quinta-feira, 26 de fevereiro de 2015

A história da obra "In The Conservatory – Madame Bartholomé" - Albert Bartholomé

Albert Bartholomé - "In The Conservatory - Madame Bartholomé" - 1881 - óleo sobre tela - 233 x 142 cm - Musée d'Orsay, Paris


A história da obra "In The Conservatory – Madame Bartholomé" (Na Estufa – Senhora Bartholomé) - Albert Bartholomé


Albert Bartholomé - "The Artist's Wife - Périe - Reading" - 1883


O pintor Paul-Albert Bartholomé (1848-1928) e sua esposa Prospérie (1849-1887), conhecida como Périe, filha do Marquês de Fleury, faziam um par elegante. Eles eram amigos das artes e inclinados a ser um pouco arrogantes. Périe era descrita como "uma bela mulher de saúde frágil, culta e de suprema distinção". O pintor Jacques-Emile Blanche (1861-1942) descreveu as recepções onde Périe "era tão acolhedora com plebeus, boêmios, intelectuais e convidados para jantar, que as noites gastas discutindo música, pintura e livros, e especialmente política (onde Degas, um nacionalista ferrenho , dava o tom com uma autoridade aceita por todos, exceto Mary Cassatt, artista americana de espírito livre) pareciam ter lugar em um mundo à parte".


    


Bartholomé apresentou o retrato de sua esposa no Salon de Paris de 1881, intitulado “In The Greenhouse” (Na Estufa). Esta pintura foi oferecida ao Musée d'Orsay em 1990 pela Société des Amis du Musée d'Orsay. No ano seguinte, a Galeria Bailly deu ao museu o vestido de algodão branco estampado com bolinhas e listras violeta usados pelo modelo.


Albert Bartholomé - escultura sobre o túmulo de Périe em Bouillant, Crépy-en-Valois


Albert Bartholomé com maquete para o monumento para os mortos no cemitério Père-Lachaise

Com a morte de sua amada esposa, em 1887, o artista abandonou a pintura e seguindo o conselho de Degas, tornou-se escultor. O monumento que ele fez para a tumba de Périe (Bouillant Cemetery, Crépy-en-Valois) marcou o início de uma carreira bem sucedida como escultor, trabalhando em metal e pedra, atingindo a fama com seu famoso monumento para os mortos no cemitério Père-Lachaise, inaugurado no dia 01 de novembro de 1899.


Albert Bartholomé - La Baigneuse


Albert Bartholomé em seu estúdio

Paul-Albert Bartholomé foi um pintor e escultor francês. Nasceu em 1848 em Thiverval-Grignon, Yvelines, França, e morreu em 1928 em Paris. Estudou Direito e lutou na guerra Franco-Prussiana. Freqüentou a École des Beaux-Arts, em Genebra, onde estudou pintura com Barthélemy Menn. Depois estabeleceu um estúdio em Paris e se tornou um amigo próximo de Edgar Degas.


Albert Bartholomé - "Jeune Fille à sa Toilette"

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terça-feira, 24 de fevereiro de 2015

Exposição “Au Temps de Klimt, La Sécession à Vienne” (Nos Tempos de Klimt, a Secessão de Viena) - Pinacothèque de Paris

Gustav Klimt – Reconstrução do Frise Beethoven (detalhe) - 1985 - técnica mista sobre gesso sobre palha - 216 x 3438 cm - detalhe



Exposição “Au Temps de Klimt, La Sécession à Vienne” (Nos Tempos de Klimt, a Secessão de Viena) -  Pinacothèque de Paris - assista os vídeos ao final desse artigo


Gustav Klimt – Reconstrução do Frise Beethoven (detalhe) - 1985 - técnica mista sobre gesso sobre palha - 216 x 3438 cm - detalhe


A Pinacoteca de Paris enfoca um aspecto essencial do Art Nouveau que se desenvolveu em Viena no início do século XX, conhecido como a Secessão, movimento que floresceu no Império austro-húngaro, que vivia seu apogeu. O papel de Gustav Klimt no nascimento deste movimento foi de primordial importância. Artista talentoso e brilhante, desde seus primórdios aos seus excessos decorativos em que o douramento e o Expressionismo nascente dominam, a obra de Klimt foi um marco para um novo período que floresceu em Viena, na virada do século. Esse movimento artístico deu origem, alguns anos mais tarde, a uma das grandes tendências da arte moderna: o Expressionismo.


Gustav Klimt - Etude de tête féminine sur fond rouge - 1897-1898 – óleo sobre tela - 30 x 19,5 cm


Gustav Klimt - Francesca da Rimini et Paolo - 1890 – óleo sobre tela - 125 x 95 cm


A exposição narra em detalhes o desenvolvimento da arte vienense do final do século XIX, a partir do início da Secessão Vienense, até os primeiros anos do Expressionismo, com obras-primas da Secessão e do avant-garde austríaco. Na exposição também há um grupo de documentos raros sobre a vida do artista, sua família e seus irmãos Ernst e Georg, que também eram artistas, com quem Gustav muitas vezes colaborou.


Gustav Klimt - Femme à la cheminée – 1897-1898 – óleo sobre tela - 41 x 66 cm


Gustav Klimt - Fogo Fátuo - 1903 - óleo sobre tela - 52 x 60 cm - coleção particular


Gustav Klimt – “Portrait de jeune fille de face” - c. 1898 – óleo sobre cartão - 38 x 34 cm


O núcleo da exposição é uma seleção de 15 grandes obras de Gustav Klimt, desde seus primeiros anos de estudo até as principais obras de sua idade de ouro, como Judith I (1901) ou a Beethoven Frieze, uma obra monumental, reconstituída em escala e mostrada pela primeira vez na França. Em 1902, Klimt pintou a Beethoven Frieze para a 14ª exposição Viena Secessionist, que se destinava a ser uma celebração do compositor. Destinado apenas para a exposição, o friso foi pintado diretamente sobre as paredes com materiais leves. Após a exposição a pintura foi preservada. A Beethoven Frieze  agora está em exibição permanente no Vienna Secession Building.


Gustav Klimt – “Judith I” – 1901 – óleo sobre tela - 84 x 42 cm - Belvédère, Vienne


Gustav Klimt – Reconstrução do Frise Beethoven – 1985 – técnica mista sobre gesso sobre palha - 216 x 3438 cm - detalhe

O friso ilustra o desejo humano de felicidade em um mundo sofrido e tempestuoso em que se debate, não só com as forças do mal externo, mas também com as fraquezas internas. O espectador segue esta jornada de descoberta de uma forma visual e linear deslumbrante. Ele começa suavemente com o flutuante Genii feminino em busca da Terra, mas logo a seguir vem o escuro, gigante turbilhão de aparência sinistra, Typhoeus, suas três filhas Gorgon e imagens que representam a doença, loucura, morte, luxúria e lascívia acima e à direita. Daí surge o cavaleiro de armadura brilhante que oferece esperança, devido à sua própria ambição e solidariedade para os humanos suplicantes e sofridos. A jornada termina na descoberta da alegria por meio das artes e o contentamento é representado no estreito abraço de um beijo. Assim, o friso expõe o anseio humano psicológico, em última análise, satisfeito através da beleza das artes, juntamente com amor e companheirismo.


Carl Moll – “Bosquet de bouleaux au crepuscule” - c. 1902 – óleo sobre tela - 80 x 80 cm - Belvédère, Vienne


Koloman Moser - Forêt de pins en hiver – 1907 – óleo sobre tela - 55,5 x 45,5 cm


Na exposição são observados os primeiros anos da Secessão e a influência que exerceram sobre a formação do artista através dos principais intelectuais vienenses que assim como ele, passaram um tempo em Paris nessa época. As personalidades artísticas que influenciaram sua arte são convocadas, graças a uma escolha de pinturas provenientes do Belvedere, apresentadas ao lado de obras que descrevem a história dos patronos do movimento. Assim, a exposição mostra obras-primas importantes da Secessão e da vanguarda austríaca, como as primeiras obras de Egon Schiele e Oskar Kokoschka.

Josef Engelhart - Au restaurant du jardin – 1893 – óleo sobre madeira - 28 x 26 cm


Egon Schiele - "Edith Schiele" - 1917 © Photo Éric Simon

Felix Albrecht Harta - "Carrefour" - 1913 © Photo Éric Simon

Tal como no resto da Europa (como no nascimento do Impressionismo na França, na década de 1870), o início do século 20 marcou uma mudança no mundo artístico em Viena. Chefiados por Gustav Klimt, mais de 20 artistas se distanciaram da pintura estruturada e do estilo acadêmico e fundaram a Secessão, um movimento artístico que exibia uma reflexão sobre a arte, em vez de uma técnica artística precisa. Visavam liberar a arte. A exposição mostra com precisão esta partida do clássico e da adesão ao estilo artístico da época. Nesta época, Freud inventou a psicanálise, e alguns artistas incluíram traços psicológicos de seus retratados em seus retratos.


Josepf Hoffmann (conception) - Broche, modèle n° G368 – 1905 – prata, coral, lápis-lazuli, malaquita e pedra da lua - 4,6 x 4,6 cm - Galerie bei der Albertina - Zetter, Vienne


Michael Powolny – “Jeune Fille avec une guirlande de fleurs” (c. 1907) e “Automne”


A seção final da exposição é dedicada às formas de arte de Viena, ao artesanato antigo e refinado que gerou peças de mobiliário, bem como jóias preciosas, peças esplêndidas de cerâmica, bem como reconstruções complexas de obras e de ricos documentos históricos, testemunhas da gênese e da evolução de grandes artistas e arquitetos da época, tais como Adolf Loos, Josef Hoffmann e o Studio Vienense.

Josepf Hoffmann (conception) - Broche – 1905 – prata, coral, lápis-lazuli, e pedra da lua - 5 x 5,1 cm - Galerie bei der Albertina - Zetter, Vienne

Josepf Hoffmann (conception) - Broche – 1905 – prata, coral, lápis-lazuli, opala e ametista - 5,1 x 5,5 cm - Galerie bei der Albertina - Zetter, Vienne


A exposição mostra mais de 180 obras provenientes da coleção do Museu Belvedere, em Viena, bem como de coleções particulares. A curadoria da exposição é de Alfred Weidinger, curador do Museu Belvedere, em Viena.


Michael Powolny - "Printemps" - 1913-1915 e "Été" - 1914-1915 


Hermann Hahn - "Judith avec la tête d'holopherne" - 1898 © Photo Éric Simon


Até 25 de Junho de 2015
Pinacothèque 2 - Rue Vignon, 8 - 75009 Paris
Informações: +33 1 42 68 02 01
accueil@pinacotheque.com

Assista os vídeos e veja mais obras e objetos:








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domingo, 22 de fevereiro de 2015

A história das 4 obras: “As Quatro Horas do Dia” - Jean-Baptiste-Camille Corot

"As Quatro Horas do Dia" - Jean-Baptiste-Camille Corot -  c. 1858 – óleo sobre madeira - The National Gallery 


Da esquerda para a direita:
Manhã - 142.2 x 72.3 cm
Meio-dia - 142.2 x 62,2 cm
Tarde - 142.2 x 72.3 cm
Noite - 142.2 x 64,7 cm

A história das 4 obras: “As Quatro Horas do Dia” - Jean-Baptiste-Camille Corot


Manhã  e Meio-dia                                               

As quatro pinturas, representando Manhã, Meio-dia, Tarde e Noite, foram adquiridas pelo artista Lord Frederic Leighton em 1865 e estavam entre os primeiros trabalhos de Corot adquiridos por um colecionador britânico. Lord Leighton as expôs como o ponto focal de sua casa em Londres, fornecendo inspiração para seus colegas artistas vitorianos.
Frederic Leighton, 1º Barão de Leighton (1830 - 1896), conhecido como Sir Frederic Leighton entre 1878 e 1896, foi um pintor e escultor Inglês. Seus trabalhos tinham temas históricos, bíblicos e clássicos.
Corot pintou os quatro grandes painéis, que traçam o aprofundamento da luz do céu, do nascer do sol à noite estrelada, para decorar o estúdio de seu amigo e companheiro pintor Alexandre-Gabriel Decamps em Fontainebleau. Ele completou o ciclo em uma única semana, levando Decamps a exclamar: "Não tão rápido, não se apresse, ainda há sopa suficiente para mais alguns dias". Decamps passou horas na contemplação dos painéis, desanimado com a sua qualidade, técnica e efeito, em relação ao seu próprio trabalho.
"As Quatro Horas do Dia" pertencem a uma década em que a obra de Corot foi mudando para uma percepção mais pessoal da natureza, na qual paisagens de estúdio compostas de memórias ou desenhos de paisagens reais desempenhavam um papel cada vez maior.

    
Tarde e Noite

Jean-Baptiste-Camille Corot (1796 - 1875) foi um pintor francês de paisagens e de retratos, assim como um gravurista. Ele é uma figura fundamental na história da pintura de paisagem e sua vasta produção faz referência tanto à tradição Neo-Clássica, como antecipa as inovações do plein-ar do impressionismo.
Em 1825-1828, Corot viajou para a Itália (o que era considerado essencial para a formação de um artista da paisagem), ficando durante um tempo em Roma e na Campagna, antes de viajar para Nápoles. Em 1827, ele enviou suas primeiras pinturas ao Salão de Paris. Corot viajou extensivamente pela Europa ao longo de sua vida, e durante essas viagens ele pintou ao ar livre, preenchendo inúmeros cadernos com desenhos. Durante os meses de inverno, ele trabalhava em estúdio, em ambiciosas paisagens e temas mitológicos e religiosos destinadas para o Salão de Paris.
Sua reputação foi estabelecida na década de 1850, que também foi o período em que seu estilo tornou-se mais suave e suas cores mais restritas. Em suas últimas paisagens de estúdio, que muitas vezes eram povoadas de banhistas, bacantes e figuras alegóricas, ele empregou uma pequena gama de cores, muitas vezes usando suaves tons de cinza e azul-esverdeado, com manchas de cor confinadas à roupa das figuras. Sua influência na posterior pintura de paisagem do século 19, incluindo os Impressionistas, foi imensa, particularmente em sua interpretação de luz sobre a paisagem.

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sexta-feira, 20 de fevereiro de 2015

Get Lucky - Karen Souza



Get Lucky – Karen Souza

A mesma música em versão de guitarra ao estilo de 10 dos maiores guitarristas:







quinta-feira, 19 de fevereiro de 2015

Franz Marc, um mestre expressionista das cores e dos animais

Franz Marc - Grazing Horses IV - The Red Horses - 1911 - óleo sobre tela - 121 x 183 cm - Busch-Reisinger Museum  (United States - Cambridge, Greater Boston, Massachusetts)


Franz Marc, um mestre expressionista das cores e dos animais


Franz Marc in 1910

Franz Moritz Wilhelm Marc (Munique, 8 de fevereiro de 1880 - Gussainville, 4 de março de 1916) foi um dos mais influentes representantes do movimento expressionista na Alemanha.
Filho de Wilhelm Marc, um pintor profissional de paisagens, iniciou seus estudos na Academia de Belas Artes de Munique, em 1900, depois de estudar filosofia e teologia. Suas primeiras criações foram paisagens, de estilo naturalista.


Franz Marc - Cottages on the Dachau Marsh - 1902 - óleo sobre tela - 43,5 x 73,6 cm - Franz Marc Museum  (Germany - Kochel am See)


Franz Marc - Two Women on the Hillside (estudo para obra) - 1906 - óleo sobre tela - 15,5 x 24,7 cm - Franz Marc Museum  (Germany - Kochel am See)


Viajou para a França em 1903 e em 1907, passando a maior parte de seu tempo em Paris, quando visitou muitos museus, além de se encontrar com muitos artistas locais e muitos atores famosos. Durante este tempo, ele foi muito influenciado pela arte parisiense, e pelos artistas que eram mais notáveis. Copiar o estilo que foi usado nas formas de arte que via, foi uma maneira de aprender as diferentes técnicas, e uma forma simbólica de aprender o seu próprio estilo também. Enquanto em Paris, Franz Marc se entusiasmou com as obras de Paul Gauguin, Van Gogh, Picasso e os expressionistas e depois com a exposição de Henri Matisse em Munique, em 1910.


Franz Marc - Jumping Dog Schlick - 1908 - óleo sobre cartão - 54,61 x 67,31 cm - Städtische Galerie im Lenbachhaus - Munich  (Germany – Munich



Franz Marc - Bathing Girls - 1910 - óleo sobre tela - 109,22 x 141,61 cm - Norton Simon Museum - Pasadena  (United States - Pasadena, CA


Marc se envolveu em várias relações tormentosas, incluindo um caso com Annette von Eckardt, uma negociante de antiguidades casada, nove anos mais velha que ele. Casou duas vezes, primeiro com Marie Shneur, depois com Maria Franck.


Franz Marc - Dog Lying in the Snow - 1910-1911 - óleo sobre tela - 62,5 x 105 cm - Städelsche Kunstinstitut und Städtische Galerie  (Germany - Frankfurt)



Franz Marc - Deer in the Snow II - 1911 - óleo sobre tela - 84,7 x 84,5 cm - Städtische Galerie im Lenbachhaus - Munich  (Germany – Munich)


Em 1906, Franz viajou com seu irmão mais velho Paul, um especialista em arte Bizantina, a Thessaloniki, Monte Athos, e vários outros locais gregos. Alguns anos mais tarde, em 1910, Marc desenvolveu uma amizade importante com os pintores August Macke, Gabriele Münter e Wassily Kandinsky. Com eles e outros pintores dissidentes do movimento Neue Künstlervereinigung, fundou o grupo Der Blaue Reiter ("O cavaleiro azul"), em 1911, que se tornou o centro de um círculo de artistas.


Franz Marc - Nude Lying In The Flowers - 1910 - óleo sobre tela - 72 x 100,5 cm


Franz Marc - Nudes under Trees - 1911 - óleo sobre tela - 110 x 179 cm - Museum Kunstpalast - Düsseldorf  (Germany - Dusseldorf)


Franz Marc expôs várias de suas obras na primeira exposição de Der Blaue Reiter na galeria Thannhauser em Munique entre Dezembro de 1911 e Janeiro de 1912. Como foi o ápice do movimento expressionista alemão, a exposição também percorreu Berlim, Colonia, Hagen, e Frankfurt . Em 1912 Marc conheceu Robert Delaunay, cujo uso da cor e método futurista foi uma grande influência em seu trabalho. Gradativamente sua obra se aproxima do futurismo e do cubismo e para a crescente abstração, até culminar na abstração expressiva. O tema é a força vital da natureza, o bem, a beleza e a verdade do animal, que o autor não vê no homem. Marc sentia-se intimamente ligado aos animais e tentou representar o mundo tal como o animal o vê, mediante a simplificação formal e cromática das coisas.


Franz Marc - The Large Blue Horses - 1911 - óleo sobre tela - 104.78 x 181.61 cm - Walker Art Center, USA



Franz Marc - The Yellow Cow - 1911 - óleo sobre tela - 140 x 190 cm - Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA


Marc fez cerca de sessenta gravuras, entre xilogravuras e litografias. A maioria de seu trabalho maduro retrata animais, geralmente em ambientes naturais. Seu trabalho é caracterizado pela cor primária brilhante, quase um retrato cubista de animais, simplicidade austera e um profundo sentimento de emoção. Mesmo em seu próprio tempo, seu trabalho chamou atenção em círculos influentes. Marc deu um significado emocional ou finalidade às cores que usou em seu trabalho: azul foi usado para retratar a masculinidade e a espiritualidade, amarelo representava alegria feminina, e o vermelho continha o som da violência.


Franz Marc - Cat on a Yellow Cushion - 1912 - óleo sobre tela - 48 x 60 cm - Deutsch: Staatliche Galerie Moritzburg



Franz Marc – The Dream – 1912 = óleo sobre tela – 100,5 x 135,5 cm -  Museo Thyssen-Bornemisza  (Spain - Madrid) 


Na Primeira Guerra Mundial, Franz Marc apresentou-se como voluntário. Em 1916, em Gussainville, nas proximidades de Verdun, foi abatido por um obus, quando realizava missão de reconhecimento. Morreu aos 36 anos.


Franz Marc - The Monkey - 1912 - óleo sobre tela - 70,4 x 100 cm - Städtische Galerie im Lenbachhaus - Munich  (Germany – Munich)


Franz Marc - The Tiger - 1912 - óleo sobre tela - Städtische Galerie im Lenbachhaus - Munich  (Germany – Munich)


Depois que os nacional-socialistas tomaram o poder, suprimiram a arte moderna. Em 1936 e 1937, os nazistas condenaram o falecido Marc como um “entarteter künstler” (artista degenerado) e ordenaram que cerca de 130 de suas obras fossem retiradas de exposição em museus alemães. Sua pintura "Paisagem com cavalos" foi descoberta em 2011, juntamente com mais de mil outras pinturas, no apartamento de Cornelius Gurlitt em Munique, cujo pai, o marchand Hildebrand Gurlitt, era um colecionador de arte moderna, que os nazistas chamavam de "degenerada".


Franz Marc - Foxes - 1913 - óleo sobre tela - Museum Kunstpalast - Düsseldorf  (Germany - Dusseldorf)


Franz Marc - In the Rain - 1912 - óleo sobre tela - 81 x 105,4 cm - Städtische Galerie im Lenbachhaus - Munich  (Germany – Munich)


Apesar de ter falecido aos 36 anos, a arte de Franz Marc foi influente, e bem à frente de seu tempo. Ele não só causou polêmica na Alemanha, mas também mostrou seu talento e extrema capacidade de utilizar cores, design e imagens únicas, utilizando uma abordagem mínima. O desejo dos abstracionistas alemães de unir os novos meios pictóricos da França a temas ambiciosos ou transcendentes, ou ambos, rapidamente tornou-se o objetivo dos movimentos subsequentes de abstração do século XX.


Franz Marc - Fate of the Animals - 1913 - óleo sobre tela - 195 x 263,5 cm - Kunstmuseum Basel  (Switzerland - Basel)



Franz Marc - Coloful Flowers (Abstract Forms) - c.1914 - têmpera sobre papel - 21,9 x 16,8 cm - San Diego Museum of Art  (United States - San Diego, California)


Franz Marc não estava sozinho em possuir altas aspirações. Ele, Wassily Kandinsky e Paul Klee estabeleceram um passo extremamente importante no sentido de fazer as harmonias cubistas e fauvistas se aplicarem a um conceito elevado de tema. Por exemplo, o desejo de um teor de proporções épicas se tornou um marco na obra de Marc Chagall e Piet Mondrian, e, em seguida, entre os americanos abstrato-expressionistas Jackson Pollock e Jasper Johns. O seu trabalho foi muito apreciado não apenas durante o seu tempo e durante sua extremamente curta carreira, mas até hoje Franz Marc é considerado um dos pintores mais influentes, por seu estilo único, e pela abordagem criativa com que retratou o cotidiano em seu trabalho.

Assista o vídeo e veja mais obras:




Arte é a expressão do nosso sonho: quanto mais nos entregamos a ele, mais nos aproximamos da verdade interior das coisas, o nosso sonho de vida, a verdadeira vida que despreza perguntas.” - Franz Marc

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