segunda-feira, 26 de março de 2018

Análise da pintura de Alfred Sisley - The Small Meadows in Spring

Alfred Sisley - The Small Meadows in Spring (Os Pequenos Prados na Primavera), c. 1880 – óleo sobre tela – 54,3 x 73 cm – Tate Gallery, London, UK


Análise da pintura de Alfred Sisley - The Small Meadows in Spring


Em 1880, dificuldades financeiras obrigaram Sisley a deixar Sèvres, nos subúrbios de Paris, para a região de Sena e Marne, a sudeste da cidade. Ele morou nesta área pelo resto de sua vida. A mudança marcou um ponto de virada na carreira do artista, e ele pintou a paisagem do rio com uma nova vitalidade e frescor de visão. Esta pintura retrata "Le Chemin des Petits Prés", o caminho arborizado que permeava a margem esquerda do Sena, ligando as aldeias de Veneux e By. Agora esse caminho foi substituído por uma calçada pavimentada. A aldeia visível na margem oposta é Champagne. Sisley pintou várias outras imagens nesta época ao longo deste caminho ou muito próximo a ele. A jovem, que foi identificada como a filha do artista, Jeanne, aparece como uma representação da primavera.

Alfred Sisley (30 de outubro de 1839 - 29 de janeiro de 1899) foi um pintor de paisagens impressionista que nasceu e passou a maior parte de sua vida na França, mas manteve a cidadania britânica, tendo nascido de pais ingleses na França, e depois dividindo seu tempo entre os dois países. Ele foi o mais consistente dos impressionistas em sua dedicação à pintura de paisagem ao ar livre (en plein air). Embora tenha sido uma das figuras-chave do impressionismo francês, ele permaneceu como um estranho. Ao contrário de muitos de seus colegas, que examinavam a vida urbana, a industrialização e as pessoas, Sisley era quase exclusivamente pintor de paisagens, um tema do qual ele raramente se desviava.

Entre suas obras importantes estão uma série de pinturas do rio Tamisa, principalmente em torno de Hampton Court, executadas em 1874, e paisagens que retratam lugares em ou perto de Moret-sur-Loing. As pinturas notáveis do Sena e suas pontes nos antigos subúrbios de Paris são como muitas de suas paisagens, caracterizadas pela tranquilidade, em tons pálidos de verde, rosa, púrpura, azul e creme. Ao longo dos anos, o poder de expressão e intensidade de cores dele aumentou. Sisley produziu cerca de 900 pinturas a óleo, cerca de 100 crayons e muitos outros desenhos.

“Cada imagem mostra um ponto pelo qual o artista se apaixonou” – Alfred Sisley


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sexta-feira, 23 de março de 2018

Série Pierre-Auguste Renoir – pinturas com cães

Pierre-Auguste Renoir – Tama, the Japanese Dog, c. 1876 – óleo sobre tela – 38,3 x 46,2 cm – The Clark Art Institute, Williamstown, MA, USA

Renoir pintou esta imagem de um pequinês-spaniel para seu amigo Henri Cernuschi, um banqueiro e colecionador de arte asiática. A raça, uma das favoritas da família imperial japonesa, foi considerada elegantemente exótica quando Cernuschi trouxe o cão para a França em 1873. O pelo preto e branco do animal se destaca contra as pinceladas coloridas do fundo, que em parte obscurecem uma inscrição do nome do animal, Tama, fracamente visível no canto superior esquerdo da pintura.


Série Pierre-Auguste Renoir – pinturas com cães


Pierre-Auguste Renoir – Head of a Dog, 1870 – óleo sobre tela – 21,9 x 20 cm – National Gallery of Art, Washington, DC, USA


Pierre-Auguste Renoir – Girl with a Dog, c. 1875 – óleo sobre tela – coleção particular


Pierre-Auguste Renoir - Portrait of Alfred Bérard with His Dog, 1881 – óleo sobre tela - 65.2 x 51.1 cm – Philadelphia Museum of Art, Philadelphis, PA, USA


Pierre-Auguste Renoir - Young Woman with a Dog, 1876 - óleo sobre tela – coleção particular


Pierre-Auguste Renoir – Madame Renoir (Aline Charigot) with a Dog, 1880 – óleo sobre tela – 32 x 41 cm – coleção particular

Aline Charigot também foi retratada com seu cãozinho em outra pintura de Renoir: “Luncheon of the Boating Party”. Esse blog possui um artigo sobre essa pintura. Clique sobre o link abaixo para ver:

http://www.arteeblog.com/2017/12/detalhes-e-curiosidades-sobre-pintura.html


Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party, 1880 – 1881 – óleo sobre tela – 129,9 x 172,7 cm - The Phillips Collection, Washington, DC, USA


Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party – detalhe: Aline Charigot


Pierre-Auguste Renoir - Young Girl with a Dog, 1888 - óleo sobre tela – coleção particular


Pierre-Auguste Renoir - Woman with a Black Dog, 1874 – óleo sobre tela – coleção particular


Pierre-Auguste Renoir - Jules Le Coeur Walking in the Fontainbleau Forest with his Dogs, 1866 – óleo sobre tela - Museu de Arte de São Paulo Assis Châteaubriand, São Paulo, Brasil

Em fevereiro de 1866, Renoir acompanhou o arquiteto e pintor Jules Le Coeur em uma caminhada e pintura por Fontainebleau. Durante a primeira metade do século XIX, o desenvolvimento de um extenso sistema ferroviário proporcionou acesso mais fácil e rápido ao ambiente natural, além dos limites imediatos da cidade de Paris. A floresta de Fontainebleau, um retiro real, tornou-se um local popular de recreação e escape das tensões da vida urbana. A expansão das trilhas para caminhada e a publicação de numerosos guias para a floresta introduziram novas paisagens silvestres para consumo e diversão públicos. A floresta tornou-se um tema popular entre pintores e fotógrafos, e Renoir criou várias obras que capturaram a densa vegetação e colinas de Fontainebleau. Essa pintura foi, sem dúvida, executada no local, bem como no estúdio. Renoir retratou seu amigo enquanto ele subia por um caminho coberto de grama através do terreno montanhoso e densamente coberto da Floresta.


Esse blog possui mais artigos sobre Pierre-Auguste Renoir. Clique sobre os links abaixo para ver:







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segunda-feira, 19 de março de 2018

Pinturas com fontes

John Singer Sargent - Spanish Fountain, 1912 – aquarela e grafite sobre papel – Metropolitan Museum of Art, New York, USA


Pinturas com fontes


Édouard Cortès - Fountain on Place de la Concorde – óleo sobre tela – 33 x 45,7 cm – coleção particular


Ivan Aivazovsky - View of the Big Cascade in Petergof and the Great Palace of Peterhof, 1837 – óleo sobre tela - Peterhof State Garden e Park Museum, St. Petersburg, Russia


John Singer Sargent - Villa Torlonia, Fountain, 1907 – óleo sobre tela - 71.12 x 91.44 cm – coleção particular


François Boucher - The Fountain of Love, 1748 – óleo sobre tela - 294.6 × 337.8 cm – The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, USA

Essa pintura foi concebida inicialmente como uma imagem para uma tapeçaria, uma em um conjunto de seis imagens que retratam “Noble Pastorales”, feitas a partir de 1755, na fábrica de tapeçarias de Beauvais. Originalmente, as tapeçarias eram tecidas diretamente sobre as pinturas, e depois elas eram cortadas em seções para serem vendidas separadamente. Felizmente, esta foi poupada desse destino.

Tapeçarias “Noble Pastorales”: "pastoral" porque retrata atividades diferentes de pastores e pastoras, e "nobres" porque seu foco central são os jovens senhores e senhoras brincando de serem pastores. Estas tapeçarias pastorais estavam muito em voga em toda a Europa no final da Idade Média, sendo altamente decorativas e menos dispendiosas do que grandes peças narrativas.


Joaquín Sorolla - Reflections in a Fountain, 1918 – óleo sobre tela – 58,5 x 99 cm - Museo Sorolla – Madrid, Espanha


Theo van Rysselberghe - The Fountain - Parc Sans Souci at Potsdam, 1902 – óleo sobre madeira – coleção particular


John Singer Sargent - The Fountain, Villa Torlonia, Frascati, Italy – 1907 – óleo sobre tela - 71.4 × 56.5 cm - The Art Institute of Chicago, USA

Esse blog possui um artigo sobre essa pintura. Clique sobre o link abaixo para ver:


Alexandre Benois - Peterhof Palace. Grand Cascade, 1910 – aquarela – coleção particular


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segunda-feira, 12 de março de 2018

Mary Cassatt, sua arte e sua história

Mary Cassatt – The Tea, c. 1880 – óleo sobre tela – 64,8 x 92,1 cm – Museum of Fine Arts Boston, USA

(Essa pintura está ambientada em uma sala contemporânea, provavelmente da própria Cassatt. O papel de parede listrado e a lareira de mármore esculpido, ornamentada com uma pintura elaboradamente emoldurada e um jarro de porcelana, são típicas de um interior parisiense de classe média alta e o antigo serviço de chá prateado na mesa em primeiro plano implica uma história familiar distinta. As duas mulheres desempenham os papéis tradicionais de anfitriã e convidada, embora pareça que a conversa tenha parado. A anfitriã (à esquerda, com um simples vestido marrom) apoia a mão no queixo enquanto a convidada (vestindo chapéu, cachecol , e luvas que indicam que ela veio de fora) sorve seu chá. A anfitriã é provavelmente a irmã de Cassatt, Lydia e a convidada, uma amiga da família, mas é igualmente provável que as mulheres fossem as modelos habituais de Cassatt, uma morena e uma loira.)


Mary Cassatt, sua arte e sua história


Mary Cassatt – The Cup of Tea (Lydia Cassatt) – c. 1880 – 1881 – 92,4 x 65,4 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York, USA


Mary Cassatt – Portrait of the Artist, 1878 – aquarela e guache sobre papel – 60 x 41,1 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York


Mary Stevenson Cassatt (22 de Maio de 1844-14 de Junho de 1926), nasceu na cidade de Allegheny (agora parte de Pittsburgh), Pensilvânia, passou sua infância com sua família na França e na Alemanha. Ela cresceu em um ambiente que via viagens como parte integrante da educação.


Mary Cassatt - Mother Combing Her Child's Hair, ca. 1901 – crayon sobre papel - 64.1 x 80.3 cm - Brooklyn Museum, New York, USA


Mary Cassatt - Woman with a Pearl Necklace in a Loge (Lydia), 1879 – óleo sobre tela - 81.3 x 59.7 cm – Philadelphia Museum of Art, USA


Embora sua família se opusesse a ela se tornar uma artista profissional, Cassatt começou a estudar pintura na Academia de Belas Artes da Pensilvânia, na Filadélfia, aos 15 anos de idade, de 1860 a 1862. Uma parte da preocupação de seus pais pode ter sido a exposição de Cassatt às ideias feministas e ao comportamento boêmio de alguns dos estudantes do sexo masculino. Cassatt e suas amigas eram defensoras da igualdade de direitos para os sexos. Apenas cerca de 20 por cento dos estudantes eram do sexo feminino e poucas delas estavam tão determinadas, como Cassatt, para fazer da arte a sua carreira. Impaciente com o ritmo lento da instrução e a atitude condescendente dos estudantes e professores do sexo masculino, ela decidiu estudar os antigos mestres por conta própria. Na Academia, as estudantes do sexo feminino não podiam usar modelos ao vivo, e treinavam principalmente observando moldes de esculturas.


Mary Cassatt - Children Playing on the Beach, 1884 – óleo sobre tela - 97.4 x 74.2 cm - National Gallery of Art, Washington, DC, USA


Mary Cassatt – Breakfast in Bed, 1897 – óleo sobre tela - Huntington Library, San Marino, CA, USA


Em 1865, ela convenceu seus pais a deixá-la estudar em Paris, com a mãe e as amigas da família atuando como acompanhantes, onde teve aulas particulares com o principal pintor acadêmico daquela época, Jean-Léon Gérôme. Cassatt aumentou seu treinamento artístico fazendo cópias diárias no Louvre, obtendo a licença que era necessária para controlar os "copistas", geralmente mulheres de baixa remuneração, que iam diariamente ao museu para pintar cópias para venda. O museu também servia como um local social para estudantes francesas e americanas, que, como Cassatt, não tinham permissão para entrar nos Cafés onde a avant-garde socializava. Em 1868, pela primeira vez uma pintura de Cassatt (The Mandolin Player) foi aceita no Salão de Paris.


Mary Cassatt – The Mandolin Player, 1868 – óleo sobre tela – 92 x 73,5 cm – coleção particular


Mary Cassatt - Young Mother Sewing, 1900 – óleo sobre tela - 92.4 x 73.7 cm – The Metropolitan Museum of Art, New York, USA


Depois de três anos e meio na França, a guerra franco-prussiana interrompeu os estudos de Cassatt e ela retornou para a Filadélfia no final do verão de 1870. Ela voltou para a Europa em 1871, passando oito meses em Parma, na Itália, em 1872, estudando as pinturas de Correggio e Parmigianino. Em 1873, ela visitou a Espanha, a Bélgica e a Holanda para estudar e copiar as obras de Velázquez, Rubens e Hals. Em junho de 1874, Cassatt se instalou em Paris, onde começou a expor regularmente nos Salões e onde seus pais e sua irmã Lídia se reuniram com ela em 1877. Nesse mesmo ano, Edgar Degas a convidou a se juntar ao grupo de artistas independentes mais tarde conhecido como os Impressionistas. Sendo a única americana oficialmente associada ao grupo, Cassatt expôs em quatro de suas oito exposições, em 1879, 1880, 1881 e 1886.


Mary Cassatt – Summertime, 1894 – óleo sobre tela – 73,6 x 96,5 cm - Armand Hammer Museum of Art, Los Angeles, CA, USA


Mary Cassatt - The Boating Party, 1893 – 1894 – óleo sobre tela - 90 x 117.3 cm - National Gallery of Art, Washington, DC, USA


Cassatt e Degas tiveram um longo período de colaboração. Os dois tinham estúdios muito perto, Cassatt na rue Laval, 19 e Degas na rue Frochot, 4, a menos de cinco minutos a pé. Degas adotou o hábito de ir olhar o estúdio de Cassatt e oferecer seus conselhos e ajudá-la a obter modelos. Eles tinham muito em comum: compartilhavam gostos semelhantes na arte e na literatura, eram de origens afluentes, estudaram pintura na Itália e ambos eram independentes, nunca se casaram. É improvável que eles estivessem em um relacionamento dadas as suas origens sociais conservadores e fortes princípios morais.


Mary Cassatt - Sarah in a Green Bonnet, 1901 – óleo sobre tela - National Gallery of Art, Washington, DC, USA


Mary Cassatt - The Child's Bath, 1893 – óleo sobre tela – Art Institute of Chicago, USA


Sob a influência dos Impressionistas, Cassatt revisou sua técnica, composição e uso de cor e luz, manifestando sua admiração pelas obras da vanguarda francesa, especialmente de Degas e Manet. Como Degas, ela estava principalmente interessada em composições de figuras. Durante o final da década de 1870 e início da década de 1880, os temas de suas obras eram sua família (especialmente sua irmã Lydia), o teatro e a ópera. Mais tarde, ela se especializou no tema de mães e crianças, que ela tratou com calor e naturalidade em pinturas, crayons e gravuras. Nem Mary nem Lydia se casaram. Mary decidiu ainda jovem que o casamento seria incompatível com sua carreira. Lydia, que foi frequentemente pintada por sua irmã, sofria de episódios recorrentes de doença, e sua morte em 1882 deixou Cassatt temporariamente incapaz de trabalhar.


Mary Cassatt – “Woman Bathing” - 1890-1891 – ponta-seca e aquatinta sobre papel -  43.2 x 29.8 cm – National Gallery of Art, Washington, DC, USA


Mary Cassatt – “The Coiffure” (“O Penteado”) - 1890-1891 - ponta-seca e aquatinta sobre papel -  43.2 x 30.7 cm – Art Institute of Chicago, IL, US


Cassatt participou da onda de feminismo que ocorreu na década de 1840, permitindo que as mulheres tivessem acesso a instituições educacionais em faculdades e universidades. Ela foi uma defensora da igualdade para as mulheres, fazendo campanha com suas amigas para bolsas de viagem iguais para todos os estudantes na década de 1860 e para o direito de votar na década de 1910.


Mary Cassatt – “The Fitting” (“A Prova”) – 1891 - ponta seca e água-tinta impressa em cores sobre papel texturizado branco desbotado - 47.8 x 30.8 cm – Metropolitan Museum of Art, New York, USA


Cassatt foi conselheira de vários grandes colecionadores de arte e beneficiou muitas coleções públicas e privadas nos Estados Unidos. Desde seus primeiros dias em Paris, ela encorajou a coleção de antigos mestres e das vanguardas francesas. Ela convenceu os colecionadores a eventualmente doarem suas coleções aos museus de arte americanos. Em reconhecimento às suas contribuições para as artes, a França lhe concedeu a Legion d'Honneur em 1904. Embora fundamental em aconselhar os colecionadores americanos, o reconhecimento da sua própria arte foi mais lento nos Estados Unidos.


Mary Cassatt - Little Girl in a Blue Armchair, 1878 – óleo sobre tela - 89.5 x 129.8 cm – National Gallery of Art, Washington, DC, USA

(Com uma paleta limitada e pinceladas vibrantes, Cassatt criou uma interação dinâmica de formas contrastantes, com a pequena menina jogada em uma cadeira em um momento de tédio ou exaustão, e o pequeno cão em um estado de repouso absoluto. Esta pintura atesta a relação recém-formada entre Mary Cassatt e os Impressionistas, e a sua assimilação de um estilo de pintura mais livre. Cassatt retrabalhou a pintura com a ajuda de seu amigo Edgar Degas e a expôs junto com outras 10 pinturas em sua exposição de estreia com os impressionistas em 1879.)


Esse blog possui mais artigos sobre Mary Cassatt. Clique sobre os links abaixo para ver:




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quinta-feira, 8 de março de 2018

Análise de “Red Poppies” de Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe – Red Poppies (Papoulas Vermelhas), 1928 – óleo sobre tela - 101.6 cm × 76.2 cm -  Weisman Art Museum of the University of Minnesota, Minneapolis, USA


Análise de “Red Poppies” de Georgia O'Keeffe


Ao longo de sua carreira, Georgia O'Keeffe criou mais de 200 pinturas de flores excepcionais. A artista que trabalhou principalmente com aquarela até 1918, e depois disso, pintou quase sempre em óleo sobre tela e logo começou a criar formas florais de grande escala a curta distância, como se fossem vistas através de uma lupa. Esta impressionante pintura é um exemplo perfeito dos close-ups de Georgia O'Keeffe. Ela decidiu que pintaria flores grandes e assim as pessoas ficariam surpresas ao olhar para elas. “Vou fazer até mesmo New Yorkers ocupados terem tempo para ver o que eu vejo nas flores".

Essa pintura preenche a tela enorme, sem um fundo, para que as flores "explodam" na tela e direcionem os olhos para o centro das flores. Examinando as pétalas de laranja brilhante, O'Keeffe revela o interior escuro e aveludado. O drama desta imagem provocativa decorre da justaposição de cor viva e close-up intrusivo. Essa pintura entre as obras de arte mais famosas de Georgia O´Keefe.

Georgia Totto O'Keeffe (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de Novembro de 1887 - 6 de Março de 1986) foi uma artista americana conhecida por suas pinturas de flores ampliadas, crânios de animais, arranha-céus de Nova York e paisagens do deserto do Novo México. Fazendo sua estreia um século atrás, em 1916, O'Keeffe foi imediatamente reconhecida como uma artista pioneira, enquanto hoje seu legado como um ícone de arte americana e uma pioneira da arte do século XX é amplamente reconhecido. Foi apelidada como a "mãe do modernismo americano".
"Se você pegar uma flor em sua mão e realmente olhar para ela, é o seu mundo por um momento." Georgia O'Keeffe

Esse blog possui mais um artigo sobre Georgia O´Keefe, com sua biografia e muitas pinturas. Clique sobre o link abaixo para ver:



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segunda-feira, 5 de março de 2018

John Pizzarelli - Dindi




John Pizzarelli – Dindi - com participação de Daniel Jobim, neto de Tom Jobim


Duas das maiores influências de John Pizzarelli, Frank Sinatra e o compositor de bossa nova Antonio Carlos Jobim, se uniram em 1967 para gravar um álbum: “Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim” com muito sucesso. Em homenagem aos 50 anos do lançamento desse álbum, Pizzarelli lançou seu álbum “Sinatra & Jobim @ 50” em 2017. Ele declarou: "Jobim foi uma grande influência sobre mim na década de 1980: o que eu estava ouvindo, depois traduzindo e o que eu estava tirando disso. Muito do que fizemos neste disco, os medleys e os arranjos para as músicas novas, saíram do que eles fizeram em seu álbum e a influência que tiveram sobre a minha música. ” Fã declarado de Frank Sinatra, ele teve a oportunidade de, há 25 anos, acompanhar “A Voz” em uma turnê. "Abri shows para Sinatra em 18 cidades em 1993. Foi emocionante, para dizer o mínimo", disse o músico.

Dindi é uma canção composta por Antonio Carlos Jobim, com letra de Aloysio de Oliveira (em inglês por Ray Gilbert). É um famoso standard mundial da bossa nova. Antonio Carlos Jobim escreveu esta canção especialmente para a cantora brasileira Sylvia Telles, cujo apelido era Dindi. Porém, ao contrário do que pensam muitas pessoas, não foi uma homenagem para Sylvinha Telles, nem para pessoa alguma. Era o nome de um lugar próximo a Petrópolis, onde Tom e Vinícius de Moraes costumavam ir. Há uma fazenda que se chama "Dirindi", de onde veio esse nome em diminutivo. Essa história, que muitos já conheciam, foi confirmada por Helena Jobim, irmã do compositor, em seu livro.

John Pizzarelli, Jr. (6 de Abril de 1960) é um guitarrista, vocalista e compositor norte-americano de jazz nascido em Paterson, Nova Jersey. Ele é casado com a cantora Jessica Molaskey e é filho de Bucky Pizzarelli, lendário guitarrista de jazz. As influências da música brasileira, principalmente da bossa nova, são flagrantes no trabalho de John Pizzarelli. O artista já gravou dois álbuns inteiramente dedicados à música brasileira: Brazil (na verdade, um álbum de Rosemary Clooney em que ele toca e canta 4 canções), em 2000 e Bossa Nova, em 2004. O artista teria tido seu primeiro contato com a música brasileira, em 1981, ao ouvir no rádio de seu carro a canção Besame Mucho interpretada por João Gilberto. A forma de tocar de Gilberto o teria impressionado tanto que ele teria comprado o LP Amoroso/Brasil e aprendido a tocar todas as canções nele contidas.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido pelo seu nome artístico Tom Jobim, foi um compositor, maestro, pianista, cantor, arranjador e violonista brasileiro. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores e principais forças do movimento da Bossa Nova. Suas canções foram interpretadas por muitos cantores e instrumentistas no Brasil e internacionalmente. Em 1965 o álbum Getz / Gilberto (tendo Tom Jobim como compositor e pianista) foi o primeiro álbum de jazz a ganhar o Grammy Award para Álbum do Ano. A canção "Garota de Ipanema" foi gravada mais de 240 vezes por outros artistas, sendo uma das músicas mais gravadas de todos os tempos. Seu álbum de 1967 com Frank Sinatra, “Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim”, foi nomeado para Álbum do Ano em 1968. Jobim deixou um grande número de canções que agora estão incluídas nos repertórios standard de Jazz e pop.

Francis Albert "Frank" Sinatra (Hoboken, 12 de dezembro de 1915 — Los Angeles, 14 de maio de 1998) foi um cantor e ator norte-americano. Lançou vários álbuns com aclamação crítica, realizou tours internacionais, e foi um dos fundadores do Rat Pack, além de fraternizar com celebridades e homens de estado, incluindo John F. Kennedy. Sinatra também forjou uma bem-sucedida carreira como ator, vencendo um Óscar de melhor ator secundário, uma nomeação para Oscar de melhor ator e aclamação crítica por sua performance. Sinatra foi homenageado no Prêmio Kennedy em 1983 e recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade de Ronald Reagan em 1985 e a Medalha de Ouro do Congresso em 1997. Sinatra também recebeu 11 Grammy Awards, incluindo o Grammy Trustees Award, Grammy Legend Award e o Grammy Lifetime Achievement Award. Possui duas estrelas na Calçada da Fama, uma por seu trabalho na música e outra por seu trabalho na TV norte-americana. É considerado um dos maiores intérpretes da música na década de 1950.


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quinta-feira, 1 de março de 2018

Pinturas e ilustrações de Março

Edward Burne-Jones - The March Marigold, c. 1870 – óleo sobre tela - The Piccadilly Gallery, London

Sir Edward Coley Burne-Jones (28 de Agosto de 1833 - 17 de Junho de 1898) era um artista britânico e designer intimamente associado com a fase posterior do movimento Pré-Rafaelita. Trabalhou com William Morris em uma grande variedade de artes decorativas. Burne-Jones foi intimamente envolvido no rejuvenescimento da tradição da arte do vitral na Grã-Bretanha. As primeiras pinturas de Burne-Jones mostram a forte inspiração de Dante Gabriel Rossetti, mas na década de 1860 Burne-Jones descobriu a sua própria "voz" artística. Em 1877, ele ficou conhecido como um arauto e estrela do novo Aesthetic Movement. Além da pintura e dos vitrais, Burne-Jones trabalhou em uma variedade de meios incluindo o design de azulejos cerâmicos, joias, tapeçarias, mosaicos e ilustração de livros.


Pinturas e ilustrações de Março


Edvard Munch – March, 1919 – óleo sobre tela – 72 x 48 cm - Moderna Museet, Stockholm, Suécia


Isaac Levitan - March, 1895 – óleo sobre tela – 60 x 75 cm - Tretyakov Gallery, Moscow, Russia


Alphonse Mucha – Mars, 1899 – ilustração

Os Meses (1899): esta série de medalhões foi usada ​​para ilustrar a capa da revista Le Mois Littéraire antes de eles serem reproduzidos como cartões postais. Cada medalhão apresenta uma figura feminina posando contra um fundo natural, característico do mês representado. Alfons Maria Mucha - (Ivančice, 24 de julho de 1860 — Praga, 14 de julho de 1939) foi um pintor, ilustrador e designer gráfico checo e um dos principais expoentes do movimento Art Nouveau. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão os cartazes para os espetáculos de Sarah Bernhardt realizados na França, de 1894 a 1900, e uma série chamada Epopeia Eslava, elaborada entre 1912 e 1930.


Camille Pissarro - The Louvre, March Mist, 1903 – óleo sobre tela – 54 x 65 cm - Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhagen, Denmark


Maxime Maufra - March Sunlight, Port-Marly – 1902 - 60.3 x 73 cm - coleção particular


Eugène Grasset - La Belle Jardiniere – Mars, 1896 – ilustração

O artista gráfico suíço Eugène Samuel Grasset (1845-1917) foi uma das principais figuras do movimento Art Nouveau em Paris. Mais conhecido por seus cartazes emblemáticos e suas contribuições para design gráfico - um itálico que ele criou, em 1898, ainda é usado por designers de todo o mundo - Grasset também criou móveis, cerâmicas, tapeçarias, e selos postais. Em 1894, Grasset recebeu uma encomenda da loja de departamentos francesa La Belle Jardinière para criar doze obras de arte originais, a serem utilizadas como um calendário. Graciosas xilogravuras retratando belas moças em trajes de época e jardins que mudam com as estações do ano foram produzidas, com espaços vazios para as datas do calendário, em um portfólio de obras de arte chamado Les Mois (Os meses) pela editora Paris G. de Malherbe em 1896.


Camille Pissarro - March Sun, Pontoise, 1875 – óleo sobre tela - Kunsthalle, Bremen, Germany


Eisen Keisai – Sangatsu hanami - March, Cherry Blossom Viewing (da série Five Festivals), c. 1844 – xilogravura – 37,4 x 25,7 cm – estilo Ukiyo-e - coleção particular

Ukiyo-e, ukiyo-ye ou ukiyo-ê (浮世絵, "retratos do mundo flutuante", em sentido literal), vulgarmente também conhecido como estampa japonesa, é um gênero de xilogravura e pintura que prosperou no Japão entre os séculos XVII e XIX. Destinava-se inicialmente ao consumo pela classe mercante do período Edo (1603 – 1867). Entre as mais populares temáticas abordadas, estão a beleza feminina, o teatro kabuki, os lutadores de sumô, cenas históricas e lendas populares, cenas de viagem e paisagens, fauna e flora.


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