quinta-feira, 10 de julho de 2014

"Jeff Koons: A Retrospective"

Jeff Koons é considerado como um dos artistas mais importantes, influentes, populares e controversos da era pós-guerra. Ao longo de sua carreira, ele foi o pioneiro de novas abordagens para o readymade, testou os limites entre a arte avançada e a cultura de massa, desafiou os limites da fabricação industrial, e transformou a relação de artistas com o culto da celebridade e do mercado global. Sua produção é notavelmente diversa, como um todo multifacetado.

Uma escultura de 37 metros do artista, toda revestida de flores, ocupou a praça do Rockefeller Center. Intitulada “Split-Rocker”, metade dinossauro, metade pônei a peça monumental é inspirada em um brinquedo de um dos filhos de Koons.

Séries de trabalhos:

Infláveis e Pré-novos

Suas primeiras experiências com o readymade envolveram os infláveis baratos que encontrou vasculhando lojas de novidades, no centro de Manhattan. Ele usou esses brinquedos para transformar seu apartamento no East Village em uma instalação desenfreada e fazer esculturas que exploram os fetiches e outras forças irracionais de condução da cultura do consumidor.

Jeff Koons, Inflatable Flowers (Short Pink, Tall Purple), 1979. Vinil, espelhos e acrílico - 40.6 × 63.5 × 45.7 cm. Collection of Norman and Norah Stone. © Jeff Koons

O Novo

Com estas obras e outras que se seguiram, Koons procurou captar a essência da novidade. No entanto, quase paradoxalmente, os aparelhos em suas câmaras anti-sépticas ficaram inevitavelmente datados, o que sugere que a busca eterna e inexorável do "novo e melhorado" na arte e comércio é inerentemente sombreada pela ameaça de obsolescência. O Novo também inclui obras que ocupam o espaço da pintura, neste caso cartazes que proclamam novos produtos e brincam com a distinção entre arte e publicidade.

Jeff Koons, New Hoover Convertibles Green, Blue, New Hoover Convertibles, Green, Blue Doubledecker, 1981–87. Quatro aspiradores, acrílico e luzes fluorescentes - 294.6 × 104.1 × 71.1 cm. Whitney Museum of American Art ©Jeff Koons

Equilibrium

Jeff Koons, One Ball Total Equilibrium Tank (Spalding Dr. J 241 Series), 1985. Vidro, aço, reagente sodium chloride, água destilada e bola de basquete - 164.5 × 78.1 × 33.7 cm. B.Z. and Michael Schwartz. ©Jeff Koons.

Luxo e Degradação

Se em sua série anterior Koons empregou em grande parte objetos que tinham funções práticas, aqui ele aponta para a "degradação" de ser escravo de coisas destinadas principalmente a decorar as nossas vidas e conferem status social ou pelo menos nutrem fantasias dele.

Jeff Koons, I Could Go For Something Gordon’s, 1986. Óleo sobre tela - 114.3 × 219.7 cm. Allison and Warren Kanders. ©Jeff Koons

Estatuária

Ao transformar seus readymades incultos em arte erudita e fazendo suas fontes históricas mais contemporâneas, Koons alcançou uma espécie de nivelamento democrático da cultura. Tomados em conjunto, os trabalhos Estatuária evocam uma profusão de emoções e estilos, melancolia ou alegria, realismo ou caricatura e demonstram a manipulação afiada de Koons de idéias arraigadas sobre a arte e bom gosto.

Jeff Koons, Rabbit, 1986. Aço inoxidável - 104.1 × 48.3 × 30.5 cm. Museum of Contemporary Art Chicago; partial gift of Stefan T. Edlis and H. Gael Neeson, 2000.21. © Jeff Koons

Banalidade

Como em sua série anterior, ele concebeu Banalidade como uma alegoria elaborada, destinada a libertar-nos para abraçar sem constrangimento o nosso carinho de infância pelos brinquedos ou as bugigangas que revestem as prateleiras dos nossos avós.

Jeff Koons, Buster Keaton, 1988. Polychromed wood; 65 3⁄4 x 50 × 26 1⁄2 in. (167 × 127 × 67.3 cm). Edition no. 3/3. The Sonnabend Collection and Antonio Homem. © Jeff Koons

Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1988. Porcelana - 106.7 × 179.1 × 82.6 cm. Private collection. © Jeff Koons

Feita no Paraíso

Made in Heaven prometeu nada menos do que a emancipação da vergonha do sexo. Um outdoor, de 1989 anunciou um longa-metragem que Koons planejava realizar com a estrela pornô famosa Ilona Staller (também conhecida como La Cicciolina), a quem ele contratou para posar com ele em seus sets. Embora Koons, em última instância tenha decidido não fazer o filme, ele se apaixonou por sua co-estrela e produziu uma obra cada vez mais explícita, em que o par desempenhou um Adão e Eva contemporâneo rodeado por símbolos de fidelidade e carinho, como cães e flores. A obra de Koons e a relação pública causou uma sensação na mídia, o que culminou com o casamento do casal e com a abertura da Made in Heaven, em Nova York. Até hoje, a obra não se destaca como pornografia, mas como uma forma extremamente arriscada e vulnerável de auto-retrato, bem como um experimento persistente sobre a fama.

Jeff Koons, Made in Heaven, 1989. Litografia sobre papel sobre tela - 317.5 × 690.9 cm. Rudolf and Ute Scharpff Collection. ©Jeff Koons

Jeff Koons, Ilona on Top (Rosa Background), 1990. Óleo sobre tela - 243.8 × 365.8 cm. Private collection. © Jeff Koons

Celebration

Koons concebeu sua série Celebration, em 1994, como um hino aos acontecimentos que marcam um ano e o ciclo de vida. Tomado como um todo, as dezesseis pinturas e vinte esculturas de Celebration evocam o nascimento, amor, observâncias religiosas e procriação, seja na forma de um ovo rachado, um coração gigante, a parafernália de uma festa de aniversário, ou um animal de balão.

Jeff Koons, Tulips, 1995–98. Óleo sobre tela - 282.9 × 332.7cm. Private collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Balloon Dog (Yellow), 1994–2000. Aço inoxidável polido com revestimento de cor - 307.3 × 363.2 × 114.3 cm. Private collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Moon (Light Pink), 1995–2000. Mirror - Aço inoxidável polido com revestimento de cor - 330.2 × 330.2 × 101.6 cm. Collection of the artist. ©Jeff Koons

Easyfun (Diversão Fácil)

Os espelhos coloridos sugerem uma alegre mistura variada de silhuetas de desenhos animados. Seus rostos em branco e escala exagerada também evocam um sentido mais escuro. Estas obras desviam a atenção de seu criador para os seus espectadores, que elas refletem e distorcem.

Jeff Koons, Loopy, 1999. Oil on canvas; 108 × 79 1⁄4 in. (274.3 × 200.7 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Split-Rocker (Orange/Red), 1999. Alumínio policromado - 34.3 × 36.8 × 33 cm. Collection of B. Z. and Michael Schwartz. ©Jeff Koons

Easyfun e Easyfun-Ethereal

Easyfun e Easyfun-Ethereal sinalizam o início do engajamento de Koons com óleos pintados à mão sobre tela, um meio que ele continua a usar hoje.

Jeff Koons, Junkyard, 2002. Óleo sobre tela - 259.1 × 350.5 cm. Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P. 2011.215. © Jeff Koons

Popeye

A série Popeye tem o nome do marinheiro dos desenhos animados, destaque em alguns dos seus trabalhos, mas o seu verdadeiro sujeito pode ser um reexame estratégico do artista do readymade.

Jeff Koons, Seal Walrus (Trashcans), 2003. Alumínio policromado e aço galvanizado - 170.2 × 76.2 × 91.4 cm. Collection of the artist. © Jeff Koons

Jeff Koons, Olive Oyl, 2003. Óleo sobre tela - 274.3 × 213.4 cm. Private collection. © Jeff Koons

Hulk Elvis

Com Hulk Elvis, Koons estendeu e complicou seu interesse renovado no readymade, empregando tecnologias de ponta para diluir ainda mais a distinção entre coisas reais e as suas cópias.

Jeff Koons, Hulk (Organ), 2004–14. Bronze policromado e técnica mista - 237.5 × 123.5 × 70.8 cm. The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons

Antiguidade

Em Antiguidade Koons olha através de milênios para o Paleolítico e precedentes clássicos que evocam os temas do amor, da beleza e do desejo.

Jeff Koons, Pluto and Proserpina, 2010–13. Aço inoxidável polido com revestimento de cor e arranjos de flores naturais - 327.7 × 167 × 143.3 cm. Oceana Bal Harbour, Bal Harbour, Florida. © Jeff Koons

Gazing Ball

Koons se inspirou nas figuras de gesso tradicionalmente usadas por estudantes de arte e sobre as figuras estão bolas de vidro soprado, um tipo de ornamento de gramado suburbano que Koons lembra de sua infância: "Eu cresci na Pensilvânia, onde as pessoas colocam bolas de vidro em seu quintal. Eles fazem isso como uma forma de mostrar a sua generosidade, pelo menos eu penso dessa forma. É ser generoso com seus vizinhos, porque isso é uma coisa tão visual para fazer, quase como uma extravagância. . . . Eu queria mostrar a minha própria história, então eu comecei a articular mais e mais explicitamente que aceitar a própria história é fundamental para qualquer forma de transcendência na vida."

Jeff Koons, Gazing Ball (Belvedere Torso), 2013. Gesso e vidro - 181.6 × 75.9 × 89.2 cm. Private collection

Jeff Koons - Gazing Ball (Ariadne)

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domingo, 6 de julho de 2014

Pharrell Williams - Happy - legendado

sábado, 5 de julho de 2014

Klimt et Vienne – Un Siècle D´or et de Couleurs - espetáculo multimídia

"Klimt e Viena, Um Século de Ouro e Cores" é um show multimídia com projeções e música que leva você a uma viagem através de 100 anos de pintura vienense, ao coração das obras brilhantes, coloridas de Gustav Klimt, seus contemporâneos e os artistas que ele inspirou.

Gustav Klimt (1862-1918) foi um dos grandes pintores decorativos que trabalharam nos monumentos majestosos da Ringstrasse na Viena imperial no final do século 19. No alvorecer do novo século, ele liderou a Secessão Vienense. Ouro e os motivos decorativos que são característicos das obras de Klimt, continuarão a ser um símbolo dessa revolução artística. Esta mostra apresenta obras próprias que fizeram Klimt um sucesso: o seu período áureo, seus retratos e suas paisagens.

Primeiro plano: Le Baiser e à direita: Les Amies e mais adiante: Judith et Holopherne

As paredes da pedreira Carrières du Val d'Enfer acolhem obras de artistas vienenses como Egon Schiele (1890-1918) e Friedensreich Hundertwasser (1928-2000) que foram influenciados pela obra de Klimt. Motivados pela característica efervescência artística do final do século 19, Schiele representou paisagens e o corpo humano de uma maneira nova. Algumas décadas mais tarde, Hundertwasser encarnou um renascimento artístico fortemente influenciado pela revolução que Klimt tinha começado. Sua pintura e sua arquitetura, ancoradas no pleno respeito da natureza e do homem, refletem a fonte da vida e os elementos.

Foto: Gilles Garnier Photographe

Este novo show no Carrieres de Lumières oferece uma perspectiva original sobre Klimt e seus sucessores através de retratos, paisagens, nús, cores e douramento que revolucionou a pintura vienense no século 20.

Foto: Gilles Garnier Photographe

As sequências:

Viena Neoclássica

Quando o show inicia, estamos mergulhados em Viena no Museu Kunsthistoriches, cuja arquitetura e formas decorativas progressivamente tomam forma sobre as superfícies do Carrières. Primeiro, o teto, em seguida, os pilares e, finalmente, as pinturas neoclássicas criados por Hans Makart (1840-1884), pintor oficial do imperador, e o jovem Gustav Klimt. Partes decoradas da arquitetura do palácio e seus afrescos aparecem na pedra dos Carrières, quase como se tivessem momentaneamente abandonado a escadaria sobre a qual são vistas desde que o museu foi inaugurado em 1891.

The Italian Renaissance - Virgin and Child (detalhe)

O diálogo entre a pintura e a arquitetura, então, continua sob os lustres do Burgtheater, o teatro nacional vienense que data do final do século 19. O teto se ilumina para permitir que os visitantes apreciem o estilo do trabalho de Franz Matsch e Gustav Klimt: o show oferece uma oportunidade única para examinar os afrescos mitologicamente temáticos de perto. Makart, que trabalhou antes e, ao mesmo tempo, com Klimt, é reverenciado como uma figura importante da pintura acadêmica vienense do fin de siècle em Viena. Sua pintura ricamente detalhada e lírica é inconfundivelmente clássica em inspiração, e é fortemente influenciada pelo Settecento veneziano.

Ancient Theatre in Taormina

Klimt e Secessão Vienense

Uma mudança de estilo que leva a uma mudança de escopo. Em 1897, Gustav Klimt foi um dos fundadores da Secessão Vienense, um movimento determinado a trabalhar fora das restrições do conservadorismo social, político e estético e convencido de que a arte tinha uma vocação mais ampla que se estendia além da pintura, abrangendo todas as artes decorativas.

A Secessão Vienense é mais comumente expressa na arquitetura. Por exemplo, Otto Wagner projetou estações de metrô, sendo a mais famosa, a estação Karlsplatz com seus vitrais.

Fachada do edifício da Secessão Vienense

Frise de Beethoven exposto no Palais de la Sécession

Formas orgânicas começaram a enfeitar as fachadas de edifícios vienenses, composições florais e motivos vegetais estilizados dominadas por verdes e dourados. O edifício icônico da Secessão, acima de cuja entrada se inscrevem as palavras "Para cada época sua arte. Para a arte a sua liberdade", provou ser o coração desse novo movimento vienense, a própria encarnação da busca de uma "arte total". Esta mesma busca por um novo estilo também foi visto no design gráfico usado em cartazes e em Ver Sacrum, a revista mensal do movimento secessionista. A linguagem gráfica exibida hoje nas paredes Carrières sublinha esta preferência por linhas curvas, formas ilustradas e tipografia gótica estilizada.

Foto: Gilles Garnier Photographe

Klimt e Ouro

Carregado de simbolismo, o famoso Beethoven Frieze de Klimt, criado em 1902, encontrou o seu cenário perfeito na nova arquitetura do edifício Secession - e hoje ilumina as paredes de Carrières. A mostra revela lentamente os personagens alegóricos antes de finalmente reconstituir todo o trabalho e sua riqueza de detalhes. O espaço é dividido por uma justaposição de formas geométricas estilizadas, uma clara homenagem aos mosaicos bizantinos que tanto impressionaram Klimt durante sua visita a Ravena.

Judith et Holopherne e à direita: Le Portrait d´Adele Bloch-Bauer

Filho de um ourives, Klimt incorporou a folha de ouro para realçar a beleza de seus temas e para aumentar a sensação de magia e de preciosidade. Desse modo, ele consegue investir seus trabalhos com um sentido de intemporalidade, onde a ausência de perspectiva e a supressão de sombra contêm ecos de ícones religiosos. Ele adornou as paredes do Palais Stoclet com uma magnífica árvore da vida rodopiante, cujos galhos de ouro entrelaçados hoje se desfraldam pelas paredes de Carrières. Durante a sua Idade de Ouro, Klimt completou várias obras-primas, incluindo O Beijo, Danaë eo Retrato de Adele Bloch-Bauer I.

Klimt e Natureza

Durante suas muitas viagens de verão para as margens do lago Attersee na Áustria, Klimt pintou paisagens. Jardins, pomares e campos são transformados pelo olho do artista. Formalmente livres da narrativa e figuras humanas, estas obras nos mergulham em uma vida vegetal que nos convida à contemplação, da mesma forma que as margens do lago parecem contemplar o seu reflexo na calmaria da superfície. No Carrières, o piso torna-se um tapete de incontáveis flores com uma admiravelmente rica paleta de cores em uma homenagem ao pontilhismo.

Foto: Gilles Garnier Photographe

O show leva-nos à vegetação rasteira e, em seguida, a uma floresta cujas fileiras de troncos de árvores cerradas lembram as colunas de um templo de plantas. Na borda da floresta, vislumbramos uma aldeia.

Église à Cassonne

Egon Schiele

As casas da aldeia são obra de Egon Schiele. Penduradas sob as janelas, a roupa se move ao sabor da brisa que pressagia a chegada do outono, quando as árvores vão ser despojadas de sua folhagem. Os ritmos da vida continuam por trás dessas fachadas, com as janelas fechadas e abertas. Influenciado por Klimt, Egon Schiele construiu suas aldeias como patchworks, como composições compreendendo planos sucessivos. Não há nada de realista sobre elas, mas suas cores melancólicas e linhas atormentadas oferecem um vislumbre da paisagem mental de Schiele.

Egon Schiele - Maison Avec Linge Séchant e à direita Quatre Arbres - Foto: Gianfranco Iannuzzi

Os temas de Egon Schiele são marionetes desengonçadas que dançam através das superfícies de Carrières, na forma de Eros e Thanatos. Os corpos retorcidos espalham-se pelas pedras, o erotismo flertando com a morte. Os olhares penetrantes destes retratos e auto-retratos convidam os visitantes a entrar na dança.

Egon Schiele - Maison Avec Linge Séchant e à direita Quatre Arbres - Foto: Gianfranco Iannuzzi

Klimt e Mulheres

As figuras pintadas por Egon Schiele agora movem-se de lado para dar espaço para as mulheres de Klimt. O ouro é substituído pela cor que rodeia as mulheres e as eleva a um plano superior. Meninas, mulheres grávidas, mulheres mais velhas, a bela e a menos bonita, esta é uma galeria de retratos que representa a feminilidade em todas as suas formas. Seus rostos finamente desenhadas são carregados de poder expressivo. Arrogantes ou abandonadas, estas são mulheres fascinantes que retribuem a ternura com que o artista as via.

Primeiro plano: Les Trois Âges de la Femme e à direita: La Vierge

Eles são seguidos por pinturas em um estilo mais existencial, lidando com as várias fases da vida - nascimento, juventude, velhice e morte. A mostra se concentra nos detalhes de motivos ornamentais que tendem para uma forma de arte mais puramente abstrata.

La Vierge

Water Snakes

Friedensreich Hundertwasser

Na seqüência final, o mundo pictórico de Friedensreich Hundertwasser toma posse do Carrières. Hundertwasser foi um pintor e arquiteto cuja obra foi inspirada pelo movimento Secessão Vienense algumas décadas mais tarde. Sua cidade ideal seria construída de pedra. Como Klimt e Schiele, Hundertwasser abandonou a perspectiva em favor de planos sucessivos, e, como eles, ele também preferiu uma linha animada descrevendo formas irregulares, do que uma linha reta simples. Ele sentia que "as linhas retas são um perigo criado pelo homem, já que elas são estranhas à natureza da humanidade, da vida, de toda a criação".

Friedensreich Hundertwasser - 633 Missed Spring

Fachadas de cores vibrantes são rimadas com janelas com uma geometria rebelde, desfraldando suas linhas para criar um mundo utópico, com a natureza como modelo e a humanidade como seu centro. Suas pinturas são explosões de cor, cuja espiral interminável leva-nos numa viagem até o manancial de vida e as forças naturais.

Friedensreich Hundertwasser - 691 A Irinaland Over the Balkans

A trilha sonora para o show:

Uma série de peças cuidadosamente escolhidas acompanham o evento, alternando a música clássica com a mais moderna e define as imagens em movimento:

Sequência de "Viena Neoclássica" - Tannhauser overture, de Wagner.

Sequência de "Klimt e Secessão Vienense" - Schneeglöckchen-Walzer, op. 143, de Johann Strauss / / Sinfonia N º 9 - Scherzo por Beethoven.

Sequência de "Klimt e Ouro" - Symphony No. 9 - Choral por Beethoven / / Burleske para piano e orquestra em D menor por Richard Strauss.

Sequência de "Klimt e a Natureza" - "Ich bin der Welt gekommen abhanden" Lied por Mahler.

Sequência de "Schiele" - Cadenza: Concerto "No. 5" para piano e orquestra de Rachmaninoff / Warenberg.

Sequência de "Klimt e Mulheres" - "Meine Lippen, sie küssen tão heiß" de Giuditta por Lehar / / Madame Butterfly - Chorus Humming por Puccini.

Sequência de "Hundertwasser" - Sarma pelo Kronos Quartet.

Final - "Burleske" para piano e orquestra em D menor por Richard Strauss.

Foto: Gilles Garnier Photographe

No coração de Alpilles, o monumental "Carrières de Lumières" sedia espetáculos multimídia extraordinários que são únicos no mundo. Está situado em um lugar misterioso: o "Val d'Enfer". Esse vale com extraordinários depósitos minerais sólidos tem inspirado artistas há muito tempo. A pedreira Carrières du Val d'Enfer foi criada para extrair a bauxita e calcário branco usados na construção do Chateau e Les Baux. Os Carrières receberam uma nova vida na década de 1960, graças a Jean Cocteau, que decidiu filmar "O Testamento de Orfeu" aqui. Carrières de Lumières é de propriedade do Município de Baux-de-Provence e é gerido e desenvolvido pela Culturespaces desde 2012.

De 7 de Março de 2014 a 4 de Janeiro de 2015 – Duração do show: 35 minutos

Carrières de Lumières

Route de Maillane 13520, Les Baux de Provence, França

Tel.: +33 4 90 54 55 56

Assista os vídeos:

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quarta-feira, 2 de julho de 2014

Ilustração do mês de Julho: "La Belle Jardiniere – July" - Eugène Grasset, 1896

Abraham Palatnik – A Reinvenção da Pintura

Exposição de 97 obras, sendo 90 do artista, mais um pôster produzido pelo pintor e artista gráfico Almir Mavignier e uma série de seis obras do acervo do Museu de Imagens do Inconsciente, de dois internos do Hospital Psiquiátrico Dom Pedro II, em Engenho de Dentro (RJ), que influenciaram diretamente a carreira de Palatnik.

Objetos Cinéticos

É a maior mostra já realizada do artista, consagrado pela criação de obras marcadas pela fusão entre o movimento, o tempo e a luz. Ao unir estética à tecnologia, Palatnik utiliza movimento, luz e tempo como instrumentos para a criação de obras com grande potencial visual e poético, lançando os fundamentos de uma corrente artística que ficou conhecida como arte cinética, na qual as fronteiras entre pintura e escultura se confundem e se ampliam.

Aos 86 anos, o artista residente no Rio de Janeiro é um dos pioneiros e a maior referência em arte cinética no Brasil, corrente que explora efeitos visuais por meio de movimentos físicos e ilusão de ótica, utilizando pesquisa visual e rigor matemático em obras com instalações elétricas que criam movimentos e jogo de luzes. Do homenageado são expostas 90 obras, desde óleos sobre tela do início da carreira a trabalhos recentes como da série W, de acrílica sobre madeira. Estão presentes as séries mais célebres:Aparelhos Cinecromáticos, Objetos Cinéticos e Objetos Lúdicos, além de móveis dos anos 1950, Relevos Progressivos e asProgressões, em que o jacarandá é o meio e o tema para pintura. Em São Paulo, são exibidos exclusivamente obras do artista que pertencem ao acervo do MAM: Objeto Cinético (1986), Progressão K-40 (1986), Mobilidade IV (1959/99), Aparelho Cinecromático(1969/86) e o pôster produzido por Almir Mavignier, em 1964, para uma exposição do Palatnik na Alemanha.

Nascido em Natal (RN), filho de russos, Palatnik passou a infância em Tel-Aviv, Israel, onde fez curso de especialização em motores de explosão. Aos 20 anos, voltou permanentemente para o Brasil. O jovem artista mudou a forma de ver, fazer e entender arte quando conheceu o Hospital Psiquiátrico Dom Pedro II, coordenado pela Dra. Nise da Silveira, levado por Almir Mavignier, orientador do ateliê de pintura da instituição. Ao ver obras de pacientes esquizofrênicos, que apresentavam uma produção excepcional, mesmo sem estudos sobre arte, Palatnik percebeu que realizava algo inócuo frente àquela produção rica de artistas que na grande maioria desconhecia o significado da expressão “arte”. Assim, abandonou os pincéis e passou a ter uma relação mais livre entre forma e cor.

Aprofundando os estudos sobre psicologia da forma e usando os dotes como engenheiro, ele começou os experimentos com luz e movimento que deram origem aos Aparelhos Cinecromáticos - caixas com lâmpadas e telas coloridas que se movimentam acionadas por motores, um mecanismo que gera uma série de imagens de luzes e cores em movimento, que unem lirismo e jogo de percepção-, e aos Objetos Cinéticos – aparelhos constituídos por hastes ou fios metálicos que possuem nas extremidades discos de madeira pintados de várias cores, além de placas que se movimentam lentamente, acionado por motores ou eletroímãs, dando à mecânica uma dimensão estética que provoca encantamento com os movimentos rotativos.

Esse uso inusitado que Palatnik faz da tecnologia e sua originalidade fez com que a classe artística e os júris especializados focassem e admirassem seus trabalhos. Durante a I Bienal de São Paulo, em 1951, a comissão internacional não sabia como qualificar a obra Aparelho Cinecromático Azul e roxo em seu primeiro movimento. A obra não era uma escultura, tão pouco uma pintura. Era algo que não se enquadrava nas categorias da Bienal. A solução encontrada para garantir o reconhecimento pelo trabalho original e inovador foi lhe dar uma menção honrosa.

É importante destacar que a exposição pensa a obra de Abraham Palatnik como um trabalho pictórico, e como a pintura – na concepção múltipla e ampliada – pode ser vista e estudada mesmo em objetos tridimensionais. “Seja nos Aparelhos Cinecromáticos, nos Objetos Cinéticos ou nas pinturas, o artista não abre mão da artesania e de certa gambiarra, que ao longo dos anos foi desaparecendo” explica Scovino. “Hoje os cortes feitos na madeira para a execução da série W são produzidos a laser e não mais na casa do artista por meio de uma máquina cuja precisão era infinitamente menor que a do laser,” afirma.

Em 1954, Palatnik cria com o irmão Aminadav a fábrica de móveis Arte Viva, que funcionou até meados da década seguinte. A experimentação que guiava o trabalho no ateliê foi deslocada para a fábrica, onde foram produzidos vários tipos de mesa com tampos de vidro pintados pelo artista, além de poltronas, cadeiras e sofás. Na década de 1970, Palatnik e o irmão inauguram a Silon, produzindo em larga escala objetos de design, sempre em formato de animais. “A obra só adquiria sentido pleno se alcançasse a vida, a rotina e o uso mais comum do cidadão. Mais uma vez, percebemos a insatisfação com a estagnação, um desejo contínuo de pesquisa e de integração de distintas áreas como escultura, pintura, tecnologia, física, móveis e design”, explica o curador.

Nos Relevos Progressivos, realizados a partir dos anos 1960, o sequenciamento dos cortes na superfície do material – cartão, metal ou madeira – cria camadas que variam dependendo da profundidade e localização do corte, constituindo a própria dinâmica. Na década de 1970, Palatnik produziu a série Progressões, que são pinturas formadas por intervalos de jacarandá montados em sequências de lâminas finíssimas. Aproveitando a materialidade dos veios, nós e outras marcas naturais, percebe-se a estrutura de desenhos e gestos que demarcam um corpo vivo e dinâmico. Progressões também se desmembrou a partir dos anos 1990 na sérieW, em que sai o jacarandá e entra a tinta acrílica.
Texto: MAM

Curadoria: Pieter Tjabbes e Felipe Scovino

Até 15 de Agosto de 2014 - Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM)

Parque do Ibirapuera - Av. Pedro Álvares Cabral s/n° - Portão 3

Tel.: (11) 5085-1300

terça-feira, 1 de julho de 2014

Jogo de xadrez em cristal Baccarat, feito em comemoração do 250° aniversário da icônica marca de cristais

Jogo de xadrez em cristal, feito em comemoração do 250° aniversário da icônica marca de cristais Baccarat
Com 32 peças e tabuleiro em cristal incolor e azul, cortadas à mão, em edição limitada, com design Harcourt
Design: Nendo

Com a permissão do rei Luis XV, o bispo de Metz, monsenhor Louis De Montmorency-Laval, funda em 1764 a companhia de cristais Baccarat, na província de Lorraine, à leste da França. Estavam implantadas as raízes daquela que viria a ser uma das mais conceituadas cristalerias do mundo.

O primeiro cristal fabricado data de 15 de novembro de 1816. Foi transformada em primeira cristalerias da França em 1817. Desde então, a marca é sinônimo universal de lapidação precisa, manufatura delicada em objetos únicos e nas formas mais variadas. Vasos, cinzeiros, lustres, espelhos, candelabros e acessórios femininos. De reis a plebeus abastados, Baccarat é status e opulência, charme e sofisticação real. A fábrica sobreviveu às guerras e revoluções, sempre produzindo copos, garrafas, baldes (muitos encomendados com monogramas), seus tradicionais lustres em cascata, abajures, jóias, bijuterias, frascos de perfumes,esculturas, maçanetas, entre outros. As peças são lapidadas à mão como pedras preciosas, em processo artesanal com caprichos e requintes.

No começo do século XX, a Baccarat produziu frascos de cristal lapidado para perfumistas. como Guerlain, D'Orsay, Chanel, Dior e Jean Patou, entre outros.