1899, quando o jardim tinha amadurecido, Monet pintou 17 vistas do
jardim sob condições de luz diferentes. Rodeada por vegetação luxuriante, a
ponte é vista aqui da própria lagoa, no meio de um arranjo de juncos e folhas
de salgueiro.
Outro fator que mudou a forma como os artistas pintavam foi
a inovação da tinta pronta em tubos. A moagem de pigmentos, a fim de formar a
tinta a óleo, era um processo trabalhoso. A disponibilidade de uma ampla gama
de cores prontas significava que os artistas podiam trabalhar ao ar livre, ao
invés de em um estúdio. Eles também podiam trabalhar em uma velocidade muito
maior, em alguns momentos aplicando a tinta diretamente do tubo, sem usar um
pincel.
Claude
Monet - The Beach at Trouville – 1870 – óleo sobre tela - 38 x 46.5 cm - The
National Gallery, London
Claude Monet - The Beach at Trouville – 1870 – detalhe com
areia na tinta à óleo, mostrando que essa obre foi pelo menos parcialmente,
pintada na praia
“The Beach at Trouville” é uma pequena tela pintada por
Monet, enquanto ele estava em lua de mel na costa. Ele e sua esposa Camille
estavam em seu caminho para Londres, para escapar da guerra franco-prussiana. A
tela foi pintada evidentemente na praia e não em um estúdio. Grãos de areia e
migalhas de conchas se misturaram na tinta a óleo. O imediatismo da pintura
também é evidente na tinta branca espessa representando a luz que incide sobre
a saia de Camille, e a sombra caindo em seu rosto. A imagem é quase comparável
a uma foto de família, uma gravação informal de um momento privado.
A National Gallery de Londres está com a exposição
temporária “Inventing Impressionism”, com 85 obras-primas do movimento, onde
com exceção de uma obra, todas passaram pelas mãos de Durand-Ruel.
Até 31 de Maio de 2015
The
National Gallery, Trafalgar Square, London WC2N 5DN
Em seguida a exposição estará no Philadelphia Museum of Art,
de 24 de Junho até 13 de Setembro de 2015
Philadelphia
Museum of Art - Dorrance Special Exhibition Galleries - 2600 Benjamin Franklin
Parkway, Philadelphia, PA 19130 - informações: 215-763-8100
Anunciada a produção de novo filme da série James Bond e lançamento de novo modelo de automóvel Aston Martin DB10 a ser utilizado no filme, além da apresentação do elenco da produção.
A montadora de automóveis inglesa Aston Martin lançou novo modelo a ser dirigido pelo Agente 007 com produção de mais 10 unidades a serem produzidas.
O novo filme, "Spectre" foi anunciado pelo produtor Sam Mendes em cerimônia de apresentação do elenco e do automóvel em Londres. A produção iniciará agora e o lançamento do filme está previsto para Outubro de 2015.
“Rembrandt: The Late Works” – exposição das pinturas dos
últimos anos de Rembrandt
Rembrandt - "Self
Portrait with Two Circles" - 1665-1669 - óleo sobre tela - 114 x 94 cm
Longe de diminuir à medida que envelhecia, a criatividade de
Rembrandt ganhou nova energia nos anos finais de sua vida. É a arte desses últimos
anos - com alma, honesta e profundamente comovente - que define de forma
indelével a nossa imagem de Rembrandt o homem e o artista. Esta exposição é um
marco (com empréstimos sem precedentes de todo o mundo), uma oportunidade única de experimentar a
paixão, emoção e inovação de Rembrandt, o maior mestre da Época de Ouro
holandesa.
Rembrandt - "The Conspiracy of the Batavians under Claudius Civilis" - 1661-1662 - óleo sobre tela - 196 x 309 cm
Da década de 1650 até sua morte, Rembrandt (1606-1669)
conscientemente procurou um novo estilo ainda mais expressivo e profundo. Ele manipulava
livremente técnicas de impressão e
pintura, a fim de dar interpretações novas e originais a temas tradicionais. A
exposição ilumina seu domínio versátil, dividindo pinturas, desenhos e gravuras
tematicamente, a fim de examinar as idéias que lhe preocupavam durante estes
últimos anos: o auto-exame, uma técnica experimental, o uso da luz, a
observação da vida cotidiana, inspiração de outros artistas e respostas à
convenção artística, assim como expressões de intimidade, contemplação, de
conflitos e reconciliação.
Rembrandt - sketch of A Young Woman Sleeping - c. 1654 - desenho - possivelmente o retrato da esposa do artista, Hendrickje Stoffels
"Rembrandt: The Late Works" apresenta cerca de 40
pinturas, 20 desenhos e 30 gravuras.
A exposição oferece aos visitantes uma nova visão sobre
algumas das obras mais emblemáticas de Rembrandt, como "The Sampling
Officials of the Amsterdam Drapers’ Guild” (Rijksmuseum, Amsterdam) mais conhecido
como 'Os Síndicos', revelando seu brilho na combinação de luz e sombra e cor e
textura, para dar um impacto visual radical a um retrato tradicional. Numerosos
exemplos das melhores gravuras de Rembrandt demonstram seu desenvolvimento
hábil de técnicas de impressão para obter efeitos únicos.
Rembrandt - "The Sampling Officials of the Amsterdam Drapers’ Guild” - 1662 - óleo sobre tela - 191 x 279 cm
Um dos destaques da exposição é a justaposição de auto-retratos,
incluindo “Auto-Retrato como o Apóstolo Paulo” (Rijksmuseum, Amsterdam),"Auto-Retrato
com Dois Círculos” (English Heritage, o legado de Iveagh (Kenwood), "Auto-Retrato
Vestindo um Turbante” (Royal Picture Gallery Mauritshuis, The Hague), e "Auto-Retrato
aos 63 anos” (National Gallery). Os dois últimos, pintados nos anos finais de
sua vida, mostram honestidade excepcional de Rembrandt em gravar suas próprias
características à medida que envelhecia.
Rembrandt - Self-Portrait
as the Apostle Paul - 1661 - óleo sobre
tela - 91 x 77 cm
Rembrandt - "Self-Portrait at the Age of 63" - 1669 - óleo sobre tela - 86 x 70 cm
Em uma das obras mais comoventes na exposição, a chamada
"Noiva Judia" (Rijksmuseum, Amsterdam), Rembrandt representou a terna
afeição de um casal com sensibilidade apurada. Ao visualizar esta pintura pela
primeira vez em 1885, Vincent van Gogh confessou a um amigo que ficaria feliz
em dar 10 anos de sua vida para poder sentar-se em frente à pintura durante uma
quinzena, com apenas um pedaço de pão seco para comer. Ele exclamou em uma
carta a seu irmão Theo: “Que intimidade, que pintura infinitamente simpática!”
Rembrandt - "Portrait of a Couple as Isaac and Rebecca" ou "The Jewish Bride" - 1665-1669 - óleo sobre tela - 121 x 166 cm
É esta incansável criatividade sem restrições de Rembrandt
que influenciou incontáveis, pintores, gravuristas e desenhista nas gerações
que o seguiram, e que continua a inspirar artistas até hoje.
"Rembrandt: The Late Works" é organizada pela
National Gallery e o Rijksmuseum, com curadoria de Betsy Wieseman
Até 18 de Janeiro de 2015
The National Gallery - Trafalgar Square, London WC2N 5DN
Escultura gigante "The Meeting Place" - Paul Day, 2007
Projetada pelo artista britânico Paul Day, evoca o romance de viagens através da representação de um casal em um
abraço amoroso. Em bronze, com 9 m de altura e 20 toneladas. Na estação ferroviária St. Pancras em Londres, Inglaterra.
Em 2008, um friso em alto relevo foi foi adicionado à base
do Meeting Place como parte de reformas em St Pancras, com imagens da
história do metrô e do trem, representa pessoas fazendo fila nas plataformas ou viajando em
carruagens, soldados partindo para a guerra, etc.
Paul Day (nascido em 1967) é um escultor britânico. Suas
esculturas em alto-relevo em terracota, resina e bronze têm sido amplamente
expostas na Europa e seu trabalho é conhecido por sua abordagem incomum da perspectiva.
Paul Day estudou em escolas de arte no Reino Unido em Colchester
e Dartington, completando sua formação em Cheltenham em 1991. Ele agora vive em
um vilarejo perto de Dijon, na França, com sua esposa francesa, Catherine. Seu
relacionamento anglo-francês é uma referência explícita e repetitiva em suas
obras. The Meeting Place, é um abraço entre Paul e Catherine, como uma metáfora ao papel de St. Pancras como o terminal da ligação
ferroviária entre a Inglaterra e a França.
Late Turner – Painting Set Free - assista os vídeos ao final do artigo
É a primeira exposição dedicada ao trabalho extraordinário
de JMW Turner entre 1835 e sua morte, em 1851 (dos 60 aos 75 anos de idade). Com
180 obras espetaculares do Reino Unido e do exterior, esta exposição celebra o surpreendente
florescimento criativo de Turner nestes últimos anos, quando ele produziu
muitas de suas melhores pinturas, mas quando também foi controverso e
injustamente incompreendido.
Joseph
Mallord William Turner – “Ancient Rome: Agrippina Landing with the Ashes of Germanicus”
– 1839 – óleo sobre tela – 91,4 x 121,9 cm
Joseph
Mallord William Turner – “The Departure of the Fleet” – 1850 – óleo sobre tela –
89,9 x 120,3 cm
"O mito é que a mente e a mão de Turner falharam cada
vez mais, especialmente depois de 1845, que o seu trabalho declinou e ele
deliberadamente se retirou do engajamento ativo com o público e os
críticos", disse Sam Smiles, o curador da mostra. "Esta exposição
vai demonstrar que isso está muito longe da verdade. Algumas das obras mais
audaciosas e admiráveis de Turner foram produzidos em seus últimos 15
anos".
Joseph
Mallord William Turner – “Returning from the Ball (St Martha)” – 1846 – óleo sobre
tela – 61,6 x 92,4 cm
Joseph
Mallord William Turner – “The Visit to the Tomb” – 1850 – óleo sobre tela – 91,4
x 121,9 cm
Ao assumir um novo olhar sobre as obras tardias de Turner, a
exposição lança nova luz sobre sua vida e arte. Desafiando os mitos, hipóteses
e interpretações que têm crescido em torno de sua obra tardia, revela um pintor
que se distingue tanto pelo amplo alcance do seu conhecimento e da sua imaginação
como por suas técnicas radicais e exploratórias, processos e utilização de materiais.
Joseph
Mallord William Turner – “Goldau, with the Lake of Zug in the Distance: Sample
Study” - circa 1842-3 – lapis, aquarela e caneta sobre papel – 22,8 x 29 cm
Joseph
Mallord William Turner – “The Blue Rigi, Sunrise” – 1842 – aquarela sobre papel
– 29,7 x 45 cm
Mesmo trazendo uma energia renovada para a exploração dos desenvolvimentos
sociais, tecnológicos e científicos da vida moderna, ele manteve-se
profundamente envolvido com temas religiosos, históricos ou mitológicos que o
vinculavam às tradições culturais de sua época.
Joseph
Mallord William Turner – “Fishermen on the Lagoon, Moonlight” – 1840 – aquarela
sobre papel – 19,2 x 28 cm
Joseph
Mallord William Turner – “Snow Storm - Steam-Boat off a Harbour's Mouth” – 1842
– óleo sobre tela – 91,4 x 121,9 cm
A mostra também reúne grandes séries de obras, incluindo um
grupo de 9 incomuns pinturas quadradas, lançando uma luz sobre as técnicas
inovadoras de Turner.
Joseph Mallord William Turner – “Peace - Burial at Sea” – 1842 – óleo sobre tela – 87 x 86,7 cm
Joseph Mallord William Turner (1775-1851) nasceu em Londres,
filho de um barbeiro. Ele entrou na Royal Academy Schools em 1789 aos 14 anos, antes
de se tornar um membro da Royal Academy em 1802 e professor de Perspectiva em
1807. Seu trabalho foi prolífico e variado, incluindo desenhos, gravuras, aquarelas
e óleos. Ao longo de seus últimos anos, ele continuou a viajar pela Europa, sua
última viagem em 1845. Expôs suas últimas quatro obras na Royal Academy em 1850
e morreu em 1851. Seu corpo foi sepultado na cripta da Catedral de St Paul.
Joseph
Mallord William Turner – “Regulus” – 1828 refeito em 1837 – óleo sobre tela –
89,5 x 123,8 cm
Joseph
Mallord William Turner – “The Scarlet Sunset” - circa 1830-40 – aquarela e guache
sobre papel – 13,4 x 18,9 cm
Até 25 de Janeiro de 2015
Tate Britain – Millbank
London SW1P 4RG
Tel.: +44 (0)20 7887 8888
Assista os vídeos:
Aqui o crítico analisa uma das obras da mostra e diz que a arte de Turner é livre e solta e embora muitos o considerem como um dos pais da arte moderna, do impressionismo e abstracionismo, sua obra pode apenas ter sido inacabada e experimental. E diz que o artista americano (expressionista abstrato) Mark Rothko disse essa frase sobre ele: "...esse Turner aprendeu muito comigo".
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