Romy
Schneider, Alain Delon e Sophia Loren, Cannes, 1962
Algumas fotos vintage do Festival de Cinema de Cannes
O Festival de Cinema de Cannes foi criado em 1946, conforme
concepção de Jean Zay. É um dos mais prestigiados e famosos festivais de cinema
do mundo. Acontece todos os anos, no mês de maio, na cidade francesa de Cannes.
O "Mercado do Filme" (Marché du Film) é realizado em paralelo ao
festival.
No final dos anos 1930, chocado pela ingerência dos governos
fascistas alemão e italiano na seleção dos filmes da Mostra de Veneza, Jean
Zay, ministro da Instrução Pública e de Belas Artes, propõe a criação, em
Cannes, de um festival cinematográfico de nível internacional. Em junho de
1939, Louis Lumière aceita ser o presidente da primeira edição do festival, que
deveria acontecer do 1 ao 30 de setembro. A declaração de guerra da França e do
Reino Unido à Alemanha em 3 de setembro põe fim prematuramente a essa decisão,
apesar de o prêmio ter sido atribuído ao filme "Union Pacific", de Cecil B. DeMille. A
primeira edição do festival aconteceu realmente em 1946. Em 1955, foi introduzida
pelo comitê organizador a Palma de Ouro como prêmio principal do evento. Antes
desta data, ele era conhecido como Grand Prix du Festival International du
Film.
Brigitte Bardot (no centro da foto) e Robert Mitchum durante o Festival de
Cannes em 1953
Grace Kelly em Cannes para o Festival Internacional de
Cinema de 1955. Nesta viagem ela conheceu o príncipe Rainier de Mônaco com quem
casou
Romy
Schneider e Alain Delon, Cannes, 1959
Natalie Wood e Warren Beatty posam para os fotógrafos na
praia durante o Festival de Cannes em 1962 - Photo by Paul Schutzer/Time &
Life Pictures/Getty Images
Alfred Hitchcock e Tippi Hedren no Festival de Cannes de
1963
Joanne
Woodward e Paul Newman, Cannes, 1973
Arnold Schwarzenegger, o ator de cinema que se tornou famoso
como o Mr. Universe, na praia de Cannes, durante o Festival de Cinema, com as garotas do Folies Bergere - Photo by Keystone/Getty Images
Jodie
Foster, Robert De Niro e Harvey Keitel, Cannes, 1976
O arquiteto japonês Sou Fujimoto criou uma instalação em
Paris, nos Jardins des Tuileries composta por cubos de metal suspensos e
plantas, para a feira de arte FIAC. Encomendada pela galeria de arte parisiense
Philippe Gravier, a instalação é composta pos diversas caixas empilhadas -
algumas contendo plantas e árvores de pequeno porte - que estão conectadas em apenas
um canto, lado ou borda. Juntas, eles criam uma estrutura com balanço e
aberturas aleatórias em uma avenida arborizada no parque Tuileries. Um vazio no
centro representa a "sala de estar", com entradas formais em ambos os
lados e muitos outros pontos de acesso.
A estrutura pretende representar uma casa "nômade"
e servir, em parte, como uma intervenção arquitetônica e, em parte, como uma
escultura. "As massas flutuantes criam uma nova experiência do espaço, um
ritmo de sombras e luzes piscando, como sob as árvores", disse Fujimoto. "A
arquitetura da instalação forma um elemento unificado cujo equilíbrio e
estabilidade são cuidadosamente projetados: as posições de cada cubo e de cada
árvore participam para a estabilidade geral, trazendo toda a arquitetura mais
perto da natureza".Sustentados por uma estrutura de aço, os cubos são feitos de
folhas de alumínio anodizado que foram individualmente cortadas à mão para
caber no lugar.
Uma pequena torre de andaimes próxima à instalação contem um
projetor a partir do qual imagens são projetadas sobre as superfícies dos cubos
de um lado da estrutura. Projetado pelo artista de iluminação Patrick Rimoux,
estas imagens variam de padrões de cores abstratas a números tipográficos e
nuvens em movimento.
A instalação faz parte de uma série de peças que a galeria
encomendou a artistas e arquitetos, e que as descrevem como "joias"
ou "loucuras" arquitetônicas. São estruturas nômades, removíveis e
duráveis, que podem ser inscritas tanto na paisagem artística quanto na
ambiental", disse Philippe Gravier.
A instalação é o primeiro trabalho de Fujimoto em Paris. Vem
na sequência do projeto popular do arquiteto para a Serpentine Gallery
Pavilion, em Londres, no ano passado.
Les Années 50 - exposição sobre a moda dos anos 1950 em Paris
A poucos passos de distância das boutiques de alta costura
de maior prestígio, o Museu Galliera está localizado num palácio de inspiração
renascentista. Através de exposições monográficas temporárias – de grandes
figuras da moda - ou exposições temáticas - por década, tipo de roupa,
tendências e influências - o museu exibe parte de sua frágil coleção de valor
inestimável, que testemunha o gênio criativo na moda a partir do do século 18
aos dias de hoje. O museu não exibe sua coleção permanente.
Em fevereiro de 1947, a primeira coleção de Christian Dior
revolucionou os códigos de moda e feminilidade. Esta exposição olha para as
grandes momentos que a indústria de moda experimentou durante esta década
decisiva, que foi a era de ouro da alta costura.
Saias corola, sapatos de ponta fina, estampas florais e
listradas de cores claras, paletós de cintura-vespa com saias retas, vestidos
tomara-que-caia, vestidos de cocktail, bordados com cristal de rocha: tal era a
costura dos anos cinquenta. Ao mesmo tempo, porém, um estilo mais descontraído
- pulôveres justos, calças Corsário, jeans - estava sendo adotado pela geração
baby boom.
No início de 1947, Christian Dior lançou a primeira coleção
de sua grife. A guerra tinha chegado ao fim e também a imagem da "menina soldado
com construção de um boxeador”. Em seu lugar veio a "mulher-flor" de
Dior, com busto proeminente, cintura fina, barriga chata, quadris arredondados
e saia muito ampla. Imediatamente apelidada "New Look" pela editora-chefe
da Harper Bazaar, Carmel Neve, a "figura
ampulheta” e sua demanda extravagante por tecido criou um furor -, mas também
fez o sucesso instantâneo e deslumbrante que se tornou o emblema da década.
Outros estilos concorrentes eram igualmente notáveis: a
linha 'barril' da Balenciaga com sua silhueta “evasée”; e, no pólo oposto do
New Look, a linha Chanel de 1954, dramaticamente inovadora , com seus trajes
simples, retos.
A década de 1950 foi um período decisivo para a alta-costura
francesa, que tinha sofrido na esteira da queda bolsa em 1929 e da guerra, que
então renasceu e se fez eterna. A lista de nomes diz tudo: Jacques Heim,
Chanel, Schiaparelli, Balenciaga, Jacques Fath, da velha-guarda; seguida pelos
novatos Pierre Balmain, Christian Dior, Jacques Griffe, Hubert de Givenchy e Pierre
Cardin. Paradoxalmente o domínio da moda francesa dependia não só do prestígio
de nomes que soletravam luxo, elegância e originalidade, mas também da vontade
de fazer o movimento revolucionário do “prêt-a-porter”.
Em 1954 a “Couturiers Associés” – Jacques Fath, Robert
Piguet, Paquin, Carven, Jean Dessès – fundaram a primeira empresa de
licenciamento “prêt-a-porter” de alta costura.
Selecionadas a partir da coleção do Palais Galliera e
ostentando os rótulos dos costureiros mais famosos, assim como outros agora
esquecidos (Jean Dessès, Madeleine Vramant, Lola Prusac), as peças notáveis
que compõem esta exposição - cerca de 100 modelos e acessórios - retraçam a
evolução da forma feminina na década 1947-1957: a partir do nascimento do New
Look até a morte de Christian Dior e o advento de Yves Saint Laurent.
Na década de 1950 a alta-costura e o “prêt-a-porter” foram
um dos principais setores econômicos da França e um verdadeiro caldo de cultura
de moda. Esta foi a idade de ouro da alta-costura, quando Paris recuperou o seu
título de capital da moda mundial.
Assista o vídeo da exposição:
Até 2 de Novembro de 2014
Palais Galliera – Musée de la Mode de la Ville de Paris - em Paris, França
Klimt et
Vienne – Un Siècle D´or et de Couleurs - espetáculo multimídia
"Klimt e Viena, Um Século de Ouro e Cores" é um
show multimídia com projeções e música que leva você a uma viagem através de
100 anos de pintura vienense, ao coração das obras brilhantes, coloridas de
Gustav Klimt, seus contemporâneos e os artistas que ele inspirou.
Gustav Klimt (1862-1918) foi um dos grandes pintores
decorativos que trabalharam nos monumentos majestosos da Ringstrasse na Viena
imperial no final do século 19. No alvorecer do novo século, ele liderou a
Secessão Vienense. Ouro e os motivos decorativos que são característicos das
obras de Klimt, continuarão a ser um símbolo dessa revolução artística. Esta
mostra apresenta obras próprias que fizeram Klimt um sucesso: o seu período
áureo, seus retratos e suas paisagens.
Primeiro plano: Le Baiser e à direita: Les Amies e mais adiante: Judith et Holopherne
As paredes da pedreira Carrières du Val d'Enfer acolhem
obras de artistas vienenses como Egon Schiele (1890-1918) e Friedensreich
Hundertwasser (1928-2000) que foram influenciados pela obra de Klimt. Motivados
pela característica efervescência artística do final do século 19, Schiele representou
paisagens e o corpo humano de uma maneira nova. Algumas décadas mais tarde,
Hundertwasser encarnou um renascimento artístico fortemente influenciado pela
revolução que Klimt tinha começado. Sua pintura e sua arquitetura, ancoradas no
pleno respeito da natureza e do homem, refletem a fonte da vida e os elementos.
Foto: Gilles Garnier Photographe
Foto: Gilles Garnier Photographe
Este novo show no Carrieres de Lumières oferece uma
perspectiva original sobre Klimt e seus sucessores através de retratos,
paisagens, nús, cores e douramento que revolucionou a pintura vienense no
século 20.
Foto: Gilles Garnier Photographe
As sequências:
Viena Neoclássica
Quando o show inicia, estamos mergulhados em Viena no Museu
Kunsthistoriches, cuja arquitetura e formas decorativas progressivamente tomam
forma sobre as superfícies do Carrières. Primeiro, o teto, em seguida, os
pilares e, finalmente, as pinturas neoclássicas criados por Hans Makart
(1840-1884), pintor oficial do imperador, e o jovem Gustav Klimt. Partes decoradas
da arquitetura do palácio e seus afrescos aparecem na pedra dos Carrières,
quase como se tivessem momentaneamente abandonado a escadaria sobre a qual são
vistas desde que o museu foi inaugurado em 1891.
The Italian Renaissance - Virgin and Child (detalhe)
O diálogo entre a pintura e a arquitetura, então, continua
sob os lustres do Burgtheater, o teatro nacional vienense que data do final do
século 19. O teto se ilumina para permitir que os visitantes apreciem o estilo do
trabalho de Franz Matsch e Gustav Klimt: o show oferece uma oportunidade única
para examinar os afrescos mitologicamente temáticos de perto. Makart, que
trabalhou antes e, ao mesmo tempo, com Klimt, é reverenciado como uma figura
importante da pintura acadêmica vienense do fin de siècle em Viena. Sua pintura
ricamente detalhada e lírica é inconfundivelmente clássica em inspiração, e é
fortemente influenciada pelo Settecento veneziano.
Ancient Theatre in Taormina
Klimt e Secessão Vienense
Uma mudança de estilo que leva a uma mudança de escopo. Em
1897, Gustav Klimt foi um dos fundadores da Secessão Vienense, um movimento
determinado a trabalhar fora das restrições do conservadorismo social, político
e estético e convencido de que a arte tinha uma vocação mais ampla que se
estendia além da pintura, abrangendo todas as artes decorativas.
A Secessão Vienense é mais comumente expressa na
arquitetura. Por exemplo, Otto Wagner projetou estações de metrô, sendo a mais famosa, a estação Karlsplatz com seus
vitrais.
Fachada do edifício da Secessão Vienense
Frise de Beethoven exposto no Palais de la Sécession
Formas orgânicas começaram a enfeitar as fachadas de
edifícios vienenses, composições florais e motivos vegetais estilizados
dominadas por verdes e dourados. O edifício icônico da Secessão, acima de cuja
entrada se inscrevem as palavras "Para cada época sua arte. Para a arte a
sua liberdade", provou ser o coração desse novo movimento vienense, a própria
encarnação da busca de uma "arte total". Esta mesma busca por um novo
estilo também foi visto no design gráfico usado em cartazes e em Ver Sacrum, a
revista mensal do movimento secessionista. A linguagem gráfica exibida hoje nas
paredes Carrières sublinha esta preferência por linhas curvas, formas ilustradas
e tipografia gótica estilizada.
Foto: Gilles Garnier Photographe
Klimt e Ouro
Carregado de simbolismo, o famoso Beethoven Frieze de Klimt,
criado em 1902, encontrou o seu cenário perfeito na nova arquitetura do
edifício Secession - e hoje ilumina as paredes de Carrières. A mostra revela
lentamente os personagens alegóricos antes de finalmente reconstituir todo o
trabalho e sua riqueza de detalhes. O espaço é dividido por uma justaposição de
formas geométricas estilizadas, uma clara homenagem aos mosaicos bizantinos que
tanto impressionaram Klimt durante sua visita a Ravena.
Judith et Holopherne e à direita: Le Portrait d´Adele Bloch-Bauer
Filho de um ourives, Klimt incorporou a folha de ouro para
realçar a beleza de seus temas e para aumentar a sensação de magia e de
preciosidade. Desse modo, ele consegue investir seus trabalhos com um sentido
de intemporalidade, onde a ausência de perspectiva e a supressão de sombra
contêm ecos de ícones religiosos. Ele adornou as paredes do Palais Stoclet com
uma magnífica árvore da vida rodopiante,
cujos galhos de ouro entrelaçados hoje se desfraldam pelas paredes de Carrières.
Durante a sua Idade de Ouro, Klimt completou várias obras-primas, incluindo O
Beijo, Danaë eo Retrato de Adele Bloch-Bauer I.
Klimt e Natureza
Durante suas muitas viagens de verão para as margens do lago
Attersee na Áustria, Klimt pintou paisagens. Jardins, pomares e campos são
transformados pelo olho do artista. Formalmente livres da narrativa e figuras
humanas, estas obras nos mergulham em uma vida vegetal que nos convida à contemplação,
da mesma forma que as margens do lago parecem contemplar o seu reflexo na
calmaria da superfície. No Carrières, o piso torna-se um tapete de incontáveis
flores com uma admiravelmente rica paleta de cores em uma homenagem ao
pontilhismo.
Foto: Gilles Garnier Photographe
O show leva-nos à vegetação rasteira e, em seguida, a uma
floresta cujas fileiras de troncos de árvores cerradas lembram as colunas de um
templo de plantas. Na borda da floresta, vislumbramos uma aldeia.
Église à Cassonne
Egon Schiele
As casas da aldeia são obra de Egon Schiele. Penduradas sob as
janelas, a roupa se move ao sabor da brisa que pressagia a chegada do outono,
quando as árvores vão ser despojadas de sua folhagem. Os ritmos da vida
continuam por trás dessas fachadas, com as janelas fechadas e abertas.
Influenciado por Klimt, Egon Schiele construiu suas aldeias como patchworks,
como composições compreendendo planos sucessivos. Não há nada de realista sobre
elas, mas suas cores melancólicas e linhas atormentadas oferecem um vislumbre
da paisagem mental de Schiele.
Egon Schiele - Maison Avec Linge Séchant e à direita Quatre Arbres - Foto: Gianfranco Iannuzzi
Os temas de Egon Schiele são marionetes desengonçadas que
dançam através das superfícies de Carrières, na forma de Eros e Thanatos. Os
corpos retorcidos espalham-se pelas pedras, o erotismo flertando com a morte.
Os olhares penetrantes destes retratos e auto-retratos convidam os visitantes a
entrar na dança.
Egon Schiele - Maison Avec Linge Séchant e à direita Quatre Arbres - Foto: Gianfranco Iannuzzi
Klimt e Mulheres
As figuras pintadas por Egon Schiele agora movem-se de lado
para dar espaço para as mulheres de Klimt. O ouro é substituído pela cor que
rodeia as mulheres e as eleva a um plano superior. Meninas, mulheres grávidas,
mulheres mais velhas, a bela e a menos bonita, esta é uma galeria de retratos
que representa a feminilidade em todas as suas formas. Seus rostos finamente
desenhadas são carregados de poder expressivo. Arrogantes ou abandonadas, estas
são mulheres fascinantes que retribuem a ternura com que o artista as via.
Primeiro plano: Les Trois Âges de la Femme e à direita: La Vierge
Eles são seguidos por pinturas em um estilo mais
existencial, lidando com as várias fases da vida - nascimento, juventude,
velhice e morte. A mostra se concentra nos detalhes de motivos ornamentais que
tendem para uma forma de arte mais puramente abstrata.
La Vierge
Water Snakes
Friedensreich Hundertwasser
Na seqüência final, o mundo pictórico de Friedensreich
Hundertwasser toma posse do Carrières. Hundertwasser foi um pintor e arquiteto
cuja obra foi inspirada pelo movimento Secessão Vienense algumas décadas mais
tarde. Sua cidade ideal seria construída de pedra. Como Klimt e Schiele,
Hundertwasser abandonou a perspectiva em favor de planos sucessivos, e, como
eles, ele também preferiu uma linha animada descrevendo formas irregulares, do
que uma linha reta simples. Ele sentia que "as linhas retas são um perigo
criado pelo homem, já que elas são estranhas à natureza da humanidade, da vida,
de toda a criação".
Friedensreich Hundertwasser - 633 Missed Spring
Fachadas de cores vibrantes são rimadas com janelas com uma
geometria rebelde, desfraldando suas linhas para criar um mundo utópico, com a
natureza como modelo e a humanidade como seu centro. Suas pinturas são
explosões de cor, cuja espiral interminável leva-nos numa viagem até o
manancial de vida e as forças naturais.
Friedensreich Hundertwasser - 691 A Irinaland Over the Balkans
A trilha sonora para o show:
Uma série de peças cuidadosamente escolhidas acompanham o
evento, alternando a música clássica com a mais moderna e define as imagens em
movimento:
Sequência de "Viena Neoclássica" - Tannhauser overture,
de Wagner.
Sequência de "Klimt e Secessão Vienense" -
Schneeglöckchen-Walzer, op. 143, de Johann Strauss / / Sinfonia N º 9 - Scherzo
por Beethoven.
Sequência de "Klimt e Ouro" - Symphony No. 9 -
Choral por Beethoven / / Burleske para piano e orquestra em D menor por Richard
Strauss.
Sequência de "Klimt e a Natureza" - "Ich bin
der Welt gekommen abhanden" Lied por Mahler.
Sequência de "Schiele" - Cadenza: Concerto
"No. 5" para piano e orquestra de Rachmaninoff / Warenberg.
Sequência de "Klimt e Mulheres" - "Meine
Lippen, sie küssen tão heiß" de Giuditta por Lehar / / Madame Butterfly -
Chorus Humming por Puccini.
Sequência de "Hundertwasser" - Sarma pelo Kronos
Quartet.
Final - "Burleske" para piano e orquestra em D
menor por Richard Strauss.
Foto: Gilles Garnier Photographe
No coração de Alpilles, o monumental "Carrières de
Lumières" sedia espetáculos multimídia extraordinários que são únicos no
mundo. Está situado em um lugar misterioso: o "Val d'Enfer". Esse
vale com extraordinários depósitos minerais sólidos tem inspirado artistas há
muito tempo. A pedreira Carrières du Val d'Enfer foi criada para extrair a
bauxita e calcário branco usados na construção do Chateau e Les Baux. Os
Carrières receberam uma nova vida na década de 1960, graças a Jean Cocteau, que
decidiu filmar "O Testamento de Orfeu" aqui. Carrières de Lumières é
de propriedade do Município de Baux-de-Provence e é gerido e desenvolvido pela
Culturespaces desde 2012.
De 7 de Março de 2014 a 4 de Janeiro de 2015 – Duração do
show: 35 minutos
Carrières de Lumières
Route de Maillane 13520, Les Baux de Provence, França
Opéra Garnier de Paris filmada por um drone. Com foco na cúpula pintada por Marc Chagall. Assista o vídeo ;-)
(sugerimos ver duas vezes porque na primeira o vídeo demora um pouco a carregar)
Maison&Objet Paris 2014 - feira de design e decoração com mais de 3.000 expositores em vários setores
De 24 a 28 de Janeiro de 2014 - paris Nord Villepinte, Paris, França
Veja mais informações: http://www.maison-objet.com/en/paris
